Milt Kobayashi gewährt den Schülern die Erlaubnis, die vollständige Kontrolle über ihre Bilder zu übernehmen, und fühlt sich nicht verpflichtet, genau das zu malen, was sie sehen. Während eines kürzlich durchgeführten Workshops ermutigte er die Teilnehmer, die Pose, die Farbe und die Kostüme eines Models nach ihren eigenen Vorstellungen zu ändern.
von Molly Siple
In seinen Kursen geht es mehr darum zu lernen, offen für Möglichkeiten zu sein, und weniger darum, die Woche mit einer neuen Liste künstlerischer Taten und Verbote zu beenden. Ein Schüler fasste Kobayashis Lehransatz folgendermaßen zusammen: „Er gibt uns die Erlaubnis, uns selbst zu vertrauen.“
Künstler, die kürzlich an einem von Kobayashis Workshops an der Scottsdale Artists 'School teilgenommen haben, stellten fest, dass es nicht einfach ist, Malentscheidungen eher nach persönlichem Geschmack als nach Beobachtung zu treffen. In der Tat ist es ein erlernter Prozess, das zu tun, was Sie wollen. Das Lernen fand an jedem der fünf Tage des Workshops statt, wobei der Vormittag einer dreistündigen Demonstration von Kobayashi gewidmet war, zu der er sehr selten sprach. "Ich unterrichte so, wie ich es gerne von Sargent lernen würde", erklärte er. „Ich möchte, dass Sargent malt und nicht nur darüber spricht. Ich würde herausfinden, was er selbst tut!"
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Kobayashi half einem Studenten stärke ihre figur malerei. |
Obwohl Kobayashi nicht viel über seine Kunstphilosophie zu sagen hat, bietet er den Schülern durch Beobachtung viele Möglichkeiten, sich mit seinem Malstil vertraut zu machen.
Er gibt auch Hinweise auf seinen Prozess in der Art und Weise, wie er Fragen beantwortet. Auf die Frage nach einer bestimmten Farbmischung, die in einem früheren Workshop als Favorit galt, antwortet er: „Oh, das mache ich nicht mehr.“Als ein Schüler ihn festhalten wollte, wie er Schatten festlegt oder Hände malt, gab er Antworten wie „Es ändert sich ständig“oder „Ich mache das normalerweise, aber nicht heute“. Die Schüler haben verstanden, dass sie in der Gegenwart bleiben, dem vertrauen sollten, was sie sehen, und die künstlerische Kontrolle über ihre Arbeit übernehmen sollten.
Kobayashi lässt die Schüler auf die gleiche Weise erforschen und erfinden, wie Kunstlehrer, die in den 1960er Jahren den Abstrakten Expressionismus unterrichteten, den Malprozess über das Thema stellten. Das eigentliche Thema - das Modell, das ein bestimmtes Outfit trägt und in einer bestimmten Pose positioniert ist - war nur ein Ausgangspunkt. Die Entwicklung des Gemäldes basierte auf dem, was der Künstler auf seiner Leinwand sah. Über das Malen der Figur sagte er: "Malen Sie, wie es Ihrer Meinung nach aussehen sollte."
| Kobayashis Arbeit | |
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| Katzenaugen
2003, Öl, 8 x 8. Privatsammlung. |
Liebe und japanische Drucke
2004, Öl, 16 x 20. Privatsammlung. |
Der erste Tag des Workshops begann mit einer Begrüßung durch Kobayashi, die sich wie eine kleine Menge begeisterter Fans anfühlte. (Die 18-köpfige Klasse füllte die ersten 45 Minuten nach Eröffnung der Anmeldung aus.) Mehrere der Schüler haben seit einem Jahrzehnt oder länger an seinen Workshops teilgenommen. Die langjährigen Freundschaften, die Kobayashi mit vielen hat, wurden bald deutlich, als sich der Raum mit Lachen und Plaudern füllte. Ein Schüler fragte: „Wirst du uns von neuen geheimen Farben erzählen, die du verwendest?“Sofort kam er zurück mit: „Wenn ich das wüsste, würde ich es dir nicht sagen.“Dies wurde mit einem schlauen Lächeln gesagt. als Kobayashi alle formalen Barrieren zwischen Lehrern und Schülern abbaute. Er machte sich und seinen Unterricht zugänglich und gab den Teilnehmern das Gefühl, von einem sehr gut informierten Freund zu lernen.
