Das tonale Zeichnen - das Nebeneinander von relativen Werten, der Gedanke, eher Massen als Umrisse zu sehen - bildet die Art und Weise, wie Menschen sehen, genauer nach als Linien. Diese emotionale Art, die Welt darzustellen, wurde seit Leonardo erforscht. moderne Künstler haben es gemeistert.
von Ephraim Rubenstein
Auf dem Siegel der New Yorker Art Students League in Manhattan steht das lateinische Motto „Nulla Dies Sine Linea“oder „Kein Tag ohne Linie“. Die Worte stammen von Plinius dem Älteren und sind Teil seines Berichts über die Fleißigkeit des großen griechischen Malers Apelles: „Im Allgemeinen war es eine ständige Praxis bei Apelles, sich nie so mit der Ausübung des Tagesgeschäfts zu beschäftigen, dass er seine Kunst nicht durch Zeichnen einer Linie ausübte, und das Beispiel, das er gesetzt hat komm runter als ein Sprichwort. “Eine lobende Anordnung, in der Tat. Es ermahnt den Künstler, die tägliche Praxis des Zeichnens aufrechtzuerhalten und sein Handwerk stets im Auge zu behalten. In diesem Diktum sind jedoch mehrere Annahmen enthalten. Das erste ist, dass das Zeichnen die Grundlage aller Künste bildet; und zweitens bildet diese Linie die Grundlage für das Zeichnen.
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| Gelbe Rose VI
von Ephraim Rubenstein, 2002, Graphitpulver auf gelb vorbereitetes Papier, 22 x 30. Privatsammlung. |
Die Assoziation des Zeichnens von Grundlagen mit Linien ist tief in den Köpfen der meisten Menschen verankert, so dass das lästige „Ich kann nicht einmal eine gerade Linie zeichnen“die häufigste Ablehnung eines Talents in der Kunst ist. Wenn Sie jemanden bitten, zu zeichnen Bei etwas sind seine Zeichenideen immer linear und streng genommen auf eine Konturzeichnung beschränkt. Dies ist sinnvoll, da sich Linien zur schnellen Beschreibung von Objekten und zur schnellen Übermittlung von Informationen über diese Objekte eignen. Linien trennen sich und sind daher ein hervorragendes Instrument, um Klarheit zu schaffen. Auf ihrer einfachsten Ebene fungieren sie als Piktogramme - wie in Strichmännchen - oder als eine Form von Hieroglyphen. Wie in einer Zeichnung von Ingres oder Degas auf höchstem Niveau sind die Linien exquisit - großartige Vehikel für Form, Bewegung und Rhythmus.
Aber es gibt neben der Sprache der Linie die Sprache des Tons, eine Sprache, die nicht auf Linien beruht, sondern auf der Gegenüberstellung relativer Werte. Es ist eine malerische Art des Zeichnens, des Sehens in Massen und nicht in Umrissen. Beim tonalen Zeichnen zieht sich das Auge von den Rändern der Dinge zurück und sieht stattdessen Flecken von Licht und Schatten. Während das lineare Zeichnen Grenzen bevorzugt, zielt das tonale Zeichnen darauf ab, diese Grenzen aufzulösen und die Qualität von Licht und Atmosphäre zu betonen, die alle Objekte im visuellen Feld vereint. Es ist eine emotionale, unmittelbare Sichtweise, die eng mit dem Sehen verbunden ist. In der langen Geschichte des Zeichnens handelt es sich um eine neuere Entwicklung, die aus dem linearen Zeichnen hervorgegangen ist. Aber das Tonzeichnen ist eine Sprache, die Geschichte und Herkunft hat, und viele zeitgenössische Künstler finden ihre unverwechselbare Stimme faszinierend.
