Zeichnen Für Anfänger: Bessere Linien Zeichnen, Linien Verbessern

von Dan Gheno

Line gibt es schon lange. Seit der prähistorischen Ära, als dieser erste Künstler einen Klumpen Holzasche vom Lagerfeuer aufhob und eine Hand an die Höhlenwand zeichnete, haben Linien Formen aller Art beschrieben - Mensch, Tier und Landschaft. Die Linie ist für sich genommen eine sehr mächtige Kraft. Eine Linie kann die einfache Silhouette einer Form sowie deren kompliziertere Innenmaße darstellen. Bei schraffierter Verwendung kann sogar ein Wert simuliert werden. Und wenn Sie sich mit weicheren, verschmierten Tönen verbinden, die als Wertmassen bekannt sind, haben Sie eine unaufhaltsame Kraft - außer vielleicht durch einen guten Radierer.

Sitzende Frau von Egon Schiele, 1918, schwarzer Buntstift, 18 11/16 x 11 13/16. Sammlung Ackland Art Museum, Universität von North Carolina in Chapel Hill.

Einige Künstler werden argumentieren, dass Sie die menschliche Figur oder abstrakte Bilder am effektivsten mit Wertemassen allein rendern können, dass alles, was Sie mit Linien tun können, Sie mit hellen und dunklen Farbtönen tun können. Das ist wahr. Einige der eindrucksvollsten Zeichnungen basieren in der Tat nur auf dem Wert. Aber im Kern sind alle fein beobachteten Tonformen durch eine implizite "Kante" oder konzeptuelle Linie gebunden, auch wenn sie im Kopf des Betrachters nur unbewusst vorhanden sind. Ich persönlich bin begeistert von der expliziten Kombination von Linie und Masse in meiner eigenen Arbeit. Wie ich in diesem Artikel erklären werde, warum nicht beide verwenden? Zuerst beschreibe ich, wie man die Leitung alleine benutzt. Später zeige ich Ihnen, wie Sie beide zu einer dynamischen Partnerschaft zusammenführen können.

Punkt und Linie zur Ebene

Die erste Zeile beginnt leise auf der Seite als Punkt. Wenn man sich den Titel von Wassily Kandinskys Buch „Point and Line to Plane“(Punkt und Linie zu Ebene) locker ausleiht, verwandelt sich diese starke Markierung oder dieser Punkt in eine Linie und wird schließlich in den Händen eines ausgebildeten Künstlers zu einer volumetrischen Ebene. Indem Sie die Dicke, Dunkelheit und Textur der Linie variieren, können Sie eine Bewegung in und aus menschlichen Formen simulieren, insbesondere wenn Sie Linien überkreuzen lassen und an den Außenkanten der Figur vorbei in ihre inneren Spitzen und Täler graben. Abhängig von Ihrem Motiv oder Ihrer ästhetischen Absicht können Sie Linien verwenden, die scharf wie Draht sind, Linien, die rau wie Brillo sind, oder Linien, die so weich sind, dass sie mit dem umgebenden Papier verschmelzen. Linien können von der Direktheit der oft unmodulierten Umrisse Egon Schieles über die Pseudo-Pinselführung eines Anders Zorn oder Charles Dana Gibson bis zur kurvenreichen, gravurartigen Qualität Dürers reichen. Abhängig davon, wie Sie Ihren Stift auf Papier auftragen, können Linien einen emotionalen, psychologischen Aspekt haben, und sie zeigen fast immer eine Art visuelle, rhythmische Eigenschaft in der Art, wie sie auf der Seite herumtanzen.

Machen Sie jedoch nicht den üblichen Fehler, zu glauben, dass es sich bei dieser Linie lediglich um eine konzeptionelle Angelegenheit handelt. Während des Zeichenprozesses wird Ihre Linienqualität dramatisch von der Auswahl der Materialien, der Textur des Papiers, Ihren Zeicheninstrumenten, ihrer Schärfe und der Art, wie Sie sie in der Hand halten, beeinflusst. Zum Beispiel bevorzuge ich es, meine Figurenzeichnungen mit langen, geschwungenen, leicht gefalteten Linien zu beginnen - eine unmögliche Aufgabe, wenn ich meinen Bleistift oder meine Kreide wie beim Schreiben eines Briefes zwischen Daumen und Zeigefinger halte. (Diese Handposition eignet sich hervorragend zum Skizzieren der letzten Details, insbesondere, wenn sie mit einem Stab oder einem kleinen, sauberen Stück Papier unter Ihrer Zeichenhand gestützt wird.)