Alle Demonstrationen von Kobayashi fanden an einem Ende eines langen, weitläufigen Studios statt. Das Model nahm ihren Platz in einem gewöhnlichen weißen Plastikstuhl ein, der auf einer niedrigen Plattform stand. Zu Beginn tonte Kobayashi einen 11 "-x-14" -Leinwandkarton mit einer Mischung aus dunkelgrünem und ockerfarbenem Pigment, gemischt mit etwas Farbverdünner und Leinöl. Er wendete schnelle, feste Striche an, mischte sie und probierte verschiedene Kompositionen aus, indem er einen grundlegenden Umriss von Kopf und Schulter zeichnete. Er warnte die Schüler, dass der Kopf nicht auf den Oberkörper ausgerichtet sein solle, da dies "viel zu steif" wäre, sondern stattdessen gekippt werden müsse. Er versuchte auch, innerhalb der Pose Abwechslung zu schaffen. „In jeder Pose gibt es eine aktive und eine inaktive Seite. Ich mache eine Seite sehr gerade und die andere krumm als Kontrapunkt. “
Als nächstes positionierte er das Modell so, dass es mit dem übereinstimmte, was er gezeichnet hatte. Er neigte ihren Kopf und benutzte den Bleistift, um ihren Blick zu lenken. "So arbeite ich", erklärte er. „Ich beginne mit einer Idee, wie ich das Gemälde haben möchte, und dann muss das Modell so sitzen.“In dieser Phase der ersten Zeichnung begann er auch, die Position der Hände zu bestimmen und sie mit einfachen Rechtecken zu kennzeichnen. Er probierte verschiedene Positionen aus, die in Bezug auf die Anatomie und die Pose des Modells etwas willkürlich, aber in Bezug auf das Design wichtig waren. Er trat häufig von der Leinwand zurück, um die Komposition zu beurteilen, dann passte er die Position und den Winkel der Elemente an und stellte sie für den Fluss neu auf, bis er zufrieden war.
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Viele der Studenten (und ihre Haustiere) hatten besuchten frühere Workshops mit Kobayahshi und waren mit seiner Herangehensweise vertraut. |
Um die Form des Kopfes zu definieren, zeichnete Kobayashi einen Kreis für den oberen Schädel und fügte dann eine Art Dreieck mit einer flachen Spitze hinzu - eine Mündungsform für die Vorderseite des Gesichts. Wenn die Platzierung nicht korrekt erschienen wäre, könnte der Künstler diese kurz notierten Formen verschieben. Er beendete die Planung des Gesichts, indem er die Augen entlang des Bogens anzeigte, an dem der Kreis in das Dreieck eingekeilt war. Der Mund ging an die Spitze des Dreiecks und darunter zeichnete er einen hervorstehenden Zylinder, der das Kinn definierte.
Kobayashi schreibt George B. Bridgman, seit mehr als 50 Jahren ein renommierter Anatomie-Ausbilder der Art Students League in New York, Manhattan, diesen Ansatz zu, um die Figur zu zeichnen, in der die menschliche Form zu Blöcken reduziert wird, die zu anderen Blöcken verkeilt sind. "Seine Methode war einfach und leicht, und die Blöcke zeigten die Richtung der verschiedenen Elemente des Körpers", erklärte er. „Mit diesem Ansatz können Sie das richtige Skelett finden, ohne sich über die Muskeln Gedanken machen zu müssen - das passt zu meiner Art von Malerei.“Kobayashi empfahl den Schülern, Exemplare von Bridgmans Büchern zu Referenzzwecken zu kaufen: Bridgmans vollständiger Leitfaden zum Zeichnen aus dem Leben (Sterling Publications, New York, New York); Köpfe, Figuren und Gesichter (Dover Publications, Mineola, New York); Konstruktive Anatomie (Dover Publications, Mineola, New York).
"Manchmal ist es wirklich schwierig, die von mir gewünschte Pose zu halten", erklärte Kobayashi. "Ich denke, das liegt an meinen früheren Jahren des Zeichnens und Versetzens von Figuren." Um das Problem zu lösen, dass ein Modell eine unangenehme Pose einnimmt, arbeitet Kobayashi häufig mit Polaroid-Fotografien des Modells.
