Die Wahrung einer unverwechselbaren Wertstruktur bildet den Kern von Joann Ballingers Pastellunterricht - und ihren eigenen Gemälden.
von Lynne Moss Perricelli
Joann Ballinger betont sowohl in ihrer Lehre als auch in ihren eigenen Pastellbildern die Bedeutung einer unverwechselbaren Wertstruktur. Sie sagt ihren Schülern der Lyme Art Association in Old Lyme, Connecticut, dass Zeichnung und Wert die wichtigsten Faktoren beim Malen sind und dass sie eher kleine Wertänderungen als große Sprünge vornehmen müssen, um ihre Farben lebendig und den Wert beizubehalten Struktur intakt. In ihrer eigenen Arbeit behält Ballinger ihre ursprüngliche Wertestruktur bei, indem sie das sich entwickelnde Gemälde kontinuierlich überprüft, aus der Ferne betrachtet und gegebenenfalls Anpassungen vornimmt.
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| Late Day Glow
2005, Pastell, 8½ x 10½. Sammlung des Künstlers. |
Eine solche Betonung der Werte in einem Gemälde stellt sicher, dass das Motiv richtig gelesen wird und der Künstler die für den Moment geeigneten Farben verwenden kann. "Ich habe keine Angst vor Farben", erklärt Ballinger, warum diese Freiheit wichtig ist. "Ich versuche nicht, mich zurückzuziehen. Ich strebe immer nach den satten Farben." Die Lebendigkeit, die sie erreicht, trägt zu der erhebenden, nostalgischen Stimmung bei, die sie vermitteln möchte. Dies ist ein weiterer kritischer Aspekt ihrer Arbeit. "Ich mag fröhliche Motive", sagt sie. "Ich bin einfach so, und ich versuche nie, ein Gefühl zu malen, das ich selbst noch nicht erlebt habe."
Die meisten Fächer von Ballinger kommen von der Küste in der Nähe ihres Hauses in Bozrah, Connecticut, oder von Rhode Island, wo sie zweimal im Jahr Workshops unterrichtet. Ihr Hauptaugenmerk liegt auf Kindern und Tieren, die sie häufig in maritime Umgebungen einbezieht. Außerdem malt sie häufig Boote, Landschaften und Seestücke. Manchmal entdeckt sie diese Themen vor Ort und manchmal bieten Freunde und Bekannte an, sich oder ihre Kinder zu posieren. "Ich suche nach interessanten Effekten von Farbe und Licht", sagt sie, "aber ich möchte auch Szenen malen, die den Betrachter an eine besondere Zeit in seinem Leben erinnern, also suche ich nach Szenen, die mich an eine besondere Zeit in meinem Leben erinnern."
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| Most Curious 2002, pastellfarben, 6¾ x 9¾.
Privatsammlung. |
Wenn Ballinger vor Ort ist, zeigt sie ihren Schülern Gemälde und macht sich Notizen über die Farben, die sie verwendet, die sie als Referenz für andere Arbeiten verwendet, die sie im Studio fertigstellt. Der Künstler macht auch Fotos. Sie arbeitet gelegentlich im Freien, aber nur für Landschaften. Wenn Ballinger eine Figur oder ein Tier zeigen möchte, verlässt sie sich auf ein oder mehrere Fotos, um die Details zu dokumentieren und die Arbeit im Studio abzuschließen. "Es ist wichtig, im Freien oder nach dem Modell zu arbeiten", sagt sie. "Es hilft Ihnen, Ihr Referenzmaterial besser zu nutzen. Die Arbeit vom Leben aus hält alles frisch."
Als Material bevorzugt die Künstlerin Wallis Sanded Pastel Paper, das sie auf Rollen kauft und zuschneidet. Sie bevorzugt das weiße Papier, weil sie es selbst tont, indem sie einen ockerfarbenen oder gebrannten Nupastel auf die Oberfläche aufträgt, der den Zahn des Papiers nicht beeinträchtigt. Für ihre figurativen Arbeiten verwendet sie in der Regel Sennelier La Carte Pastellpapier in verschiedenen Farben. Manchmal benutzt sie ein Aquarell, um das Wallis-Papier zu tönen. Ihre Pastellfarben sind hauptsächlich Unison, Nupastel und Schmincke, obwohl sie eine Vielzahl von Marken für bestimmte Farben zur Verfügung hat.
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| 14 Uhr auf Barne Island
2000, Pastell 9 x 11. Privatsammlung. |
Nachdem Ballinger ihr Papier vorbereitet hat, legt sie eine erste Schicht mit einem ultramarinblauen Cretacolor-Pastell auf. Dieses Blau ist zu einer Art Markenzeichen in der Arbeit der Künstlerin geworden und bildet eine Ergänzung zu den warmen Farben, die sie gerne in nachfolgenden Schichten verwendet. "Das Einlegen mit dem Blau ist eine Wertestudie", erklärt Ballinger. "Ich richte dunkle und helle Bereiche ein, um eine Karte für das Bild zu erstellen." Sie stellt dann die größeren Formen der lokalen Farbe her, beginnend mit den Dunkelheiten und fortschreitend zu den mittleren und helleren Bereichen. "Einige Pastellisten bauen viele Schichten auf", fügt sie hinzu, "aber ich benutze kein Fixativ und bevorzuge es, so wenige Schichten wie möglich zu haben."
