Meister: Sargent Zeichnen

John Singer Sargent lernte wie jeder Künstler zuvor oder danach die besten Lektionen in Bezug auf Wert, Licht und Form und verwendete sie sein ganzes Leben lang - Lektionen, die in seinen Zeichnungen deutlich sichtbar sind.

von Mark G. Mitchell

Schlafendes Kind 1872–1873, Graphit auf cremefarbenes Gewebe Papier, 1111/18 x 811/18. Sammlung Die Metropolitan Kunstmuseum, New York, neu York

John Singer Sargent "könnte Bettlaken, die auf einer Linie trocknen, zu einem überzeugenden Bild machen", schrieb jemand einmal. Mit einem seiner Aquarelle zu leben, hieß „mit Sonnenschein zu leben, der eingefangen und festgehalten wurde“, sagte ein anderer Bewunderer. Als sich der berühmte englische Schauspieler Edwin Booth aus dem 19. Jahrhundert darauf vorbereitete, sein Porträt von ihm malen zu lassen, wurde ihm von Freunden empfohlen, zuerst seine Seele zu schleifen - denn alles würde auf Leinwand erscheinen. Sargent ist der Maler, "vor dem alle anderen Künstler verzweifelt auf ihre Spachtel fallen", witzelt der zeitgenössische Maler Gregg Kreutz. Kreutz schrieb für Linea, die Zeitschrift der New Yorker Art Students League, in Manhattan und versuchte herauszufinden, warum. "Was macht Sargent Gemälde so lebendig, so attraktiv?", Fragte er in seinem Rückblick auf eine Ausstellung von Sargent Gemälden im Museum of Fine Arts, Boston. „Das späte 19. Jahrhundert war überfüllt mit erfahrenen Malern, die glaubwürdige Darstellungen ähnlich thematischer Themen zeigten. Aber Sargent lässt die meisten von ihnen wie alte Nachrichten aussehen. Was ist der Unterschied? Warum schlendern wir an diesen anderen Künstlern vorbei und machen vor einem Sargent halt? Offensichtlich ist seine Fähigkeit zum Zeichnen ein Faktor. Obwohl es heißt, dass er nur minimale vorläufige Zeichnungen gemacht hat, hat sein Gespür für Gesten, Proportionen, innere Struktur und Dimensionalität seine Arbeit zu einem Fundament von höchstem handwerklichem Können gemacht. “

Sargent war bekannt für seine Zauberei mit Farben und Pinsel. Aber er hat wie verrückt gezeichnet. "Er hat jede Art von Zeichnung gemacht, sie einzeln als Kunstwerke und als vorbereitende Zeichnungen für Gemälde", sagt Eric Denker, Dozent an der National Gallery of Art und Kurator von Zeichnungen und Drucken für die Corcoran Gallery of Art. beide in Washington, DC. "Ich denke, für ihn war das Zeichnen die Basis von allem."

"Offensichtlich hat er immer gezeichnet", sagt Miriam Stewart, stellvertretende Kuratorin für Zeichnungen am Fogg Art Museum der Harvard University in Cambridge, Massachusetts Ein unermüdlicher Zeichner, der ständig zeichnet und sich Notizen macht, wo immer er hingeht. Wir haben Skizzenbücher aus seiner Jugendzeit, die die Grundlage für einige seiner frühen Schulungen bilden. “„ Ich denke, das Zeichnen war etwas, das ihm sehr am Herzen lag “, stimmt Richard Ormond zu, Sargents Großneffe und eine der weltweit führenden Autorinnen des Künstlers, Autor zahlreicher Kunstbücher und ehemaliger Direktor des National Maritime Museum und des Royal Observatory in Greenwich, England (Ormonds Großmutter war Sargents jüngere Schwester Violet), den Sargent mehrmals gemalt hat.)

Sargent begann im Alter von ungefähr 4 Jahren zu zeichnen. Er hörte erst kurz vor seinem Tod im Alter von 69 Jahren auf. Seine Eltern, die ursprünglich aus Philadelphia stammten, lebten als wandernde Auswanderer in Europa. Sargent und seine Geschwister wuchsen auf der Flucht vor der amerikanischen Kultur fast wie Gesetzlose auf. Die Familie lebte aus Koffern, und die Kinder waren größtenteils zu Hause und lernten Musik, Literatur und Fremdsprachen. Sargent arbeitete neben seiner Mutter, einer Amateuraquarellistin, und brachte sich das Skizzieren und Malen von Waschungen bei. Zu seinen Themen gehörten Familienmitglieder und Freunde der Familie sowie alltägliche Szenen des europäischen Lebens um ihn herum - Tiere, Windmühlen, deutsche Wälder und alpine Schreine.