„Bevor ich zu viel zeichne, male ich gerne die Massen, damit ich sehen kann, wohin das Bild geht“, erklärte Kobayashi, während er die Demonstration fortsetzte. Er verwendete einen Filbert-Pinsel Nr. 4 und seine Standardpalette von Erdtönen, darunter eine Mutterfarbe wie Schwarz oder ein vorgemischtes warmes Grau, aber keine Cadmiums und selten Weiß. Er bevorzugt auch die Farben der Mars-Serie, gibt den Schülern jedoch keine festgelegte Palette spezifischer Pigmente, da sich seine Favoriten ständig ändern. Mit gelbem Ocker umriss er den Kopf mit Strichen unterschiedlicher Breite, um Form zu vermitteln, und tupfte Werte für Augen, Nase, Mund und Ohren ein. Er hielt einen Moment inne, um den Schülern zu versichern, dass sie mit der Platzierung von Features spielen könnten. „Das Gemälde ist wirklich eine Lüge. Alles, was Sie tun müssen, ist, den Betrachter davon zu überzeugen, dass das Bild richtig ist. “Dann strich er über eine wilde Haarmasse. Während er malte, bemerkte Kobayashi: „Ich versuche, Haare schnell und locker zu malen, weil die Haare locker sind. Ich erinnere mich an das Material, das ich male, damit die Pinselstriche das ausdrücken. “
| Studentenarbeit |
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Kobayashi vermeidet jeden formale Kritik des Schülers Arbeit, weil in der Klasse Es ist nicht genug Zeit Bilder bringen zu Vollendung, und er fühlt Sie zu beurteilen wäre verfrüht. Jedoch vorbei die Jahre hat Kobayashi einen Fehler am meisten gesehen Studenten machen: Sie haben Angst Dunkelheiten benutzen und anfangen ihre gemälde mit a Mittelton macht das ihre Arbeit erscheint schlammig. |
Kobayashi kann auch die Farbe der Haare verändern. In dieser Demonstration malte er das Haar mit Mars schwarz, weil „es wirklich schwarz trocknet“. Schwarz ist ein wesentlicher Bestandteil von Kobayashis Palette, in der Tradition von Künstlern wie Degas, Manet und Velázquez. Im Allgemeinen bevorzugt er Elfenbeinschwarz anstatt Kohlenschwarz, und wenn die Haare sehr schwarz aussehen sollen, fügt er etwas Ultramarinblau hinzu.
Als nächstes ging er die Hauttöne von Gesicht und Hals an und verwendete dabei besonders schlammige Farben, die Teil seines typischen Stils sind. Er kann mit Marsviolett oder Marsgelb oder einem warmen Monochrom von Holbein beginnen. Wenn etwas schwarzes Pigment in seinem Pinsel zurückbleibt, mischt sich das Haar mit den anderen Farben, umso besser. "Für mich stimmt etwas nicht mit fleischigen Pflasterfarben und Rouge-Wangen", kommentierte Kobayashi. „Sie werfen mich aus der Bahn, und das Bild bewegt sich in eine konventionellere Richtung, anstatt ein Kobayashi zu sein. Ich fühle mich freier, wenn ich ungewöhnliche Farben verwende. “Als er die Frage eines Schülers nach den für das Gesicht verwendeten Pigmenten beantwortete, zeigte er, wie viel Spaß er daran hat, unkonventionell zu sein. "Ich plane einen grauen, hässlichen Hautton - sehr totes Aussehen."
