Ölgemälde: Travis Schlaht: Nach Inspiration

2023 Autor: Amelia Goldman | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-11-26 05:31

Der New Yorker Maler Travis Schlaht sucht - und findet - überzeugende Schönheit in vielen Ecken des Lebens. Dann spiegelt er es mit einer zurückhaltenden, aber kraftvollen Palette auf Leinwand.

von James A. Metcalfe

Bar II

2005, Öl auf Leinen, 26 x 36.

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Sammlung, sofern nicht anders angegeben.

Travis Schlaht hat eine einfache, aber bestimmte Philosophie in Bezug auf die Malerei: „Ein Künstler sollte inspirieren“, erklärt der gebürtige Kalifornier. „Ich bin nicht der Meinung, dass ein Künstler den Betrachter herausfordern oder schockieren oder durch Satire auf Hässlichkeit hinweisen muss. Künstler können immer inspirieren, wenn nicht anders, indem sie veranschaulichen, wie schön das Leben sein kann. “Um dies zu erreichen, malt Schlaht, der zugibt, stark von Malern des 19. Jahrhunderts beeinflusst zu sein, einfach die Szenen und Objekte, die er sowohl schön als auch findet zwingend.

Bei der Betrachtung von Stillleben wählt der Künstler Objekte aus, zu denen er sich entweder ästhetisch hingezogen fühlt oder die in irgendeiner Weise verbunden sind. "Es könnte an der Textur, Farbe, Form oder der Art und Weise liegen, wie Licht auf ein Objekt reflektiert wird oder durch dieses hindurch wandert", sagt der Künstler. In Takt II wollte Schlaht beispielsweise verschiedene, aber harmonische Aspekte des Setups einfangen. „Jede Flasche hatte ihre eigene Ästhetik“, erklärt er. „Die Form und Farbe der Flüssigkeit in jedem einzelnen wurde direkt von dem beeinflusst, was dahinter steckt, und das fand ich visuell faszinierend. Ich muss etwas Interessantes sehen, wenn ich ein interessantes Gemälde machen möchte. “

Roter LKW

2004, Öl auf Leinen, 8 x 10.

Schlaht glaubt, dass das Besondere an Künstlern ihre persönlichen Reaktionen auf Objekte, Orte und Individuen sind. „Es ist nicht wichtig, wie ein Gemälde fertiggestellt ist oder wer es gemalt hat, sondern ob ein bestimmtes Bild den Betrachter anspricht oder nicht“, betont er. „Zehn Menschen können dasselbe Thema studieren und malen, aber die Gemälde variieren enorm, je nach den emotionalen Reaktionen der Künstler auf ihr Thema.“Und obwohl Schlaht es für wichtig hält, eine Antwort vom Betrachter zu erhalten, möchte er niemals etwas vorgeben Diese Antwort sollte sein. „Wenn ein Betrachter nicht feststellen kann, welches Objekt ich gemalt habe, habe ich wahrscheinlich versagt. Aber wie die Zuschauer sich dabei fühlen, liegt bei ihnen. Meine einzige Hoffnung ist, dass sie eine ehrliche Antwort auf das Thema sowie auf die Art und Weise haben, wie es gemalt wird. “

Schlaht sorgt für eine ehrliche Reaktion auf seine Bilder, indem er mit einer ehrlichen Herangehensweise beginnt. Über seine Freiluft-Landschaftsarbeit sagt der Künstler: „Es geht darum, die Fülle meines Aufenthaltsortes einzufangen. Ich verbringe Stunden damit, nur zu schauen und zu erforschen, was vor mir liegt - ganz zu schweigen davon, dass ich die unzähligen Geräusche und Gerüche absorbiere, die für diesen bestimmten Ort einzigartig sind. “Da Schlaht nur aus dem Leben malt, ist er auch mit den Hindernissen vertraut, die sich beim Malen im Freien ergeben. Wie viele Künstler sieht er die größte Herausforderung darin, Atmosphäre, Tiefe, Skalierbarkeit und Größe einzufangen und dabei sowohl die Farbe als auch die lineare Perspektive beizubehalten und gleichzeitig die Elemente zu bekämpfen In weniger als vier Stunden, bevor sich das Licht vollständig ändert.