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Laura sitzt mit Ihre Arme verschränkt von Wendy Artin, 2002, Aquarell, 8 x 10. |
Das tonale Zeichnen entwickelte sich aus dem linearen Zeichnen durch die Entwicklung von Materialien und Praktiken. Frühere Zeicheninstrumente wie der Metallstift und die Gans oder die Krähenfeder waren sehr hart und wurden in Verbindung mit ebenso unnachgiebigen Oberflächen wie Pergament und Pergament verwendet. Als diese Oberflächen im 13. Jahrhundert der Verbreitung von Leinen- und Baumwolllappenpapieren Platz machten, wurde die Verwendung breiterer, weicherer Geräte möglich.
Diese Entwicklung hing auch mit sich ändernden Bedürfnissen und Zielen beim Zeichnen zusammen. Frühe Zeichnungen dienten in erster Linie der Vorbereitung von Gemälden und wiesen daher klare Umrisse auf, die sich leicht auf Holztafeln oder Wandfresken übertragen ließen. Sie sollten in erster Linie als Vorlagen dienen, wie in Fresko-Cartoons. Zu diesem Zweck boten die Zeichnungen einen echten Vorteil, da sie klare Konturen aufwiesen, die eine Form von der anderen trennten. Mit zunehmender Größe der Fresken und mit zunehmender Verfügbarkeit von Papier für Zeichentrickfilme wuchsen auch breitere Zeichenutensilien wie schwarze Kreide. Da die Freskenmalerei im Allgemeinen der Staffelei auf Leinen mit Öl Platz machte, konnten Künstler direkt auf die Leinwand zeichnen und die Arbeit während des Malprozesses modifizieren. Infolgedessen war die Prämie für feste Konturen geringer. Als das Interesse an der Erscheinung des Gesichtsfeldes mit seinen wechselnden Licht- und Atmosphäreneffekten wuchs, wurde es weniger wichtig, die Konturen hervorzuheben.
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| Studie für Boy Lincoln
von Eastman Johnson, 1868, Holzkohle, weiße Kreide und Gouache auf Papier, 14 x 12 ¾. Sammlung Detroit Institute of Arts, Detroit, Michigan. |
Die Kontur ist so weit verbreitet wie in der Vergangenheit und bleibt eine künstliche Konstruktion. Wir sehen nicht in Linien, egal wie gewohnt wir es sind, Objekte mit ihnen abzugrenzen. Wenn ich aus dem Fenster schaue und den Rand eines Gebäudes gegen den Himmel sehe, sehe ich an sich keine Linie. Ich sehe eine Masse von dunklen Tönen neben einer Masse von viel helleren Tönen, und der Punkt, an dem sie sich treffen, erzeugt eine Kante. Diese Kantenbeziehung könnte abgekürzt mit einer Linie beschrieben werden, sie könnte jedoch auch vollständiger beschrieben werden, indem die tonale Beziehung zwischen den beiden Massen wiederhergestellt wird, deren Kongruenz die Kante bildet. Beim tonalen Zeichnen gibt es Kanten für Massen und keine Linien zwischen ihnen. Die Kante einer Wertbeziehung durch eine Linie zu ersetzen, bedeutet, etwas, das nicht vorhanden ist, durch etwas zu ersetzen, das vorhanden ist. Deshalb wirkt lineares Zeichnen abstrakter und intellektueller. Eine Linie scheint intellektuell zu sein, nicht weil es ihr an Gefühl mangelt - für etwas, das emotionaler sein könnte als eine Leonardo Silverpoint-Linie -, sondern weil wir tatsächlich keine Linien sehen und sie daher dekodiert oder interpretiert werden müssen. Nebeneinander liegende Töne, die dem Sehen so viel näher sind, scheinen viel unmittelbarer zu sein.