Stattdessen drehe ich zu Beginn den Handrücken zum Papier (siehe Abb. 1, links), halte den Stift lose gegen das Ende des Schafts und klemme ihn zwischen Daumen, Handfläche und Zeigefinger. Ich ändere häufig meine Handposition in Abhängigkeit von der beabsichtigten Richtung der Linie: Wenn ich nach unten zeichne, halte ich den Bleistift von unten, damit die Schwerkraft den Abstieg meiner Hand fest lenken kann (Abb. 2). Ich halte den Bleistift von oben, wenn ich nach oben zeichne (Abb. 3). Beide Positionen ermöglichen eine größere Bewegung von Schulter und Ellbogen, wobei die gezackten Bewegungen von Handgelenk und Fingern weniger wichtig sind. Sie können auch eine dünne, klare Linie erhalten, wenn Sie mit der Richtung der Bleistiftmine zeichnen, die nur durch die Rauheit des Papiers oder die Weichheit des Zeicheninstruments beeinflusst wird. Beachten Sie jedoch, wie einfach Sie die Strichstärke variieren können, wenn Sie plötzlich die Richtung ändern, z. B. von vertikal nach horizontal (Abb. 4). Beim Zeichnen mit dem Schaft der Mine wird diese dünne Linie statt der Spitze plötzlich dick. Während Sie sich durch die Details der Figur arbeiten, werden Sie feststellen, dass Ihre Linie automatisch mit der Richtung Ihrer Hand und Ihres Stifts schwankt.

Reine Linie

Selbst mit einem Minimum an Zeilen kann man viel sagen. Wenn Sie aus dem Leben heraus arbeiten, können Sie eine vollständig geformte menschliche Figur mit einer einfachen Mitnahmelinie vorschlagen, indem Sie die Figur genau beobachten und kartieren

Verdrehter Torso von Dan Gheno, 2006, Pastell- und Sanguinestift, 9 x 12. Sammlung des Künstlers.

Außenkanten des Modells. Schauen Sie sich Ihr Motiv genau an, wie es Egon Schiele in Liegender Akt mit erhobenem Oberkörper tut, und zeichnen Sie die subtilen Variationen der äußeren Formen auf. Jede Erhebung deutet auf Knochen oder Muskeln hin. Sie können sicherlich die Proportionen der Figur verzerren oder ihre Perspektive übertreiben, wie es Schiele mit seiner Zeichnung der Frau tut, die nach vorne in die Bildebene springt, aber versuchen, offen und direkt auf die äußeren Formen zu reagieren. Ihre Betrachter werden dann die Volumina in sich spüren, basierend auf der Erfahrung und dem instinktiven Wissen ihres eigenen Körpers.

Schließung

Sie müssen Ihre Figuren nicht mit einem durchgehenden, starren, kühnen Umriss umwickeln. Sie können ein tieferes Gefühl der Schließung erzeugen, indem Sie die Ränder der kleineren menschlichen Formen mit unterbrochenen Linien markieren, wie es Cézanne und Degas manchmal taten. Auf diese Weise können Sie einen minimalen Ansatz wählen: Sie können beispielsweise die Wurzel, die Basis und die Nasenspitze markieren, und der Betrachter kann den Rest der Linie erkennen. Wenn Sie jedoch die Form simulieren möchten, sollten Sie die Anzahl der Zeilen nicht zu stark reduzieren. Sie sollten mindestens einen Hinweis auf eine Linie an wichtigen Hoch- und Tiefpunkten entlang des Umfangs eines Objekts platzieren und dort, wo ein wichtiges Teilformular ein anderes kreuzt. Wenn Sie dies nicht tun, wird die Zeichnung an einigen Stellen unvollständig oder verwirrend leer aussehen.

