Dieser erfahrene Maler verleiht seinen Stillleben eine kraftvolle Bedeutung, indem er die Hintergründe und Einstellungen, in denen sie erscheinen, ständig verschiebt.
von John A. Parks
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| Symbol
1994, Öl, 18 x 12. Alle Kunstwerke dieses Artikels Privatsammlung, sofern nicht anders angegeben. |
James Tormey malt Stillleben mit akribischer und fast grausamer Klarheit. Sein Thema ist ganz traditionell: Obst, Gemüse oder Eier erscheinen in Schalen oder auf Oberflächen, die von starkem gerichtetem Licht beleuchtet werden. Durch den starken Kontrast und die sorgfältig modulierten Tonverschiebungen setzen sich die Formen nahezu theatralisch durch und lassen die Objekte spektakulär real erscheinen. Anstatt seine Motive einfach nur zum Vergnügen darzustellen, baut Tormey jedoch eine stärkere und präzisere Bedeutung in seine Arbeit ein, indem er untersucht, wie die Hintergründe und Einstellungen für seine Stillleben bestimmte Ideen vermitteln können. In seiner jüngsten Arbeit malte er beispielsweise eine Reihe von Bildern, in denen Obst - ein traditionelles Stillleben - in architektonischen Umgebungen oder Rahmen platziert ist, die wir normalerweise mit religiösen Bildern assoziieren. In Icon beispielsweise malte der Künstler einen Rotkohl und platzierte ihn in einem Rahmen im Renaissancestil, den er selbst baute und dekorierte. Anstatt in einem solchen Kontext mit einem Heiligen oder einer Madonna konfrontiert zu werden, erhalten wir ein vollständig realisiertes, aber recht gewöhnliches Gemüse.
"Ich glaube, wir können mit der Welt nur fertig werden, wenn wir sie so betrachten, wie sie wirklich ist", sagt Tormey. „Was ich mit diesen Gemälden mache, ist zu sagen:‚ Das ist, was wirklich ist, das ist, worauf wir achten sollten. '“Tormey glaubt, dass Künstler die Verantwortung für die Bedeutung ihrer Werke übernehmen sollten. „Hinter meinen Gemälden stecken konkrete Ideen“, sagt der Künstler. „Es gibt eine Sichtweise auf die Welt, die ich zu kommunizieren versuche. In der Kunst geht es darum, die Werte des Künstlers zu nehmen, sie durch ein Medium auszudrücken und konkret zu machen. “
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| Galileos Ei
1986, Öl, 46 x 34. |
Die Strategie, das Stillleben an unwahrscheinliche Orte zu transportieren, beschäftigt Tormey seit vielen Jahren. Kürzlich hat er eine Reihe von Arbeiten fertiggestellt, in denen er eine Gruppe von Stillleben-Requisiten - hauptsächlich Äpfel - um die verschiedenen architektonischen Stücke am Bethesda-Brunnen im New Yorker Central Park bemalt. Mit ihrer phantasievollen romanischen Dekoration haben diese Hintergründe eine jenseitige und schwach spirituelle Ausstrahlung. Die Einführung von winzigen Stillleben fügt eine fast humorvolle Note hinzu und untergräbt die hohen Ansprüche der Architektur, indem sie auf Einfachheit besteht. Die Natur, so scheint es der Künstler zu sagen, kann wunderbar mit den Produkten der menschlichen Vorstellungskraft koexistieren.