Tatsächlich bestehen Ballingers Pastelle aus höchstens vier oder fünf Schichten. Sie vermischt sich nur sparsam und neigt dazu, eine leichte Berührung zu gebrauchen. "Ich betrachte Pastell gerne als Ölgemälde", beschreibt sie, "und meine Pinselstriche sehen fast wie Pinselstriche aus." Nach dem ersten Einlegen verwendet sie nur die weichen Schmincke- und Unison-Pastelle und genießt die "butterartige Textur und die wunderbaren Farben", bemerkt sie.
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| Ruhe
2005, Pastell, 7¾ x 10¾. Sammlung des Künstlers. |
Die Künstlerin organisiert ihre Pastelle in einem maßgeschneiderten Taboret, das sich wie ein Akkordeon öffnet. Ein Tablett vorne fasst die Pastellfarben, die sie am häufigsten verwendet, während die anderen - einschließlich Diane Townsend und Rembrandt - im Taboret erhältlich sind. Sie legt keine Palette fest, bevor sie mit der Arbeit beginnt, und zieht es vor, die gewünschten Pastelle zu ziehen, während das Malen voranschreitet. Sie fügt jedoch hinzu, dass "das hellste Licht in all meinen Gemälden Zitronengelb und mein dunkelstes Dunkel Violett ist. Ich versuche, nicht allein Weiß oder Schwarz zu verwenden, weil sie dazu neigen, ein Gemälde zu betäuben."
Während sich das Gemälde weiterentwickelt, tritt Ballinger immer wieder von ihrer Arbeit zurück und überprüft noch einmal, ob ihre Werte dem ursprünglichen Plan entsprechen. Ist dies nicht der Fall, passt sie die Helligkeit an und verdunkelt die Bereiche im Verhältnis zueinander. Um ihre Schüler bei diesem Prozess zu unterstützen, gibt sie eine Werteskala aus, anhand derer sie jedem Bereich ihrer Komposition einen Wert von 1 bis 10 zuweisen können. Sie können die Werte dann genauer in die Farben interpretieren, die sie verwenden werden. "Viele Schüler fangen gut an, gehen aber verloren", stellt Ballinger fest. "Es ist hilfreich, wenn sie Farbfelder aus den Pastellen erstellen, die sie verwenden möchten, und ihnen Werte zuweisen. Sie können sie in Farben gruppieren, von den hellsten bis zu den dunkelsten." Ballinger merkt an, dass die Schüler für die hellsten Werte häufig auf die am wenigsten chromatischen Pastelle zurückgreifen und die Farbe verwaschen zu wirken beginnt. Um dieses häufige Problem zu beheben, fordert sie sie auf, "ein paar Werte zu sichern und ein helles Pastell zu wählen, das brillanter ist, um diesen Wert zu interpretieren".
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| Moving With Grace 2005, Pastell, 7, x 5¾.
Privatsammlung. |
Ein weiteres häufiges Hindernis in Bezug auf die Farbe ist die Trübung, die durch das Füllen des Zahns mit Pastellfarben oder durch zu starke Wertänderungen verursacht wird. Ballinger rät den Schülern, nur kleine Sprünge in den Werten zu machen, um zu erklären, dass sie ihre lebendige, frische Farbe besser behalten können, wenn die Werte ziemlich nahe beieinander liegen. Darüber hinaus verleiht eine enge Wertstruktur dem Werk eine ansprechende Subtilität und Natürlichkeit. Ballinger empfiehlt, eine leichte Berührung zu verwenden, um eine härtere Annäherung an den Brennpunkt des Gemäldes oder einen pastosen Effekt zu vermeiden.
Um ein Gefühl für Stimmung zu vermitteln, hebt Ballinger die Regeln des Zeichnens und des Wertes auf, um ihrer kreativen Seite zuzuhören. "Ich visualisiere zuerst meine besten Bilder", sagt sie. "Ich versuche, mich in meinen Gemälden zu verlieren, etwas zu malen, das ich liebe, und zu dieser Erfahrung zurückzukehren." Als sie zum Beispiel mit Late Day Glow begann, dachte sie über die "atemberaubende Schönheit des Anwesens" nach, sagt die Künstlerin. Eine Freundin hatte sie zu diesem Ort auf Block Island gebracht, und sie fühlte sich von Emotionen überwältigt, als sie es sah. "Ich habe an meinen Freund gedacht", beschreibt der Künstler, "und was ich gefühlt und gesehen habe." Ein dedizierter Arbeitsplatz, an dem Sie nicht gestört werden, ist entscheidend, wie auch alles andere, das Ihnen hilft, sich auf Ihr Thema zu konzentrieren. "Jeder wird etwas anderes brauchen", sagt sie. "Es ist wichtig, loslassen zu können, damit Sie über die technische Seite hinausgehen können."
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| Die Frisur 2004, Pastell, 12 x 9.
Sammlung des Künstlers. |
Wie viele langjährige Lehrer hat auch Ballinger von ihren Schülern so viel gelernt wie von ihr. "Der Unterricht hat mich dazu gebracht, tiefer zu graben", überlegt sie. "Es hat mir geholfen zu klären, was ich tue, und mir bessere Methoden einfallen zu lassen. Es hat mich wacher gemacht, und das hält meine Arbeit frisch."