Deer Isle Inlet

2005, Öl auf Leinen, 17 x 24.

„Da die Luft die Wert- und Farbbereiche verringert“, erklärt er, „gilt: Je mehr Luft und Atmosphäre zwischen Ihnen und dem Motiv ist, desto weniger chromatisch wird die Farbe und desto kleiner wird der Wertebereich (Licht wird weniger hell und Dunkel wird weniger dunkel). In Deer Isle Inlet habe ich zum Beispiel versucht, eine Atmosphäre mit Farbe zu erzielen, indem ich die Bäume im Hintergrund weniger chromatisch und die Bäume am Hang weniger grün gemacht habe, was dazu führte, dass diese Bäume einen so kleinen Wertebereich hatten, dass die einzelnen Bäume gleich waren nicht zu unterscheiden. Beachten Sie auch die Kanten oder deren Fehlen, wenn der Hang auf den Himmel trifft. Sie sind viel weicher und weniger ausgeprägt als die Felsen an der Seite der Klippe im Vordergrund. “

Schlaht versuchte auch, in Red Truck einen starken Sinn für Atmosphäre zu zeigen. „Der LKW im Vordergrund hat sowohl eine hohe Farbintensität als auch einen weiten Wertebereich“, erklärt er, „während der Baum im Hintergrund in gedeckten Grüntönen und mit einem engen Wertebereich gestrichen ist.“Mit diesem Kontrast machte Schlaht auf sich aufmerksam zu seinem Thema und evozierte den Sinn eines bestimmten Ortes in einer bestimmten Zeit. "Ich habe mich nicht speziell auf die Stimmung des Malens festgelegt", behauptet der Künstler. „Aber das Malen mit der Wirkung der Atmosphäre wird an sich eine Stimmung erzeugen.“Er glaubt, dass die Reaktion eines Betrachters auf ein Motiv oder einen Lichteffekt auch die Stimmung eines Gemäldes bestimmt. "Stimmung ist eine lustige Sache", sagt er. „Ich kann und will die Stimmung des Zuschauers nicht kontrollieren. In Bread and Butter sehen manche Zuschauer beispielsweise auf die Maus und reagieren negativ. Für sie könnte die Maus Schmutz und Verfall darstellen oder das Eindringen der Natur in die Lebensweise des Menschen. Andere mögen es als ein optimistisches Bild betrachten, in dem die Bedürfnisse des kleinen Kerls [der Maus] endlich in Hülle und Fülle erfüllt werden. Ich erstelle ein Bild; Die Interpretation des Betrachters bestimmt die Stimmung. “

Schlahts Materialien

Schlaht glaubt, dass es wichtig ist, mit seinen Materialien vertraut zu sein. „Dadurch kann ich mich besser auf das Erscheinungsbild des Gemäldes konzentrieren“, sagt er. Seine bevorzugte Leinwand ist Claessens Porträtleinen. "Es ist nicht zu glatt und die Dicke des Gewebes lenkt nicht ab", sagt er. In Bezug auf die Farbe sind die wichtigsten Faktoren, die er berücksichtigt, die Konsistenz und ob die Farbe so formbar ist, dass er auf die Verwendung eines Mediums verzichten kann. Seine bevorzugten Farben sind je nach Farbe die von Old Holland, Schmincke-Mussini, Rembrandt und Gamblin. Er verwendet hauptsächlich weiche Synthetikbürsten von Winsor & Newton. Er bevorzugt englisches, destilliertes Terpentin gegenüber den ungiftigen, geruchlosen Verdünnern, da es stark und schnell verdunstet.

Weiße Scheune

2005, Öl auf Leinen, 8 x 10.

Mit freundlicher Genehmigung der John Pence Gallery, San Francisco, Kalifornien.