Überlappende Linien

Obwohl die äußere Form wichtig ist und, wie Platon in seiner Theorie der idealen Form zu suggerieren scheint, für die Identität und das Erkennen des Objekts von entscheidender Bedeutung ist, müssen wir uns schließlich mit unseren Linien innerhalb der Figur bewegen. Es ist schwierig oder unmöglich für den Anfänger, dies zu tun, wenn er von Fotos aus arbeitet, aber während er vom Leben aus arbeitet, werden Sie sehen, wie sich Formen ständig überlappen, wenn der Hals über die Schulter gleitet oder der Deltamuskel vor ihm läuft das Schlüsselbein und keilt in den Oberarm. Beachten Sie in meiner Zeichnung Arm Swinging Back, wie ich die Dicke und den Wert der Linie verändert habe, um das Anschwellen der darunter liegenden Formen, insbesondere in den Beinen, zu simulieren. Beobachten Sie auch, wie ich den Übergang der linken Wade zum Oberschenkel mit den "Überschneidungs" -Formen, wie es die Bildhauer ausdrücken, durch überlappende Linien dargestellt habe. Werden Sie jedoch nicht dogmatisch. Beachten Sie, wie ich diese Techniken auf diskriminierende Weise verwende. Ich betonte die Dunkelheit in der Linie entlang der nahen Schulter, damit die schwächer gerenderte ferne Schulter zurücktreten konnte. Obwohl der nahe Ellbogen näher am Betrachter liegt als die Schulter, habe ich mich selektiv dafür entschieden, die überlappenden, knöchernen Punkte des Ellbogens anstelle der gesamten vorspringenden Form des Arms zu betonen, um zu verhindern, dass er steif umschlossen aussieht. Ich fühlte, dass die Linien des Ellbogens gerade dunkel und scharf genug waren, um sie vor die zurückweichende Hand zu bringen.

Schraffur

Viele Künstler gehen topografisch und schraffiert vor, etwa in Albrecht Dürers Zeichnungen. Sie können viel lernen, wenn Sie sich das Werk dieses Künstlers aus der Renaissance des Nordens ansehen. Sehen Sie in Kopf eines Apostels, wie er seine Linie mit längeren, allmählich gekrümmten Strichen auf der weicheren, abgerundeten Form des gesamten Kopfes um die Formen webt. In der Zwischenzeit beschreibt er die kleineren, eckigeren Formen der Falten und knöchernen Landmarken mit kürzeren, sich in der Richtung abwechselnden Schraffurstrichen. Beobachten Sie, wie er Linien im Detail graduell überlappt. Er schichtet die Schraffur niemals in einem Tic-Tac-Toe-Winkel. Normalerweise führt ein Strich allmählich in den anderen, und wie bei dem in weißen Linien dargestellten Glanzlicht kann die Schraffur ein fast spiralenartiges Aussehen annehmen. In einem anderen Beispiel sehen Sie, wie die Tiefe von Michelangelos Linien stark variiert und dunkler und intensiver zu werden scheint, wenn sie um die akzentuierten knöchernen und harten Muskelpunkte auf der Figur in Study of a Male Nude verschmelzen. Mit Feder und Tinte gerendert wirken seine Akzente nicht nur dunkler, sondern wirken auch fast poliert und brüniert.

Nehmen Sie sich etwas Zeit, um alte Stiche zu studieren oder zu kopieren, wie es die Studenten der Französischen Akademie im 18. und 19. Jahrhundert tun mussten. Es ist auch hilfreich, Comiczeichner wie Neal Adams oder Mort Drucker auf ihre reibungslosen Interlacing-Schraffurmethoden hin zu untersuchen. Dies wird Ihr Auge auf die Nuance der Linie einstimmen und Ihnen helfen, eine Feinheit und Syntax für Ihre Schraffurtechnik zu entwickeln. Aber übertreibe es nicht und werde kein Sklave der Lust auf pyrotechnische Linien. Wenn Sie aus dem Leben heraus arbeiten, verbringen Sie mindestens so viel Zeit mit dem Betrachten des Modells wie mit dem Rendern der Linien. Andernfalls wird Ihre Zeichnung simpel und stilisiert aussehen, eingewickelt in eine gewundene Masse aus Stacheldraht oder was für ein Künstler und einflussreicher Kunsttechniker des 19. Jahrhunderts, Jacques-Nicolas Paillot de Montabert, "elende Studien" und "das Etwas" genannt absurde Geduld derjenigen, die … statt der Natur genau das Gravurwerkzeug "imitieren. Nach Ansicht des Kunsthistorikers Albert Boime jammerten die Lehrer der französischen Akademie häufig über die Tendenz ihrer fortgeschrittenen Schüler, auf diese Weise zu zeichnen, ohne zu wissen, dass ihre frühe Überbetonung des gedankenlosen Kopierens von Gravuren das kalte und leblose Erscheinungsbild der Akademie selbst förderte kritisiert."