Als nächstes blockierte er den Schatten der Augenhöhle, gefolgt von der Farbe auf dem Nasenrücken und dem Schatten unter der Lippe und am Nacken. Er mischte blaue, gebrannte Siena und ein gelbliches Weiß für diese. Derzeit mag er auch Holbeins Marsorange, weil „es nicht zu braun ist. Es erwärmt sich hellblau und macht einen tollen Schattenton. “Als Nächstes füllte er den freiliegenden Teil der Brust in der Nähe des Ausschnitts aus, jedoch mit einem geringeren Wert, da dieser Teil des Körpers normalerweise weniger Sonne als das Gesicht erhält. Für Kobayashi ist der Wert wichtiger als die Farbe. „Wert begründet dein Gemälde. Sie können dann jede gewünschte Farbe verwenden. “
Er wandte seine Aufmerksamkeit wieder den Händen zu und ließ das Modell verschiedene Positionen ausprobieren. „Ich bin wie ein Regisseur. Ich nehme mir viel Zeit, um die Hände so zu posieren, dass sie nicht geballt sind oder eine zu geometrische Form haben. Beugen Sie das Handgelenk ein wenig, sonst ist es zu gerade und sieht aus wie ein Baumstamm. Stellen Sie sich vor, wie Tänzer ihre Hände in Positionen halten, die der Form Bewegung verleihen. Ich möchte, dass sie elegant platziert werden. “Er macht Polaroid-Fotos von den Händen des Modells und verwendet sie, um in den Grundebenen zu liegen. Obwohl er die Hände groß macht, mag er es, die Arme dünn zu malen, um seinen Gemälden mehr Action zu verleihen und den Blick des Betrachters auf das Bild zu lenken. Seine Arme sind röhrenförmig, es sei denn, sie ruhen auf einer Stuhllehne, versinken in der Polsterung oder bieten die Möglichkeit, eine weiche Kante und eine interessante Form zu schaffen.
Kobayashi bedeckte die Leinwand mit allen Werten und Formen. "An dieser Stelle möchte ich wissen, wie alles zusammenhängt", erklärte er. Als nächstes bat er die Schüler zu entscheiden, welche Farbe die Bluse des Models haben soll. Er schlug eine kühle Farbe vor, damit die Farbe des Gesichts nicht eintönig aussah. Die Schüler entschieden sich für Lavendel und Kobayashi mischte ein Immergrün aus einer Kombination von violettem Grau und Rose. Dann bedeckte er den Hintergrund mit einem warmen Beige mit einem Pinsel Nr. 8 und einem Spachtel und schnitt mit der Hintergrundfarbe in die Haarform. Er behielt dieses Farblicht bei, um die Silhouette der Figur beizubehalten. Der Künstler sagt, dass er Blau für den Hintergrund vermeidet, weil es dem Himmel zu sehr ähnelt.
Kobayashis Pinselstriche waren während dieser ganzen Einspielzeit sicher und harmonisch. In Bezug darauf hatte der Künstler einen faszinierenden Tipp für seine Schüler: „Das Malen hat einen Rhythmus, der sich von der Palette bis zur Leinwand erstreckt, und die Größe der Behälter, in denen Sie Lösungsmittel und Pigmente aufbewahren, kann sich darauf auswirken.“Er riet. „Verwenden Sie große Behälter, um große Striche zu machen. Ich halte Pinsel in einer Kaffeedose, die Farbe dünner hält, und verwende eine Thunfischdose, deren Deckel für das Leinöl abgenommen ist. Bei größeren Behältern kann ich die Bürste frei bewegen. Es ist eine Sache mit kontinuierlichem Fluss. Ich benutze diese winzigen Tassen, die sie verkaufen, nicht, um Öl zu halten. Wenn Sie mit einem Pinsel ein wenig eintauchen und dann einen großen Strich auf der Leinwand machen, ist das ein anderer Rhythmus. “
Nachdem das Einlegen abgeschlossen war, beendete Kobayashi die erste Phase seines Malprozesses in etwas mehr als einer Stunde. "Stufe zwei beinhaltet das Aufräumen der Zeichnung", erklärte er. Er malte nass in nass und arbeitete wieder im Gesicht. "Jetzt zeichne ich es für mich neu." Er änderte die Werte, fügte etwas Marsviolett auf die Wangen und betonte die Projektion der Nase.