Unabhängig vom Thema ist Schlahts wahre Leidenschaft der Akt der Malerei. Der Künstler verbringt problemlos bis zu 14 Stunden am Tag mit Malen in seinem Atelier und bearbeitet häufig zuerst alle Zeichenprobleme auf Papier. „Ich verbringe viel Zeit damit, das Design eines Gemäldes zu bestimmen“, sagt er. „Wenn ich mit der Komposition zufrieden bin, beginne ich mit dem Zeichnen, normalerweise mit verbranntem Umbra auf einer getönten Leinwand. Wenn ich jedoch an einer Figur arbeite, zeichne ich zuerst in Graphit und übertrage diese Zeichnung dann auf die Leinwand.

„Während ich an der Zeichnung arbeite, bringe ich die Dinge an die richtige Stelle und bekomme die richtigen Proportionen der Person oder des Objekts“, fährt der Künstler fort. „In Valentine zum Beispiel geht es mir nicht darum, jeden Teil des Auges des Probanden zu zeichnen. Es geht mir mehr darum, die Entfernungen und Beziehungen zwischen Augen, Nase und Mund zu erfassen. Die Zeichnung ist von entscheidender Bedeutung, da ein Gemälde, nachdem ich angefangen habe, selten von seinem ursprünglichen Aussehen abweicht. “

Brot und Butter

2005, Öl auf Leinen, 11 x 15.

Mit freundlicher Genehmigung der John Pence Gallery, San Francisco, Kalifornien.

Meist malt Schlaht ein Objekt bis zur Fertigstellung - normalerweise das interessanteste oder das mit dem größten Wertebereich - und ordnet dann alles andere im Gemälde diesem ursprünglichen Objekt zu. Er gibt sich jedoch Freiraum, um flexibel zu sein, und ist nicht unbedingt dagegen, ein Element zu verschieben oder hinzuzufügen, wenn dies zu einer besseren Komposition führt. Und obwohl er sich seinem Thema treu fühlt, gibt er zu, nicht „sklavisch“zu sein. „Ich bin nicht in der Lage, jedes Detail zu malen, und mich interessiert oft mehr die Aussagekraft eines Pinselstrichs als ich die allerletzte Nuance eines Objekts darstellen “, gibt er zu.

In Bezug auf seine Farbwahl verwendet Schlaht zurückhaltende Töne, um sicherzustellen, dass intensive Farben einen signifikanten Einfluss haben. „Ich verwende reine Farben nur für Akzente. für den Rest des Gemäldes verwende ich normalerweise gedämpfte Töne “, erklärt er. Beispielsweise haben zwei der Flaschen in Bar II leuchtend rote Wachsspitzen. „Um dem Wachs ein sattes Rot zu verleihen, habe ich nur an der hellsten Stelle der Oberseite reines Rot verwendet. Der Mittelwert wurde rot mit etwas verbranntem Umbra gemischt, um den Wert zu senken. Wenn ich nur Weiß verwendet hätte, um die Topform zu erhalten, würde das Wachs rosa und ausgewaschen aussehen “, sagt er.

Warten

2004, Öl auf Leinen, 14 x 22.

Seine Palette besteht aus ca. 24 Farben. „Ich denke nicht, dass es wichtig ist, so viele Farben zu haben. es ist genau das, was ich angesammelt habe “, sagt Schlaht. Er findet es nützlich, immer die gleichen Farben in der gleichen Reihenfolge zu verwenden, wenn er malt. „Auf diese Weise wissen Sie immer, wo sich die gewünschten Farben befinden, und verschwenden keine Zeit damit, nach der richtigen zu suchen. Einige Künstler haben eine Palette für die Landschaft und eine andere Farbpalette für die Figur, und sie addieren oder subtrahieren ständig je nach dem Motiv, das sie malen. Das ist zu verwirrend für mich. Ich versuche die Dinge so einfach wie möglich zu halten. Der Akt des Malens ist schon schwer genug! “