Die Verschmelzung von Linie und Masse

Werfen Sie einen Blick auf Charles Dana Gibsons Zeichnungen, um einen Kontrapunkt zu diesem harten Ansatz zu erhalten.

Eine erste Nacht von Charles Dana Gibson, Tinte.

in weicheren, breiteren und lockereren verschlungenen Strichen wiedergegeben. Zusammen mit mehreren Künstlern und Illustratoren versuchte Gibson in dieser Jahrhunderte langen Periode, den fließenden, malerischen Effekt des Wertemassierens allein mit der Linie nachzuahmen. Obwohl viele seiner frei geschwungenen und parallelen Linien den Volumen seiner Motive zu folgen scheinen, scheint sein Ziel weniger das von Dürer verfolgte taktile Formempfinden zu sein, als vielmehr der Versuch, die optischen Wirkungen des Lichts auf die Struktur aufzuzeigen. Beobachten Sie, wie Gibson auf eindrucksvolle Weise Hell- und Dunkelschattierungen erzeugt, indem Sie die Nähe und Anzahl der Schraffurlinien variieren, um eine Wertänderung anzuzeigen. Er bringt ein feines Geflecht subtiler Linien auf das Papier, wenn er die weicheren Formen darstellt, die allmählich dunkler erscheinen, wenn sie sich von der Lichtquelle abwenden. Er verwendet eine größere Menge härterer Linien, wenn er die härteren Formen angibt, die sich scharf vom Licht abheben und sich dramatisch in dunklere Schattenmassen verwandeln.

Es ist nicht einfach, Tinte zu zeichnen, aber es ist eine großartige Möglichkeit, den Lernprozess zu beschleunigen. Sie können mit Stift und Tinte keine Fehler machen, sodass Sie schnell lernen, Ihre Linien mit Bedacht zu betrachten und zu wählen. Für diese Folter stehen viele Werkzeuge zur Auswahl; Sie sollten sie alle ausprobieren, bis Sie diejenige finden, die zu Ihnen passt. Die Gibson-Generation verwendete flexible Tauchstifte und dünne, spitze Zobelbürsten, um ihre eleganten dicken und dünnen Linien zu meistern. Van Gogh fertigte einige seiner eigenen rudimentären und dennoch effektiven Stifte aus Schilf und Federn. Heutzutage haben wir auch eine große Auswahl an Füllfederhaltern und sogar Füllpinseln, um die Qualen aus dem Prozess zu nehmen. Früher habe ich mit beidem gezeichnet, aber jetzt finde ich, dass ein Kugelschreiber genau so gut zu meinen Zwecken passt. Einige zeitgenössische Marken von Kugelschreibern sind anfällig für frustrierend fleckige Unfälle. Wenn Sie jedoch genügend verschiedene Hersteller ausprobieren, werden Sie einige entdecken, die eine empfindliche und zuverlässige Linie bieten. Sie werden einen Kugelschreiber sehr nützlich finden, wenn Sie unterwegs sind, wenn Sie ein flüssiges, skizzenhaftes Aussehen wünschen oder wenn Sie eine große Wertemasse auf der Seite mit einer Ansammlung von schnell schraffierten Linien anzeigen möchten.