El Jaleo 1882, Öl, 94¼ x 137. Sammlung Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, Massachusetts.

Er kopierte Kunstwerke in Museen. Er erhielt Privatunterricht bei professionellen Malern in Rom und Florenz, wo er für kurze Zeit auch eine finanziell herausfordernde Kunstschule besuchte. Im Alter von 17 Jahren entschloss sich Sargent, Kunst zu seinem Beruf zu machen und schrieb sich mit Hilfe seines Vaters in einem Pariser Atelier ein. Diese Unterrichtsstudios waren ein bisschen wie die Bauernligen des französischen Kunstbetriebs. Sargent nahm an einem Lauf von Carolus-Duran teil, einem erfolgreichen Porträtisten und einer äußerst interessanten Lehrerin. Carolus-Duran, mit bürgerlichem Namen Charles Auguste Émile Durand, lehrte einen Ansatz, der von der französischen akademischen Tradition abweicht. Er betonte "direktes Sehen" und "direktes Malen". Seine Schüler schöpften aus den lebenden Figuren und Abgüssen klassischer Statuen, genau wie die Schüler der offiziellen französischen Ausbildungsstätte für bildende Künste, École des Beaux-Arts, in Paris. Aber diese Übungen in Carolus-Durans Atelier waren Anlässe, sich mit den Kunstmaterialien zu beschäftigen, anstatt zu üben. Carolus-Duran forderte sie auf, sich inspirieren zu lassen und das Thema beim ersten Schlag - oder „au premier coup“- locker und frei zu malen. Er betonte auch, dass der Schlüssel zur Malerei darin bestehe, Werte und Werteverhältnisse richtig zu sehen und dass Künstler Wege finden sollten, dies zu tun Mit weniger mehr sagen. Oder, wie Carolus-Duran sagte: "In der Kunst ist alles, was entbehrlich ist, schädlich."

Sargent würde diese Maßnahmen für den Rest seines Lebens in seine Malerei und Zeichnung einfließen lassen. Trotzdem wollte er die Strenge der formalen Ausbildung. Er bestand die Aufnahmeprüfungen und war der einzige, der in diesem Jahr von seinem Atelier in die École des Beaux-Arts aufgenommen wurde. Ormond glaubt, dass Sargent bei dem Versuch, etwas zu lernen, nach Paris gekommen war. "Er nahm alles wie eine Ente zu Wasser", sagt er. „Ich denke, seine ganze Persönlichkeit hat zu diesem Zeitpunkt ein erstaunliches Wachstum durchgemacht.

"Er hat viel Mühe in seine Zeichnung gesteckt - genau wie er es in sein Gemälde gesteckt hat", fährt Ormond fort. „Es gibt eine Zeichnung der Venus von Milo, die sehr gut ausgearbeitet ist. Er gewann den dritten Preis an der École für eine sehr formelle Zeichnung eines Stativs. Es gibt einige wunderbare Lebensstudien, die er zu dieser Zeit gemacht hat und die nicht gut bekannt sind. Sie sind nicht die formellen der École, sondern haben die Informalität des Studios von Carolus-Duran, mit diesen wunderbaren weichen Effekten und Details von Füßen, Händen und Gesichtern. “

Nach Reisen nach Nordafrika und Spanien fertigte Sargent 1879 Skizzen spanischer Tänzer und Musiker an, die zu einem Tour de Force-Gemälde führten. "El Jaleo ist ein Spiel mit leichten Beziehungen", sagt Ormond, "und mit dieser ganzen Reihe spanischer Zeichnungen aus den späten 1870er und frühen 1880er Jahren, die er zur Vorbereitung gemacht hat, ist es fast so, als hätte er eine neue Form der Grafik erfunden."

Frau X. (Madame Pierre Gautreau) 1883–1884, Graphit auf cremefarbenes Gewebe Papier, 911/16 x 133/16. Sammlung Die Metropolitan Kunstmuseum, New York, neu York.