In einer anderen Gruppe von Gemälden verwendete der Künstler eine noch einfachere Idee, um die Bedeutung zu vermitteln: Er legte Früchte in halbtransparente dekorative Schalen, deren Kristall die Formen verzerrte, so dass sie durchsichtig und unzusammenhängend wirkten. Aus den Schalen ins klare Licht ragen, wird die Frucht plötzlich real und sehr fest. „Mir gefällt die Idee, dass sich das Immaterielle manifestiert“, sagt der Künstler. „Es ist fast so, als ob diese Bilder ein Paradigma für die Entstehung aller Bilder darstellen: Sie beginnen mit Formlosigkeit, die sich dann zu einer Idee kristallisiert, und dann entsteht die Idee auf der Leinwand.“
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| Gemischte Gesellschaft
2000, Öl, 34 · 38. |
Tormey ist tief mit dem kreativen Prozess beschäftigt. „Ich bin fasziniert davon, wie ich eine Idee von einem Gemälde haben kann, das scheinbar aus dem Nichts stammt, das Stück machen kann, einen Betrachter das Ding genießen lässt und es sogar kaufen möchte und dann vom Käufer mitnehmen lässt. Und wenn dieses Bild zu einem Objekt der Meditation und Stille im Haus eines Menschen wird, ist es eine besonders wunderbare Sache. “
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Tormeys Maltechnik erfordert von Anfang an große Sorgfalt. Er arbeitet in seiner Wohnung in Manhattans Upper West Side in einem akribisch sauberen Raum, der mit einer sehr soliden Staffelei und einer großen Glaspalette auf einem Maltisch ausgestattet ist. Als Referenz verwendet er Fotografien, die er von Stillleben-Setups aufgenommen hat, in Verbindung mit Bildern von architektonischen oder anderen Einstellungen, die er im Laufe der Jahre gesammelt hat. „Ich beginne mit einer sorgfältigen Graphitzeichnung direkt auf der Leinwand“, erklärt er. Heutzutage verwendet er leichte Baumwollente, obwohl ein Großteil seiner früheren Arbeiten auf glatteren Oberflächen ausgeführt wurde. Sobald die Graphitlinie hergestellt ist, erstellt der Künstler eine dünne monochrome Version des Bildes mit einem stumpfen Grün. "Ich füge der Farbe nur Terpentin hinzu", erklärt er. „Ich benutze kein Öl oder Lasur, weil ich keinen Glanz mag. Der Terpentin trübt die Farbe, was zu meiner Arbeit passt. “Sobald die grüne Schicht getrocknet ist, trägt die Künstlerin eine zweite dünne Schicht in einem warmen Braun mit gebrannter Siena oder gebrannter Umbra auf. "In all diesen Phasen arbeite ich von dunkel bis hell", sagt er, "damit ich immer ein gerendertes, dreidimensionales Bild bekomme." Tormey arbeitet an zwei oder drei Gemälden gleichzeitig, um eine ausreichende Trocknung zu ermöglichen Zeit zwischen den Schichten. „Mir gefällt auch, wie ein Bild mit einem anderen zu sprechen scheint“, sagt er. „Das sorgt für einen reichhaltigeren Prozess.“Sobald er das Bild in Farbe bearbeitet, fährt er langsam fort, trägt viele dünne Schichten auf und erreicht allmählich subtile Farb- und Farbverschiebungen, bis seine Formen von dreidimensionalem Leben erfüllt sind. „Ich arbeite mit einem sehr trockenen Pinsel“, erklärt der Künstler. Viele von Tormeys Gemälden enthalten dunkle Hintergründe, von denen einige rein schwarz sind - etwas, das seine eigenen technischen Probleme aufwerfen kann. "Ich möchte nicht, dass sich diese Hintergründe präsent fühlen", sagt er. "Ich möchte, dass sie einfach aussteigen."
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| An der Basis der Pyramide
1986, Öl, 40 x 32. |
Im Allgemeinen arbeitet Tormey mit weichen Kunststoffbürsten in verschiedenen Formen und Größen. Zum Mischen verwendet er synthetische Fächerpinsel sowie eine Reihe von großen, weichen Runden. Weil er auf seiner Arbeit keinen Glanz haben will, benutzt er keinen Lack. „Auch matte Lacke sind ein Problem“, sagt der Künstler, „weil sie Wachs enthalten. Manchmal bekommen sie nach ein oder zwei Jahren eine "Blüte". Es ist jedoch leicht genug, sich davon zu befreien - Sie müssen nur den Lack neu besprühen. Aber ich möchte lieber nicht. Gelegentlich werde ich einen leichten Retuschelack verwenden, während ich daran arbeite, etwas aufzuwerten. “
Es ist nicht verwunderlich, dass Tormeys Werk mit seinen starken Kontrasten und sanften Tonübergängen stark von der Fotografie beeinflusst ist. Tormey arbeitete einige Jahre als Fotograf, und als er anfing, Stillleben zu machen, fotografierte er sie oft vor einem schwarzen Hintergrund. In diesen Jahren entdeckte er sowohl die spanische Stilllebentradition als auch Maler wie Juan Sánchez Cotán (ca. 1560–1627), die das Drama der schwarzen Hintergründe, gepaart mit kuriosen Stilllebenarrangements, genossen. "Es war wie zu entdecken, dass ich einen Bruder hatte, den ich nie kannte", erinnert er sich. Tormey ist auch ein Fan der italienischen Maler Carlo Crivelli (ca. 1430–1495) und Vittore Carpaccio (ca. 1450–1525), deren Gemälde - mit ungewöhnlichen und einfallsreichen Details - ein überraschend modernes Aussehen haben.
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| Blaue Schüssel Mit Birnen
1997, Öl, 36 x 36. |
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| Der Blick ins Jenseits
1982, Öl, 32 x 34. |
Tormey spricht vom beharrlichen Realismus seiner eigenen Arbeit und bezieht ihn wieder auf seine persönliche Philosophie. „Ich denke, meine Objekte sagen:‚ Leg dich nicht mit mir an - nimm mich ernst. ' Diese Objekte sind Realität und alles, was wir haben. “
