Der Ölmaler Matthew Mitchell adaptiert Rembrandts Arbeitsweise für seine Porträts, in denen Amerikaner in zivilen oder militärischen Rollen im Irak und in Afghanistan dargestellt werden.
von Karen Frankel
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| Alexander Scott Arredondo
2005, Öl auf Leinen, 30 x 26. Alle Kunstwerke dieser Artikel Sammlung 100 Faces of War Experience Project. |
Vor ein paar Jahren arbeitete der Massachusetts-Künstler Matthew Mitchell als Illustrator und malte zum Vergnügen alla prima in Öl, als er zwei Dinge feststellte: Erstens, dass Verglasung und Bemalung die Möglichkeit bieten, einem Porträt mehr Tiefe zu verleihen, und zweitens, dass „ich Ich habe mich am meisten gefreut, als ich eine Illustration auf das Gesicht einer Person reduzieren konnte. “Diese beiden Ideen kreuzen sich in Mitchells aktuellem Projekt 100 Faces of War Experience, einem mehrjährigen Projekt, das schließlich 100 Porträts von Menschen umfassen wird, die gereist sind von Amerika in den Irak oder nach Afghanistan, um in den letzten Kriegen entweder eine zivile oder eine militärische Rolle zu spielen. Mitchell konzipierte die Idee für dieses gemeinnützige Projekt im Jahr 2005 und versuchte von Anfang an, die Bedeutung einiger traditioneller Ideen in der Porträtmalerei hervorzuheben, einschließlich des Umfangs der Stücke. "Die Bilder sind in Originalgröße", sagt Mitchell. "Der springende Punkt der Show ist es, eine Persönlichkeit sowohl durch die Worte der Subjekte als auch durch die Gemälde zu präsentieren - jedes Porträt muss immer von den Worten der abgebildeten Person begleitet werden."
Mitchells Porträts basieren größtenteils auf den Techniken von Rembrandt. Nachdem Mitchell zwei Jahre lang eine Reproduktion von Rembrandts Selbstporträt von 1669 betrachtet hatte, stellte er fest, dass er vom Ausdruck des Darstellers oder des Gemäldes selbst nie enttäuscht wurde. Dies brachte ihn dazu herauszufinden, wie der niederländische Meister arbeitete, und die größte Lektion, die er gelernt hatte, war die Wichtigkeit von Schichten. Rembrandts Formen bestanden aus vielen Ebenen, und Mitchell behauptet, dass Rembrandt sich auf die Ebenen selbst konzentriert habe. Diese Idee erregte Mitchell, weil er nass in nass gemalt und seine Farben direkt niedergelegt hatte. Die Überlagerung von Glasuren bot neue Herausforderungen. Da zum Beispiel die Originalfarbe mehrmals glasiert werden kann, „wird es sehr schwierig, sich die Farbe vorzustellen“, erklärt Mitchell. „Ich muss darüber nachdenken, wie es von nachfolgenden Schichten beeinflusst wird, um die gewünschte Farbe im Endstadium zu erhalten.“Rembrandt verwendete sowohl die dünnen Schichten einer Glasur als auch die dicken Schichten der pastosen Technik, die ebenfalls stark sind beeinflusst, wie er eine gewünschte Farbe erreicht. Mitchell folgt dem gleichen Prozess. „Da ich das pastose Stück mit dem Ende meines Pinsels hochkrabbele, damit der Betrachter bis zur darunter liegenden Ebene sehen kann, muss ich darüber nachdenken, wie viel Farbe aufgedeckt wird und welche Farbglasuren darauf aufgebracht werden diese dicke Schicht."
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| Steve Mumford
2007, Öl auf Leinen, 30 x 26. |
Mitchells Palette basiert auf den Vorschlägen von Michael Wilcox, der mehrere Bücher über Farbe geschrieben hat. Mitchell verwendet sowohl eine warme als auch eine kühle Version der Primärfarben, insbesondere Ceruleanblau und Ultramarinblau, Chinacridonrot und Cadmiumrot sowie Cadmiumgelb mittel und Hansagelb. "Ohne Wilcox hätte ich Hansa yellow nie gefunden", sagt Mitchell. „Es ist ein sehr gutes, kühles Mischgelb.“Verbrannte Siena, verbranntes Umbra, gelbes Ocker, Lampenschwarz, Elfenbeinschwarz und Titanweiß runden seine Palette ab. Er arbeitet an 26 "-x-30" -Leinwänden mit Porträtqualität, damit seine Darstellungen in Lebensgröße dargestellt werden können.
Obwohl Mitchell gerne aus dem Leben heraus arbeitet, werden seine Bilder für das 100 Faces-Projekt in der Regel von Fotografien gemacht. „Wenn ich die Leute für das Projekt treffe, setzen wir uns und lassen sie einfach darüber reden, wer sie sind und was auch immer sie sonst mögen“, erklärt er. „Am Ende der Sitzung bitte ich sie aufzustehen, damit ich ein Foto machen kann. Das Ergebnis ist eine Art Offenheit für das Foto, etwas Ungewöhnliches. “Mitchell druckt die Fotos sofort aus, damit er seine Eindrücke aus dem Gespräch zu den Bildern hinzufügen kann.
