Sondra Freckelton ist weithin bekannt für ihre gut geplanten, durchdachten und fachmännisch gestalteten Aquarelle, die sie nach Prinzipien entwickelt, die den künstlerischen Ausdruck erweitern. und sie wird geschätzt, um anderen zu helfen, diese Prinzipien zu lernen und gleichzeitig ein konkretes Verständnis der Aquarellmalerei zu erlangen.
von M. Stephen Doherty
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| Niederländische Palette
1998, Aquarell, 28 x 27. Sammlung des Künstlers. |
Als die New Yorker Künstlerin Sondra Freckelton die Schüler durch eine Reihe von Übungen führt, die ihnen helfen sollen, ihre Bilder dynamischer und einladender für den Betrachter zu gestalten, sind sie erstaunt. Und wenn sie zeigt, wie man mit transparentem Aquarell arbeitet, um den größtmöglichen Nutzen aus dem Medium zu ziehen, sind sie überrascht, wie logisch und angemessen ihre Methoden sind, insbesondere, wenn sie andere Workshops besucht haben, in denen ihnen das Malen beigebracht wurde, aber nicht warum. Am Ende des Workshops bemerken die Schüler oft, dass sie zum ersten Mal gelernt haben, Aquarellbilder zu komponieren und auszuführen.
Einige der Übungen, die Freckeltons Schüler machen, sollen ihnen helfen, das Auswählen und Anwenden von Farben zu verstehen, während andere darauf abzielen, dass sie erkennen, wie Materialien verwendet werden können, um den Grund für die Auswahl eines bestimmten Fachs zu vermitteln. Zum Beispiel zeigt sie, wie man einen einfachen Apfel oder eine Pflaume malt, indem man die drei Grundfarben übereinander legt, um die Farbe auf dem Papier zu erzielen, anstatt die Farbe auf der Palette zu mischen. Freckelton erklärt, dass Künstler, da dies ein transparentes Medium ist, einen intensiveren Farbton erhalten können, wenn sie leuchtende oder lebende Objekte mit einer erreichten Farbe malen, bei der alle verwendeten Farben offensichtlich sind. und später vielleicht kontrastieren, indem Sie die Farben auf der Palette für nicht lichtfreisetzende Motive wie Stoff oder Holz mischen. Die Schülerinnen und Schüler versuchen dann selbst, transparente Farben über eine ovale Form zu legen, die auf ein Stück hochweißen Papiers gezeichnet ist. Dabei achten sie stets darauf, wie die Farben interagieren und sich auf die Illusion eines dreidimensionalen Objekts auswirken.
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| Ende des Sommers
1995, Aquarell, 39½ x 36. Privatsammlung. |
Den Schülern zu vermitteln, warum sie ein Thema ausgewählt haben, ist eine größere Herausforderung, da den meisten Aquarellisten beigebracht wird, einfach das zu malen, was sie beobachten, und sich nicht auf die Gründe zu konzentrieren, die sie für ein Thema interessieren. In einer Übung bittet Freckelton die Schüler, abstrakte Formen zu entwerfen, die starke Emotionen wie Angst, Frieden, Wut oder Freude vermitteln. Sobald sie ein Thema ausgewählt haben, empfiehlt sie den Schülern, sich eine Postkarte mit der Nachricht zu schreiben, die ein Betrachter ihres Gemäldes erhalten soll. Nach Abschluss des Gemäldes vergleichen die Schüler die beiden Kommunikationsformen, um festzustellen, ob sie übereinstimmen.
„Anfängliche Aquarellisten müssen sich Gedanken darüber machen, warum sie sich für ein Thema entschieden haben, und die wichtigsten und interessantesten Faktoren ermitteln. Später wird dieser Prozess natürlich “, fasst Freckelton ihren Rat zusammen. „Kunst machen ist mehr als nur Fakten festzuhalten. Der Maler muss wichtige Themen übertreiben und unwichtige oder undurchsichtige Details verringern oder auslassen. Das selektive Auge muss entwickelt werden.
„Nachdem ich jahrelang Kunst gemacht hatte, wurde mir klar, dass ich mich umso mehr dem Wesen des Motivs nähern würde, je wirtschaftlicher ich es malen konnte“, fährt Freckelton fort. „Ich habe auch verstanden, dass ich durch Übertreibung der wichtigen Merkmale und Minimierung von Faktoren, die Form, Licht, Rhythmus oder Bewegung nicht verbessern, das Hauptkonzept hervorheben würde, das mich zum Malen des Bildes motiviert hat. Gleichzeitig konnte ich zu einem Bild kommen, das mehr Leben hatte.
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| Kornblumen & Zinnien
1979, Aquarell, 28 ½ x 29. Privatsammlung. |
„Der nächste Schritt ist der schwierigste und zugleich nützlichste“, erklärt der Künstler. „In diesem Schritt werden Elemente der Komposition verwendet, um Ihre Ideen zu stärken und Ihre Vision einem Publikum zu vermitteln. Es gibt Standardelemente für das Design - Linie, Form, Volumen, Ton -, aber es gibt andere Aspekte, die bei der Darstellung einer bestimmten Sichtweise berücksichtigt werden müssen. Dazu gehört das Format des Gemäldes (quadratisch, horizontal, vertikal); der Standpunkt des Künstlers (oben, unten oder sogar mit dem Thema); Anteil von Räumen und Farben; und die Formen, die den Betrachter in, um und aus dem Bildraum führen. Dies sind die Überlegungen, die ein Gemälde von einer Fußgängerzone zu einem aufregenden Kunstwerk machen können. “
Freckelton empfiehlt den Künstlern häufig, schnelle Skizzen ihrer geplanten Bilder anzufertigen, damit sie einige dieser kompositorischen Überlegungen prüfen können, bevor sie mit dem Malen beginnen. „Der Verstand sollte lange vor dem Auftreffen des Pinsels auf das Papier mit der Arbeit beginnen“, empfiehlt sie. Eine der wichtigsten Überlegungen ist die Position des Mittelpunkts und eine andere die Einrichtung eines Einstiegspunkts, von dem aus der Betrachter in das Bild geführt wird. "Es gibt einen Grund, warum die geografische Mitte der Zeitung als" Totpunkt "bezeichnet wird", kommentiert sie. „Es liegt daran, dass ein Gemälde, in dem sich das Motiv an dieser Stelle befindet, leblos ist. Sie werden immer ein ansprechenderes Bild haben, wenn sich das Zentrum des Interesses in Übereinstimmung mit den Absichten des Künstlers auf der einen oder anderen Seite befindet.