"Dies sind keine Kompositionszeichnungen, sondern Detailzeichnungen - Studien von Köpfen und Händen", fährt Ormond fort. „Er hat hier das Richtige getan - Menschen in einem großen Studio zu posieren und sie zu skizzieren. Er hat seine Ideen wirklich energisch durchgearbeitet. Das dauerte 15 Monate. Dann, als es Zeit zum Malen war, dröhnte er einfach alles nieder. Er hat es herausgefunden und alles in seinen Kopf bekommen. Er muss El Jaleo sehr schnell gemalt haben. Wenn Sie sich dem nähern, sehen Sie, dass es wirklich eine Art große Skizze ist, in der all diese kleinen Skizzen ausgearbeitet sind. “

Sargent stapelte Skizzen, um sich auf sein berühmtestes Gemälde vorzubereiten, das drei Meter hohe Porträt einer jungen Pariser Schönheit, Madame Pierre Gautreau. Er suchte nach einer Pose, die am wenigsten von dieser überaus interessanten lokalen Berühmtheit sprach - also drehte er ihren Kopf in einem leicht hochmütigen Profil. Er legte sie in ein erstaunliches schwarzes Kleid, das den Blick eines Betrachters über ihre perfekte Figur zwang. Er ließ ihren rechten Schultergurt runter. Das Salon-Publikum schnappte nach Luft. Sargent würde das Werk später in Madame X umbenennen, um ihre Privatsphäre zu schützen - aber es half nichts. Jeder wusste, wer Madame Gautreau war. Sie war in der französischen höflichen Gesellschaft fertig und so schien es, war Sargent. Niemand wollte, dass sein Porträt von ihm gemalt wurde.

Sargent zog sich über den Ärmelkanal zurück, um seine Karriere wiederzubeleben. Er begann langsam, Familie und Freunde zu malen, die sich in Südengland um ihn versammelten. Er begann eine große Leinwand mit zwei Mädchen - die Töchter seines befreundeten Illustrators Frederick Barnard -, die in der Dämmerung japanische Laternen in einem Garten anzündeten. Zwei Monate später stieß das Gemälde Carnation, Lily, Lily, Rose (der Titel stammt aus einem beliebten Lied, das Sargent und seine Freunde am Klavier sangen) bei seiner Vorstellung an der Royal Academy in London auf Aufregung. Die Tate Gallery - die ebenfalls in London ansässige Nationalgalerie für britische Kunst - erwarb das Werk bald. Kurz darauf standen Kunden für die Arbeit des Künstlers auf beiden Seiten des Atlantiks an. Und kein Wunder. Sargents Porträts waren mutig, lebendig und gerade exzentrisch genug, um einen Kommentar abzugeben. Sie könnten ihre Untertanen plötzlich berühmt machen.

Es ist wahr, dass Sargent für die meisten seiner Ölporträts nur wenig oder gar keine erste Skizze auf Papier angefertigt hat. "Wenn es ein komplizierteres Werk wäre, wie zum Beispiel eine Madame X, würde er viele Skizzen anfertigen", sagt der texanische Maler Phillip Wade, der die Klasse "Painting Like Sargent" an der Schule des Austin Museum of Art unterrichtet. „Aber für ein einfaches würde er nur herausfinden, wohin der Kopf gehen und anfangen würde. Beim Zeichnen geht es hauptsächlich um die Platzierung. Er konnte das tun, ohne nachzudenken. Solches Selbstvertrauen und Können beim Zeichnen erleichtern das Malen. Für ihn war das Zeichnen mit dem Pinsel eine Selbstverständlichkeit. «» Sie müssen mit dem Pinsel so schnell und fast so unbewusst zeichnen, wie Sie mit dem Bleistift zeichnen «, sagte Sargent.

Nach der Jahrhundertwende wechselte Sargent von seinen Ölporträts zu Kohlezeichnungen - oder, wie er sie nannte, „Fahndungsfotos“-, die er in einer Sitzung von ein bis drei Stunden fertigstellen konnte. Er fühlte sich unruhig und wurde seiner Dargestellten und der Verantwortung, die er ihnen gegenüber fühlte, müde. Er wollte aus dem Porträtgeschäft aussteigen, aber die Leute fragten immer wieder nach ihnen.

Gertrude Kingston Ca. 1905, Holzkohle, 24 x 18. Sammlung King's College Früher Cambridge, England.

"Seine Antwort auf die Nachfrage waren seine Holzkohle-Fahndungsfotos, von denen er in etwa 15 Jahren etwa 700 oder 800 gemacht hat", sagt Ormond. „Es ging darum, Dinge in Werten wiederzugeben, alles über Licht und Dunkelheit. Der Kopf taucht aus der Dunkelheit auf - brillant in der Runde festgehalten. «» Er hat diese in kurzer Zeit weggeworfen «, sagt Jane Myers, die Kuratorin für Zeichnungen am Amon Carter Museum in Fort Worth, Texas. „Sie können sehen, dass er sich nicht darum gekümmert hat. Er fing die Sinnlichkeit und den Geist der Person ein und modellierte die Figur, die Höhepunkte und Akzente sehr schnell. Das, was Sie an diesen Holzkohleskizzen beeindruckt, ist, dass Sargent sie zwar regelmäßig und mit verbundenen Augen machen konnte, dass es aber immer noch diese bemerkenswerte Lebendigkeit gibt. Sie werden von seiner Linie verführt."