Leonardo war nicht nur ein hervorragender linearer Zeichner, sondern auch eine Schlüsselfigur für die Entstehung des tonalen Zeichnens. Er arbeitete in einer Zeit beispielloser Neugier auf das Gesichtsfeld und erkundete, was das Auge tatsächlich sah. Dieses Interesse stimmte mit der Verbreitung des Ölgemäldes überein und wurde wiederum dadurch ausgelöst, dass die Künstler über die technischen Mittel verfügten, mit denen sie diese Beobachtungen aufzeichnen konnten. Es gab eine echte Verschiebung in Leonardos Ära von der Wahrnehmung von Objekten als Symbole hin zur Berücksichtigung ihrer materiellen Realität. Leonardos Schriften sind voller Beobachtungen darüber, wie Objekte dem Auge erscheinen, über Licht und Schatten und die mildernden Wirkungen von Atmosphäre und Distanz. Ein Großteil dieses Denkens kam aus seinem Studium der Optik und der Luftperspektive in der Landschaft. Wenn er also Künstler über das Malen aus der Natur berät, schreibt er in seiner Abhandlung über das Malen als reiner Tonalist: „Das Ende einer Farbe ist nur der Anfang einer anderen, und es sollte nicht als Linie bezeichnet werden, da nichts zwischen ihnen liegt, außer dass das eine gegen das andere beendet wird, was an sich nichts ist, was nicht wahrnehmbar ist. “Leonardo war schließlich in der Lage, die Entdeckungen, die er im Ölgemälde gemacht hatte, auf das Zeichnen anzuwenden. Er fährt fort: „Achten Sie darauf, dass Schatten und Licht ohne harte Striche oder Linien ineinander verschmelzen oder verloren gehen. Wie Rauch sich in der Luft verliert, so können Ihre Lichter und Schatten ohne erkennbare Trennung von einem zum anderen gelangen. “
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| Mein Vater im Alter von 93 Jahren
von Carlos Turbin, 2004, Graphitpulver aufbereitet Papier, 16 x 13 ½. |
Dies wurde letztendlich zu einer persönlichen Ästhetik für Leonardo, einer Art, die Natur zu interpretieren und darzustellen, sowie einer Art, sie zu sehen. Sein Name ist zum Synonym für das Sfumato (rauchige Atmosphäre) geworden, das alles in seiner Arbeit badet. In der Ansicht von Kopf der Jungfrau in Dreiviertelansicht nach rechts lehnt sich ihr Kopf wohltuend in die Zeichnung, ihre dunklen Locken fallen wie fließendes Wasser herab. Und wahrhaftig, während sich Rauch in der Luft verliert, taucht sie in unserer eigenen Atmosphäre auf, wie eine Kreatur von einem freundlicheren und anmutigeren Ort als hier. Die Tonabstufungen sind so fein, dass man aus der Nähe nicht erkennen kann, wo ein Schatten endet und ein Licht beginnt. Im Gegensatz zu den meisten seiner florentinischen Zeitgenossen hatte Leonardo nicht das Bedürfnis, eine Linie um alles zu ziehen, sondern er ließ die Dinge schmelzen, sich auflösen, auftauchen und heiraten, wie sie es im Gesichtsfeld tun.
Andere Wege zum Tonalismus ergaben sich aus einem zunehmenden Interesse an der Darstellung ungewöhnlicher Lichteffekte, z. B. in durch Feuer, Kerzen oder Mondlicht beleuchteten Nachtszenen. Ein so bemerkenswertes frühes Beispiel ist eine Zeichnung von Guercino für eines seiner Fresken im Casino Ludovisi. Seated Woman Reading a Book ist eine Studie für die allegorische Figur der Nacht, die eine der Lünetten im Erdgeschoss einnimmt. Ihre Rolle als Verkörperung der Nacht und Guercinos konsequentes Interesse an dieser spezifischen Lichtsituation lösten eine Bewegung in das tonale Denken aus. Entscheidend ist hier nicht so sehr die Pose der Figur oder ihre Proportionen, sondern wie sie beleuchtet wird. In dieser Studie wurde die Wirkung des Lichts selbst zum Gegenstand der Arbeit, und die Verwendung von hellen und dunklen Flecken ist viel wichtiger als die anfängliche lineare Untermauerung. Ein späteres Beispiel für dasselbe Phänomen findet sich in Eastman Johnsons magischer Studie zu The Boy Lincoln, einer Zeichnung mit Kohle und weißer Kreide, die Abraham Lincoln als Jungen darstellt und im Licht des Feuers liest.