In der zweiten Phase stand Kobayashi sehr nahe an der Leinwand, um „ernsthaft zu malen“. Die Schüler sahen sich das Fernglas genauer an, das sie mit ihren Malutensilien mitbringen sollten. Er fügte der dunkleren Seite des Gesichts etwas Licht hinzu, weil, wie er erklärte, „diese Seite sich ins Licht krümmt“und der helleren Seite einen Schatten hinzufügte, um es aufzuhellen. Als nächstes konzentrierte er sich auf den Mund und schnitzte den Rand mit dem angrenzenden Fleischton. Er beschrieb die Hände. "Ich betrachte die drei Mittelfinger der Hand als Keil mit dem kleinen Finger und dem Daumen eher als Akzente", kommentierte er. "Diese geben der Hand Ausdruck." Er malte dicke, schwarze Linien zwischen den Fingern, um sie zu definieren. Er bemerkte auch eine Farbveränderung am Handgelenksknochen und malte eine Ebene mit einer tiefen Rose. Die Hände waren jedoch immer noch flach und stilisiert, was an die grafischen Hände des Wiener Expressionisten Gustav Klimt erinnerte.
Zu diesem Zeitpunkt überlegte Kobayashi, ob er der Bluse der Figur ein Muster hinzufügen sollte. Getreu der Freiheit, die er sich in der Malerei einräumt, entwarf er tanzende Farb- oder Streifenflecken. Inzwischen zeichnete sich die Persönlichkeit der Figur ab. Als ein Student ihn fragte, wer die Frauen in seinen Gemälden seien und ob sie eine Botschaft hätten, antwortete Kobayashi sachlich: „Ich glaube fest daran, dass es das ist, was es ist.“So male ich Frauen. Ich kann es nicht erklären."
Kobayashi arbeitete detaillierter, als er zur dritten Etappe überging. Er entschied, wo die Pupille des Auges platziert werden sollte - 1 Uhr und hoch, um das Auge zu öffnen - und empfahl, eine viskose handgemachte Farbe wie Doak oder Harding zu verwenden und die Spitze des Auges einzutauchen, um der Pupille eine gewisse Textur zu verleihen in das pigment einpinseln. Als nächstes korrigierte er die Wimpern und Augenbrauen und fügte sie dem Mund hinzu - dem ausdrucksstärksten Teil des Gesichts, weil es sich ständig ändert. „In diesem Stadium überprüfe ich auch, wie ein Schlaganfall mit einem anderen zusammenarbeitet. Ich möchte, dass die Oberfläche attraktiv aussieht. “Sein charakteristischer Pinselstrich bezeichnet er als„ runder “und bevorzugt daher Modelle mit einem volleren Gesicht.
Nach einer Mittagspause kehrten die Workshopteilnehmer ins Studio zurück, um drei Models zu entdecken, die in verschiedenen Bereichen des Raumes posieren. Sie fingen an, die Frauen zu malen, und Kobayashi ging durch den Raum, wobei er eine gute Form, die grafische Flachheit eines Designs oder den Umgang mit Farben beglückwünschte. Er erklärte, dass er laut sprechen würde, wenn er das Gemälde jeder Person kritisierte, damit diejenigen, die vor ähnlichen Problemen standen, von seinem Feedback profitieren könnten. Ein Student hatte Probleme mit dem Rosa eines Satinkleides, das eines der Modelle trug, und Kobayashi zeigte ihr eine Reproduktion eines Sargent-Gemäldes, in dem er mit Satin umgegangen war. Dann half er dem Schüler, die Grundfarbe des Stoffes zu finden, den das Klassenmodell trug, und malte diese zuerst, bevor er Schatten- und Glanzlichtfarben hinzufügte. Er erinnerte sich auch an die Zeit, als er ein Sargent-figuratives Gemälde in seinen Computer gescannt und die wenigen dunkelsten Bereiche und Glanzlichter digital gelöscht hatte, um festzustellen, dass der Meister sich bei der Darstellung der Form hauptsächlich auf zwei Werte verlassen hatte.
Für einen anderen Teilnehmer grub er einen spanischen Kamm aus und steckte ihn in die Haare des Modells, um den Hintergrund zu ergänzen, den der Schüler gemalt hatte. Im Laufe des Nachmittags waren alle in ihre Arbeit vertieft. Das Malen machte plötzlich Spaß, als Kobayashi die Schüler von der Modellstudie befreite und sie ermutigte, ihre eigenen Originalgemälde zu schaffen.
Im Verlauf des Workshops baute Kobayashi ein warmes Verhältnis zu seinen Schülern auf. Am letzten Tag brachte jemand einen Schuster und ein Eis zum Teilen, und Kobayashi gab den Schülern Umarmungen, bevor sie sich auf den Weg machten.