Zwischen 1890 und 1916, als Sargent morgens für Aufträge in Öl oder Holzkohle arbeitete, verbrachte er den größten Teil seiner verbleibenden Zeit mit einem riesigen neuen Projekt, von dem er hoffte, dass er sein letztes Statement als Künstler abgeben zu können: seinen Wandgemäldezyklus für das dritte Etage der neuen Boston Public Library, die vom renommierten Architekturbüro McKim, Mead and White für Beaux-Arts entworfen wurde. Es wäre weit entfernt von Sargents üppigen Porträts der Reichen und Berühmten, seinen liebevollen Darstellungen von Familie und Freunden, die draußen faulenzen und ein Nickerchen machen, oder seinen Aquarellen von Venedig, wie sie vom Sitz einer Gondel aus gesehen werden.

Sargent hatte ein Thema und einen Titel für dieses Projekt ausgewählt: Der Triumph der Religion. Er wollte die Entwicklung des spirituellen Denkens aus der Anbetung der alten heidnischen Gottheit durch das Judentum und das Christentum der modernen westlichen Welt zeigen. Auf Lünetten und Wandtafeln waren Themen wie heidnische Götter, unterdrückte Israeliten, Israel und das Gesetz, das messianische Zeitalter, Himmel, Hölle, Synagoge, Kirche und Mysterien des Rosenkranzes abgebildet. Seine Darstellungen, eher lehrreich als hingebungsvoll im Geschmack, entlehnten praktisch jeder Kunsttradition, an die Sargent denken konnte. Der Künstler unternahm Reisen nach Europa, Nordafrika, in die Türkei und in den Nahen Osten, um seine visuellen Ideen zu sammeln. Er skizzierte mittelalterliche Skulpturen in französischen Kathedralen und Beduinenarabern in ihren rauchigen Zeltlagern in der Wüste. Er kopierte persische Artefakte und sumerische Idole. Er beschäftigte sich mit griechischer, ägyptischer, byzantinischer und frühchristlicher Kunst.

Zurück zu Hause in seinem Londoner Studio baute er ein Modell des Tonnengewölbes der Boston Public Library im Maßstab 1: 3. Sargent zeichnete Hunderte von Zeichnungen von Aktmodellen (meistens Männer) in all den verschiedenen Posen, die er für sein Wandgemälde zu verwenden glaubte. Dies sind einige der berühmtesten Zeichnungen des Künstlers. „In diesen Figurenzeichnungen hat er Holzkohle gezeichnet und dann die Glanzlichter ausgerieben“, sagt Stewart. "Sie sind einfach genial."

Helen Sears 1912, Holzkohle, 23¾ x 17½. Privat Sammlung.

Die 30-jährige Liebesarbeit von Sargent, die mehrfach als „Amerikas Sixtinische Kapelle“und als „unheimliches Spektakel“bezeichnet wurde, wurde zu einer Zeit vollendet, als sich die Welten, die Sargent auf beiden Seiten des Atlantiks kannte, mitten im Krieg veränderten. Heute erinnert der Triumph der Religion an einen übertriebenen Stummfilm. "Das heidnische Ende der Halle macht so viel Spaß, wenn man es sich mit seinen wilden Gestalten ansieht", sagt Stewart. „Es ist fast eine Burleske.

„Wir haben eines der Skizzenbücher für die Wandbilder“, fügt sie hinzu. „Es gibt Szenen mit den Maßstäben im Jüngsten Gericht, die in unterschiedlichen Arrangements mit überlappenden Lünetten dargestellt werden. In diesen wirklich hastigen Skizzen versucht Sargent die Komposition herauszufinden. Es gibt viele kritzelnde Studien, keine fertigen Zeichnungen, aber er befolgt alle Schritte. Es gibt Vorhangstudien, in denen Sargent die Vorhänge genauer untersucht. “In anderen Skizzen transkribierte Sargent Elemente von Dekoration / Verzierung, Architektur und Kostüm, die er von seinen Reisen in Bibliotheken und Museen ausgesucht hatte. Mit dem Auge eines Ornithologen skizzierte er Fasanenflügel, um ihm zu helfen, Flügel auf Engel und Seraphien zu zeichnen.