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| Ohne Titel
von Diego Catalan Amilivia, 2005, Graphit, 18½ x 14. Sammlung Art Students League von New York, New York, New York. |
Ein weiterer Faktor, der den Trend zur Tonalität beschleunigte, war die zunehmende Verbreitung von Zeichentinten aus dem Orient, insbesondere die Einführung chinesischer oder indischer Tuschestifte im 17. Jahrhundert. Diese Tinten sind extrem portabel und können im Freien in Landschaftsmalereien eingesetzt werden, bei denen es vorrangig auf flüchtige Licht- und Schatteneffekte ankommt. Die aufkeimende Freilichtlandschaftsbewegung provozierte ein klangvolleres Sehen, weil sie in ihrem Buch Principles of Art History (Dover Publications, Mineola, New York) so viel mehr auf dem basiert, was der Kunsthistoriker Heinrich Wölfflin als „verschiebenden Schein“der Dinge bezeichnete). Während eine Figur im Atelier oder ein Stillleben auf einer Tischplatte in gewisser Weise erkennbar sind, ist es ein Baum im Nebel oder das Sonnenlicht, das von der Oberfläche eines Flusses scheint, nicht.
Georges Seurats erstaunliche schwarze Conté-Buntstiftzeichnungen, die auf seinem favorisierten Ingres-Papier ausgeführt wurden, brachen das Konzept der Tonalität weit auf. Plötzlich erkannten die Künstler die Möglichkeiten des Sehens nur in Form von nebeneinander angeordneten hellen und dunklen Flecken. Niemals zuvor und selten seitdem gab es so aufeinander abgestimmte Akte des reinen Sehens. Wenn alle Zeichnungen aus der Aufzeichnung einer Kombination von dem bestehen, was wir sehen und was wir über Objekte oder das Gesichtsfeld wissen, dann hat Seurat das Sehen in einem beispiellosen Ausmaß dem Wissen vorgezogen. Er schaute auf die Natur, als wüsste er nichts, konnte aber nur ihre Form und ihren Ton wahrnehmen. Er sah die Welt in erster Linie als Arrangement von Silhouette und Wert, wobei er das gesamte Gesichtsfeld und nicht nur das Objekt berücksichtigte. Seine Zeichnungen sind nach Ansicht des Künstlers Mark Karnes „sehr demokratisch. Es ist, als würde er behaupten, dass Licht nicht zu Gunsten der einen oder anderen Sache diskriminiert - es ist nur für alle Dinge die ganze Zeit da. “
Seurat war in der Lage, das reine Sehen in Werten weiter voranzutreiben als jemals zuvor. Aber selbst er war nicht dogmatisch, niemals Linien zu verwenden, oder der Idee, dass lineare Gedanken keine wichtige Rolle bei der Strukturierung einer tonalen Zeichnung spielen könnten. Tatsächlich ist es oft die Spannung zwischen den linearen und den tonalen Elementen, die das Zeichnen aufregend macht. Besonders früh nutzte Seurat selbst eine Art kalligraphisches Kritzeln in bestimmten tonalen Bereichen, die Textur und Energie schufen. Viele Künstler, wie beispielsweise Francis Cunningham, verwenden einen feinen ersten Umriss, um die Grundformen und ihre Platzierung auf der Seite zu bestimmen. Aber dieser Umriss dient hauptsächlich als Karte, auf der er weiß, wo er seine Werte platzieren soll, während er sich Ton für Ton zu verbünden beginnt. Da Cunninghams Zeichnungen oft sehr fein und suggestiv sind, reichen eine Handvoll Werte aus, um eine ganze Welt zu erschaffen. Die Überreste der anfänglichen Gliederung wirken dann wie eine Folie und zeigen Ihnen, wie viel Arbeit eine Handvoll Werte geleistet hat.