Linien als Masse

Wenn Sie genügend feine, fein gerenderte Schraffurlinien auf Ihre Zeichnung stapeln, können Sie aus der Ferne eine weiche, "linienlose" Tonform erzeugen. Ich mag es, fette Linien mit diesen feineren Schraffurlinien zu kombinieren. Manchmal verwende ich absichtlich die parallele Linienstruktur von Bütten, um diesen Effekt zu verstärken, und lasse meinen Bleistift mit der Faserrichtung auf und ab wandern, wie ich es in Seated Figure getan habe. In einigen Fällen schmiere ich mit einem Stumpf einen kleinen Farbton auf das strukturierte Papier, damit der Kontrast zwischen den Kanten und Rinnen des Papiers nicht zu störend wird. In den meisten Fällen versuche ich, eine Verschmelzung von Linie und Ton zu finden, um einen allmählichen Übergang von Linien in reine Wertmasse zu erreichen. Je mehr ich mich in diesen weich gemischten Passagen bewege, desto weiter hinten greife ich mit dem Bleistift nach dem Gehäuse. Ich finde es einfacher, den Druck meiner Schnur mit der Hand in dieser erhöhten Position zu kontrollieren, wodurch ich in einer breiteren und breiteren Bogenbewegung streicheln kann. In diesen Momenten halte ich den Stift so sanft, dass er mir oft aus der Hand fällt.

Es erfordert viel Übung, die Linie in Tonwertmasse zu manipulieren. Wenn Sie gerade erst anfangen, probieren Sie Ihre Leitungsqualität so oft wie möglich. Selbst während Sie fernsehen, können Sie einen Block herausziehen und in kleinen quadratischen Mustern wiederholt Linien zeichnen, um verschiedene Handpositionen zu testen und den Druck zu variieren. Versuchen Sie, das Mischen Ihrer Linien zu üben. Führen Sie die Linien vorsichtig parallel zueinander und schichten Sie sie immer enger, bis sie fast zu verschwinden scheinen. Versuchen Sie dann, auf demselben Farbfeld Linien in die entgegengesetzte Richtung zu zeichnen, um noch subtiler zu werden und die Linie in der Masse zu verschmelzen. Wenn Sie ein fortgeschrittener Künstler sind, ist es ebenfalls ratsam, beim Zeichnen ein zusätzliches Stück Papier zur Hand zu haben, damit Sie Ihren Handdruck testen oder einen komplizierten Ton einüben können, bevor Sie ihn auf Ihre fertige Zeichnung legen.

Nasses Medium

Das Ink-and-Wash-Verfahren ist ein weiteres effektives Werkzeug für die Verbindung von Linie und Masse. Aufgrund seiner technischen Ähnlichkeit mit dem Aquarellmedium dient es sogar als nützliche Brücke zwischen den künstlichen Kategorien Zeichnen und Malen. Beobachten Sie, wie sowohl Giambattista Tiepolo mit der Heiligen Familie als auch Jean-Baptiste Greuze mit der Frau, die einen liegenden alten Mann umarmt, lose Wertewaschungen über ihre Kompositionen laufen und ihre Figuren zu größeren, malerisch abstrahierten Wertemassen zusammenfügen. Beachten Sie auch, wie die härteren Linien manchmal in der nassen Wäsche verschmelzen und sich in weichere, gemischte Akzente verwandeln. Versuchen Sie dies in Ihrer eigenen Arbeit mit wasserlöslicher Tinte. Oft müssen Sie nicht einmal ein Waschmittel verwenden - Sie können einen mit Wasser gefüllten Pinsel verwenden, um etwas Tinte aus der Linie zu ziehen und ein darüber liegendes Wertemuster zu erstellen.

Soda-Brunnen von Isabel Bishop, ca. 1954, Tinte waschen, 7 1/8 x 6.