„Wenn einem Bild ein Einstiegspunkt fehlt - häufig eine diagonale Form, die sich vom unteren Rand der Seite abhebt - spüren die Betrachter, dass sie in eine private Szene eindringen, anstatt in das Bild eingeladen zu werden“, fügt Freckelton hinzu. "Und wenn es einen Eintrittsort gibt, muss es auch einen Austrittsort geben, normalerweise eine Diagonale, die den Betrachter über das Bild hinweg und aus dem Bild heraus führt."
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| Das Ende des Herbstes
1996, Aquarell, 37 x 38. Sammlung der Künstler. |
Freckelton und ihr Ehemann, der Künstler Jack Beal, amüsieren ihre Schüler häufig, indem sie diese Verwendung von Ein- und Ausgangsebenen als Erfindung einer „Zweischalenkomposition“bezeichnen. Damit ist die Ebene des Raums gemeint, auf der der Betrachter ein Gemälde betreten kann Man stelle sich ein Trapez vor, das an ähnlich geformten Trapezoiden des Raums angelenkt ist, durch die sie austreten. Im einfachsten Sinne ist es wie ein Grasfeld, das am Horizont auf den Himmel trifft. Das Feld erscheint als untere Hälfte der Muschelschale, der Horizont als Scharnier und der Himmel als obere Hälfte der Muschelschale. „So albern das auch klingen mag - und unsere ehemaligen Schüler schicken uns ständig echte Muscheln und Muschelgemälde -, erinnert das Denken an eine Muschelschale die Künstler daran, den Raum in ihren Gemälden zu berücksichtigen“, erklärt Beal. „Zu viele Künstler malen eine direkte Ansicht von Objekten, die auf einem flachen Regal stehen, oder sie posieren Modelle in einer engen, nagelartigen Umgebung. Das Ergebnis ist, dass die Gemälde nicht die Tiefe haben, die man sich vorstellen kann, wenn man dieselben Motive aus einem anderen Winkel oder einer anderen Höhe malt. “
Zusätzlich zu diesen Überlegungen verwendet Freckelton eine Skizze, um zu bestimmen, ob sich die Objekte in einem Stillleben über die Grenzen des Papiers hinaus erstrecken oder von diesen begrenzt werden, wenn Elemente in einem Bild als sekundäre oder tertiäre Interessenbereiche fungieren können, wenn Formen und Muster können wiederholt werden, um der Komposition Rhythmus zu verleihen, und ob Elemente in Maßstab oder Richtung übertrieben werden können, um dem Bild Vorfreude und Energie zu verleihen. Zum Beispiel wird Freckelton in vielen ihrer Stillleben kippen
ein Tisch nach vorne, so dass die darauf ruhenden Gegenstände abrollen und in den Schoß des Betrachters gelangen können; oder sie vergrößert die Skala einer Blüte, um sie wichtiger als die anderen zu machen oder um die Illusion von Raum und Distanz zu verstärken.
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| Pfingstrosen in schillernden Schüssel
2000 aquarell, 23 Collection x 30. Sammlung der Künstler. |
Offener oder negativer Raum ist für Freckeltons Plan ebenso wichtig wie der positive Raum. Sie glaubt, dass die Form und der Wert einer Hintergrundwand für den Erfolg eines Gemäldes genauso wichtig sein können wie die Details, die in den Objekten davor gemalt werden. „So wie ein großartiges Musikstück eine Vielzahl von lauten und leisen Klängen bietet und eine großartige Tanzperformance den Sportler mit der Anmut verbindet, muss ein großartiges Gemälde Bereiche der Aufregung und Ruhe bieten. Es ist eine Frage der Proportionen - von Mustern, Formen und Farben. “
Einige Aquarellisten glauben, dass all diese vorbereitenden Arbeiten die Kreativität einschränken, weil sie das Malen zu einem Prozess machen, bei dem ein festgelegter Plan ausgeführt wird, anstatt das sich entwickelnde Bild zu erforschen. "Es ist genau das Gegenteil", antwortet Freckelton. „Der Plan entwickelt sich auch und ändert sich, wenn Sie weitere Elemente suchen und entdecken, die Ihr ursprüngliches Konzept verbessern. Wenn Sie wissen, warum Sie ein Motiv malen, wie Sie ein Bild zusammenstellen und eine allgemeine Vorstellung von der Reihenfolge der verwendeten Farbanwendung haben, sind Sie frei von Fehlstarts und frustrierenden Korrekturen und können dann auf die Art und Weise reagieren Die Farbe küsst das Papier. Ohne einen Plan werden Sie mit jedem Aspekt des Malprozesses zu kämpfen haben. “
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| Ball & Pitcher
1989, Aquarell, 54 x 45. Sammlung des Künstlers. |