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| Die Mutter des Künstlers
von Georges Seurat, 1882-1883, Conté, 12? x 9½. Sammlung The Metropolitan Kunstmuseum, New York, New York. |
Edwin Dickinson, einer der größten modernen Zeichner, verwendet in seinen tonalen Zeichnungen auch gelegentliche Linien. Sie fungieren wie bei Cunningham als erste Karte oder später im Zeichenprozess als Methode, um ein verlorenes architektonisches Element zu finden oder neu zu formulieren. Man hat auch das Gefühl, dass Dickinson gelegentlich Zeilen als visuelle Interpunktion einfügt - um aufzufallen, sie irgendwohin zu führen, sie zu verlangsamen oder sogar zu stoppen. Diese linearen Gedanken sind für die Spannung in der Zeichnung von entscheidender Bedeutung, obwohl sie als Akzente im Kontext eines herrlichen, weichen Klangfeldes existieren, das die Last des Ausdrucks in der Zeichnung trägt.
Tonale Zeichenprivilegien über das Wissen hinwegsehen - das scheinbare Thema, das „was es ist“, ist weniger wichtig als das „wie es aussieht“. Wie der Künstler und Ausbilder Charles Hawthorne betonte, weiß jeder, dass ein Stück Kohle dunkel und dunkel ist weiße seiten eines offenen buches sind hell. Aber man könnte die schwarze Kohle ins Sonnenlicht stellen und das aufgeschlagene Buch in einen tiefen Schatten tauchen, und die Werteverhältnisse würden sich umkehren. Ein Objekt kann so tief im Schatten liegen, dass wir nicht einmal wissen, was es ist. Das tonale Zeichnen lässt Sie aufgrund seiner Betonung des Sehens offen für das Unerwartete der visuellen Welt, für das Unvorhersehbare. Es versetzt Sie mitten in einen Kampf zwischen dem, was Sie für da draußen halten, und dem, was tatsächlich da ist.
In Francis Cunninghams zwei Vorhangstudien ist der Vorhang eher Anlass als Gegenstand der Zeichnung. Cunningham hat die objektive Realität der Objekte - Stuhl, Vorhang, Modellstand - heruntergespielt, obwohl sie erkennbar sind und einen wichtigen Teil des Stücks ausmachen. Aber die Anordnung der Objekte, die Rhythmen, die sie erzeugen, das leuchtende Licht in dem einen und der symphonische Schattenwurf im anderen - das sind die Themen der Zeichnungen. Die Stücke bringen die Wahrheit in den Vordergrund, dass Erfahrung im Wesentlichen abstrakt ist, dass das, was wir sehen, Licht und Schatten ist, selbst wenn wir Objekte in ihnen erkennen.
Dieser demokratische Blick auf das Gesichtsfeld, so einfach es auch erscheint, ist der Auffassung der meisten Menschen vom Zeichnen, die dazu neigt, Objekte zu trennen, fremd. Stellen Sie sich eine akademische Figurenzeichnung vor, bei der die Figur aus ihrem Kontext entfernt wird, indem sie in einem leeren Feld isoliert wird. Und während diese Quarantäne des einzelnen Objekts unsere Untersuchung intensivieren kann, fühlen wir uns häufig der Unnatürlichkeit der Situation gegenüber stärker als der Realität des Objekts. Die Kontur der Figur, so schön sie auch sein mag, fungiert als eine Art Eindämmung, die den Gegenstand aus dem Ebbe und Flut des Lebens herausholt. Das tonale Zeichnen versucht, das Objekt wieder in seinen Kontext zu bringen und es in Bezug auf seine Beziehung zu allem, was es umgibt, zu sehen.
Mark Karnes ist ein Meister dieses Aspekts des tonalen Zeichnens. Sie bewegen sich über eine Karnes-Zeichnung, anstatt auf eine Sache darin zu starren. Alle Dinge in seinen Zeichnungen werden durch das bestimmt, was sich neben ihnen befindet. Anders als in der Hierarchie einer akademischen Zeichnung, in der Sie aufgefordert werden, nur eine Sache zu betrachten, ist hier die Beziehung der Dinge wichtig, wie sie zusammenkommen. Ein Winterbaum kann nur durch das dunkle Dach dahinter erkannt werden; Der massivere Schatten eines Gebäudes auf dem Dach hängt vollständig vom empfindlicheren Schatten eines Baumes darunter ab.