Die Masse kann ein Bild manchmal so dominieren, dass die Linie nur als Ergänzung zu seinem Partner erscheint und dazu dient, die tiefsten Dunkelheiten oder die hellsten Lichter hervorzuheben, oder lediglich die Außenkanten stellenweise enthält. Auch wenn ich sparsam damit umgehe, wie ich es in den meisten meiner Zeichnungen (siehe Twisted Torso) versuche, ist die Linie für meine Arbeit immer noch unverzichtbar. Aber denken Sie daran, dass eine kleine Linie einen langen Weg zurücklegt. In dieser kurzen, fünfminütigen Skizze beschränkte ich mich größtenteils auf die peripheren Formen, überlappte und variierte deren Gewicht, um die inneren, ineinandergreifenden Formen zu verstärken. Ich habe versucht, den Fluss der Wertabstufungen im Inneren nicht zu stören, aber an einigen Stellen habe ich ein paar Striche hinzugefügt, um einige der scharfen knöchernen Punkte und Bereiche tiefer Erleichterung hervorzuheben, an denen die Muskeln durch die Aktion gestärkt werden. Ich zog mich von der tonalen Anhäufung an den Enden des Rumpfes zurück und zählte auf die verbleibenden Einzellinien, um die Figur in das leere Papier zu lockern.

Die Kraft von Linie und Masse endet nicht mit der skulpturalen Darstellung und den natürlichen Auswirkungen des Lichts auf die menschliche Form. Sie können eine Designfunktion wie im vorherigen Beispiel oder wie in der Zeichnung von Charles LeBrun erfüllen, bei der Linie und Masse rhythmisch in die leere Seite ein- und ausgeblendet werden. Wertmasse und Linie werden in einigen Tuschezeichnungen von Isabel Bishop fast zu einer abstrakten Einheit. Es ist schwer zu sagen, wo die Form endet und die Kalligraphie in ihrem Soda-Brunnen beginnt. Sie verwendete auch kühne Hybridlinien- und Formmarkierungen in vielen ihrer Bilder und überlagerte sie manchmal auf eine körperlose Weise, die die wesentliche Ebenheit und das formale Potenzial der Leinwand oder des Papiers verstärkt. Wir sollten auch die anderen konzeptionellen Vorteile dieser gegensätzlichen Striche nicht völlig ignorieren. Beachten Sie, wie Fragonard in The Pacha sowohl seine emotionalen als auch seine ausdrucksstarken Fähigkeiten ausnutzt. Bekannt für seine rubeneske Verwendung von Farbe und animierten Pinselstrichen, näherte er sich dem Zeichnen mit gleicher Begeisterung, indem er einen Pinsel in einer leidenschaftlichen, verzweifelten Schrift schnell über sein Strukturpapier zog und dort die Seite mit einem fast modernen, sich wiederholenden Muster von rauen Markierungen füllte.

Die Verwendung von Linien in der Malerei

Die Verwendung von Linien beschränkt sich nicht nur auf Papier und Zeichnung. Sogar viele Künstler mit Schwerpunkt auf der Masse verwenden die Linie, um ihre Bilder zu beginnen. Ich beginne meine Leinwände häufig mit einer vagen Kohlezeichnung.

Mehrfarbige Figur von Dan Gheno, 1996, Buntstift, 18 x 24. Sammlung des Künstlers.

Dann bestätige ich erneut und baue auf meinen anfänglichen Kohlelinien Farbe auf, normalerweise ein blaues oder permanentes Alizarin-Purpur. Ich verdünne die Farbe mit viel Lösungsmittel, damit die Farbe wie Tinte frei fließt. Dank des hohen Lösungsmittelanteils trocknen die gestrichenen Linien schnell, in der Regel innerhalb von fünf bis 20 Minuten. Das gibt mir viel Freiheit und ich kann sofort mit dem Malen beginnen. Wenn ich denke, dass ich die Kontrolle über die Zeichnung verloren habe, kann ich einige der oberen Ebenen abkratzen, um die Originalzeichnung unten abzurufen. Aber seien Sie vorsichtig, wenn Sie diesen Ansatz verwenden. Ölfarbe wird mit der Zeit transparent und Sie müssen vermeiden, mit einer extrem dunklen Linie zu zeichnen, besonders wenn Sie in dünnen Schichten malen.