"In späteren Jahren wurden die Wandbilder als Sackgasse in seiner Karriere verspottet", sagt Ormond. „Aber je mehr man sie ansieht, desto kreativer und außergewöhnlicher erscheinen sie - Michelangelo über King Kong. Er hat Hunderte von Zeichnungen für sie angefertigt. In gewisser Weise lernte er damit die akademische Disziplin seiner Jugend neu.

"Er musste eine Menge Dinge im Auge behalten - die Ikonographie, wie sie in Längsrichtung und in Querrichtung funktionieren würde und wie alle einzelnen Panels funktionieren würden", fährt Ormond fort. „Ich bin noch nie auf großformatige Cartoons gestoßen, aber er hat Ölbilder und Skizzen für die Kompositionen ausgearbeitet, und diese stammen natürlich alle aus dem Leben. Traditionelle Beaux-Arts-Wandbilder waren am Ende des 19. Jahrhunderts das „Ding“- er würde nicht mit dem Prozess herumspielen. Er skizzierte zuerst alles. Für ein großes Projekt wie dieses, wenn Sie gründlich in der Tradition verankert sind, wissen Sie, dass Sie genau das tun müssen. Dies sind hoch gestaltete, hochgearbeitete Stücke mit allegorischen Figuren. Er war sehr diszipliniert und praktisch, und seine Entwurfskunst ist sehr gut im Dienst seines Themas. “

Sargent hatte sich von Kindesbeinen an in die Traditionen der Klassik, der Renaissance, des Manierismus und des Barock eingeweiht. Er hatte die Werke von Andrea del Sarto, Bernini, Cellini, Donatello, Frans Hals, Jean-François Millet, Tintorreto, Tizian, Velázquez und modernen Künstlern wie Degas kopiert. Jetzt brachte er alles mit, um sich auf diese Wandmalereien einzulassen - sein Atelier und seine Ausbildung als Ecole, seine Erfahrung mit der Unterstützung von Carolus-Duran beim Bemalen und Dekorieren einer Decke, seine jahrzehntelange Gelehrsamkeit und seine Skizzenreisen.

"Und so haben wir die Monster der Hölle verschlingen Menschen", sagt Ormond. „Aber er macht nicht nur Michelangelo. Der Triumph der Religion ist von Sargent geprägt. Wenn er auf Wandmalerei umschaltet, glaub ich nicht, dass du seine Arbeit mit der anderer verwechseln würdest. Er nimmt all diese Dinge auf und spuckt sie in seinem eigenen Stil und seiner eigenen Ausdrucksweise wieder aus und gibt ihr seine eigene visuelle Wendung. “

Im Juni 1918 beauftragte das British War Memorial Committee Sargent mit der Bemalung einer großen Leinwand mit dem Thema, dass britische und amerikanische Truppen zusammen dienen. Der Künstler zog sich eine selbst gestylte Uniform an, die ihn aussehen ließ, sagte jemand, als sei „ein Seemann schief gelaufen“und überquerte den Kanal. Er verbrachte drei Monate damit, Truppen, Schützengräben, Fahrzeuge und Pferde an der französischen Front zu skizzieren. Gegen Ende seines Aufenthalts beobachtete er eine Menschenmenge von etwa 100 Männern, die sich um einige Krankenhauszelte versammelten - Opfer eines Senfgasangriffs. Sargent machte Skizzen. Im folgenden Jahr präsentierte er dem Gedenkkomitee seinen monumentalen Gassed (20 'mal fast 8').

Vergast 1919, Öl, 91 x 240 ½. Sammlung Kaiserlicher Krieg Museum, London, England.

Gassed wurde 1919 zum Bild der Royal Academy des Jahres gekürt und ist nach wie vor eines der unvergesslichen Gemälde dieses oder jenes Krieges. "Gassed war inspiriert von dem, was Sargent gesehen hatte, aber es war eine 'Studioproduktion', in der er die Figuren zu Hause aufstellte", sagt Ormond. „Sie waren wahrscheinlich professionelle Models in Kostümen. Er hat viele Studien gemacht. Ich denke, es ist ein außergewöhnliches Bild. Es ist ein Fries, gefroren und statisch, fast so, als wäre es die gleiche Figur, die sich über das Wandgemälde bewegt, wie die von Muybridge aufgenommenen Bewegtbilder eines Mannes, der geht. Bestimmte Maßstäbe hat er nie unterschritten. Er beherrschte sein Handwerk hervorragend, hatte eine fantastische Kontrolle, und ein Teil seines Kommandos bestand darin, dass sein handwerkliches Können seinem malerischen Können ebenbürtig war. “