Karnes 'Arbeit ist voller Sehen. Anstatt ein Haus oder ein Auto zu zeichnen, zeichnet Karnes einen Raum und eine Art Licht, in dem sich zufällig ein Haus und in diesem Moment ein Auto befindet. Die Atmosphäre ist so schön eingefangen, dass wir das Gefühl haben, dort gewesen zu sein, auch wenn wir es nicht getan haben, und das Bild weitet sich in unseren Köpfen wie eine beständige Erinnerung aus. Karnes macht auch unzählige Ink-Wash-Studien zu Themen, die ihn interessieren. Wie Claude und Constable findet Karnes Tinte ein enorm unmittelbares Material. Es verkürzt die Zeit zwischen dem Sehen und dem Aufnehmen des Motivs, sodass er mit einer Direktheit antworten kann, die auf keinem anderen Medium möglich ist. Zu diesem Zweck hält er diese Studien extrem klein, damit er dem Impuls nachgeben kann und sich nicht darum kümmern muss, die Struktur eines größeren Werks zu kontrollieren. Alles ist mit einem Blick auf die Seite lesbar.
Ähnliches gilt für Wendy Artins schöne Figurenstudien in Aquarellwäsche. Ihre Reaktion auf die Licht- und Schattenmuster, die die Figur treffen und beschreiben, ist so unmittelbar, dass wir das Gefühl haben, dass wir auf etwas schauen, das wirklich in Bewegung ist. Ihre Models tanzen vor uns - erst sind sie da und dann nicht. Sie bringt ihr Leuchten zum Ausdruck, indem sie die helle Seite der Figur mit dem Papier verbindet, so dass die Form auf der Schattenseite mit einem geschickten Pinselstrich hervortreten kann. Und obwohl sie vor Licht glühen und sich blitzschnell bewegen, wird darunter eine glaubwürdige Figur beschrieben. Artin verliert nie die Struktur oder beeinträchtigt die Wesentlichkeit ihrer Figuren. Diese Kombination aus Bewegung und Tastbarkeit macht sie so unendlich sinnlich und anmutig.
Wie ein Gemälde kann eine großartige Tonzeichnung in einem Abstand von 50 Fuß gelesen werden. Reid Thompsons dramatische stehende Figur ist gegen das Licht abgesetzt zu sehen, und alles in der Zeichnung konvergiert gegen die leuchtende Hintergrundbeleuchtung, die den Rand von Kopf, Schulter und Brust des Modells umgibt. In der Mitte der Zeichnung verdichtete und verdunkelte Thompson das Feld um die Figur, um alles Unnötige zu entfernen. Diese Fähigkeit, Elemente hinzuzufügen, herauszunehmen, ganze Massen aufzuhellen oder abzudunkeln und dabei wesentliche Änderungen vorzunehmen, macht das Tonzeichnen für Maler äußerst attraktiv. Es kommt der Malerei prozessnah nahe und ist eine malerische Denkweise.
Um das tonale Zeichnen zu erforschen, ist es wichtig, Materialien und Methoden zu verwenden, die sich für das tonale Denken eignen. Ein Silberstift oder ein harter Graphitstift reichen nicht aus, da diese Instrumente zum Verlegen von Linien bestimmt sind. Aber Graphit kommt zum Beispiel in Pulverform vor. Es kann mit einem Stumpf oder einer Gämse in Massen ohne Linien überhaupt angewendet werden. Auf diese Weise zu arbeiten fühlt sich sehr an, als würde man in Schwarz und Weiß malen. Im Gegensatz zu Holzkohle, die trockener ist und dazu neigt, wegzufliegen und sich zu verteilen, hat Graphit eine leicht ölige Qualität, die dort haftet, wo sie viel genauer platziert wird. Aus diesem Grund ist es sehr feinfühlig und detailgetreu.