Manchmal verwende ich Linien, um ein Bild, das gerade bearbeitet wird, neu zu zeichnen. Jedes Mal, wenn ich eine Überarbeitung vornehme, wechselt die Farbe, damit ich meine Änderungen mit der vorherigen Inkarnation vergleichen kann. Ich mache das sporadisch in meinen gezeichneten Arbeiten, wie zum Beispiel Multicolored Figure, nur zum Spaß - ich denke, es ist auch sehr interessant, den Weg der Entdeckung zu dokumentieren, wobei jede Entscheidung oder Anpassung durch eine andere Farbe aufgezeichnet wird. Selbst wenn ich auf meine normale, einfarbige Art zeichne, lösche ich meine "Fehler" nie, bis ich eine mögliche Lösung gefunden habe. Es ist einfacher, eine Revision in einem der beiden Medien durchzuführen, wenn Sie sehen können, wo Sie sich befunden haben. Auf diese Weise machen Sie nicht zweimal (oder dreimal) denselben Fehler.

Nicht wenige Maler verwenden während ihrer gesamten Arbeit Linien. Van Gogh ist wahrscheinlich das offensichtlichste Beispiel. In vielen seiner Bilder verwendete er einen stark kalligraphischen Schraffurstrich, während er ironischerweise in vielen seiner Zeichnungen häufig die texturellen Aspekte von Pinselstrichen nachahmte. Wie viele andere Maler verwende ich Linien oft als Ausdrucksmittel oder als Mittel, um Formen zu implizieren, die sich genau wie in meinen Zeichnungen überlappen. Sogar ein massenorientierter Künstler wie John Singer Sargent griff in vielen seiner Wandarbeiten auf eine starke Verwendung von Umrissen zurück. Viele damalige Wandmaler, darunter Kenyon Cox und in jüngerer Zeit Dean Cornwell, verwendeten Linien, um die Bilder aus der Ferne besser erkennbar zu machen, und verwendeten zusammen mit Georges Rouault in seinen Staffeleiarbeiten häufig unterschiedliche Umrisse in einer erklärten Emulation der bleihaltige Linien, die Buntglasfenster tragen. In mancher Hinsicht könnte man sogar sagen, dass diese dunklen Linien eher eine Farbe als ein Zeichenende darstellen. sie verstärken und verstärken die inneren Farbtöne. Versuchen Sie, sich das Selbstporträt von Hans Hoffmann ohne die Linien vorzustellen. Es würde nicht funktionieren.

Ein abstrakter Künstler wie Hoffmann hatte keine Angst vor Linien oder vor dem Zeichnen im Allgemeinen. In der Tat drehte sich ein Teil seiner Lehre um das Zeichnen aus dem Modell. Leider lehnen heute viele Künstler und Kritiker die Verschmelzung von Linie und Masse ab und sprechen sich lautstark dagegen aus, die Reinheit des Malimpulses mit zeichnerischen Überlegungen zu kontaminieren. Dies erinnert mich an eine andere unglückliche Zeit in der Kunstgeschichte, als die Poussinisten, Partisanen des Zeichnens und Zurückhaltens, und die Rubenisten, Soldaten der Farbe und der Gefühle, sich gegenseitig an den Kehlen saßen. Jeder war unnachgiebig in seiner Ansicht. Tatsächlich beging ein bekannter Lehrer und Künstler der neoklassizistischen Bewegung, Baron Antoine-Jean Gros, Selbstmord, weil er nicht bereit war, seine emotionale rubenistische Seite zu opfern, um seinen Patron und künstlerischen Vater, Jacques-Louis David, einen eifrigen Poussinisten, zu ehren.

Heutzutage können die meisten Menschen diese beiden Lager schätzen und ihre spätere Verschmelzung in der traditionellen Kunst des späten 19. und 20. Jahrhunderts beobachten. Denken Sie daran, wie viel Potenzial durch diese Kunstkriege verloren gegangen ist. Das Leben ist zu kurz, um von den Redewendungen eines anderen Künstlers abgeschreckt zu werden. Verwenden Sie Linien, wenn sie Ihren visuellen Zwecken dienen, und verwenden Sie Wertmassen, wenn sie angemessen sind. Lassen Sie jemand anderen über die angeblichen ästhetischen Regeln nachdenken. Ihre Aufgabe ist es, zu zeichnen. Wenn Sie dabei bleiben, sind Sie so unaufhaltsam wie das Team aus Linie und Masse.