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Er bereitet seine Leinwand mit Gesso vor und führt dann ein Underpainting durch. Der Künstler überzieht die Oberfläche mit einer Mischung aus ein wenig Himmelblau und Grau, woraus sich ein mittlerer Farbton ergibt, auf den er mit einer dunkleren blau-grauen Mischung oder einer Umbra zeichnen kann. Da die Porträts in 100 Faces sehr einfach sind, komponiert er sie direkt auf der Leinwand. „Die Technik, die ich verwende, lässt beim Aufbau von Ebenen viele subtile Änderungen zu, sodass ich die Dinge ein wenig neu anordnen kann, wenn ich möchte“, sagt er.
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| Tanya Karst
2005, Öl auf Leinen, 30 x 26. |
Nach dem Bemalen der Kopfgrundlagen trägt Mitchell eine dicke Schicht pastosen Materials in sehr hellen Farben auf. „Dies sind Farben, die man normalerweise in den Gesichtern von Menschen sieht“, erklärt der Künstler. „Es gibt Rottöne in den Wangen und in der Nase und verschiedene Rottöne in den Lippen. Im Bereich der Augenhöhle sind Gelbfärbungen und im Bereich der Stirn ein Hellblau zu erkennen. Obwohl es in den Gesichtern verschiedener Menschen viele Variationen dieser Farben gibt, können Sie sich darauf verlassen, dass einige von ihnen in jedem Gesicht vorkommen. “Während er das pastose Gesicht kreiert, bestimmt die dicke Farbe die Formen des Gesichts. Mitchell hinterlässt bestimmte Stellen wie Augen und Wangenteile glatt. Er legt einen Trockner wie Liquin, Galkyd oder Leinsamenöl mit Mangan in den pastosen Boden, damit er ihn am nächsten Tag formen kann. Mit einem Spachtel oder dem anderen Ende eines Pinsels kehrt der Künstler in den pastosen Raum zurück und kratzt Farbe ab. Mitchell weist darauf hin, dass die Bildhauerei Texturen schafft, bei denen Glanzlichter hervorstechen können - im wahrsten Sinne des Wortes. Erhöhte Bereiche im Bild fangen das Licht ein.
Die Skulptur enthüllt auch den Boden und verleiht der Haut ein Gefühl von Poren. "Es gibt eine Richtung oder ein Fließen in die Haut der Menschen, und ich versuche, ein Raumgefühl zu schaffen, indem ich damit arbeite", sagt er. Wenn die pastose Schicht vollständig trocken ist, glasiert Mitchell das Gemälde mit einer dünnen Mischung aus gebranntem Umbra und reibt die Glasur mit Bedacht ab. "Die Glasurfarbe liegt in den Poren, in der Textur des Lacks", sagt er. „Das ist etwas, was man bei Rembrandt und seinen Zeitgenossen oft sieht - sie haben die Dinge glasiert und dann selektiv die Oberfläche abgerieben. Es ergibt sich ein subtiles Gefühl, dass diese Teile nach vorne kommen. “
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| Scott Palmer
2005, Öl auf Leinen, 30 x 26. |
Für schwarze Babysitter verwendet Mitchell eine zusätzliche violette Lasur, um die violetten Untertöne ihrer Haut einzufangen. Er behandelt die violette Glasur genauso wie die Umbra-Glasur - wischt sie auf und wischt sie dann an ausgewählten Stellen ab.
Wenn die Untermalung abgeschlossen ist und bevor er die endgültigen Farben des Fleisches aufträgt, zeichnet Mitchell die dunkleren Schatten, die Dunkelheit der Nasenlöcher und die Linie des Mundes ein. „Das Malen der Dunkelheit vor den endgültigen Hauttönen ist wichtig, da das Aussehen des Schaums - das Ziehen der hellen Farbe über die dunkle Farbe - eine weitere Möglichkeit darstellt, ein Gefühl der Schichtung zu erzeugen“, sagt der Künstler. "Das schafft das Gefühl von Dingen, die von unten auftauchen, wie man es in alten Porträts sieht."
Der Künstler malt die endgültigen Hauttöne sehr leicht. „Normalerweise gibt es ein bisschen mehr Glasuren in den Hauttonbereichen, in denen ich möglicherweise zu hell gestrichen habe, in Bereichen, die ich ein bisschen zurücktreten möchte oder in denen ich einen etwas anderen Farbstich haben möchte“, sagt er. Mitchell malt die letzten Glanzlichter - die weißesten, die er im Gesicht verwenden kann -, wenn er fast fertig ist.
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| Nicholas B. Chavez
2005, Öl auf Leinen, 30 x 26. |
Während er darauf wartet, dass die Farbe auf dem Gesicht trocknet, beginnt der Künstler oft, am Rest des Gemäldes zu arbeiten. er kann eine Variation seiner Überlagerungstechnik auch auf andere Abschnitte eines Gemäldes anwenden. In Lyle Phipps zum Beispiel hat er das Shirt komplett untermalt. „Ich habe das Hemd in sehr hellen Weiß- und Grautönen angefangen“, erklärt er. „Dann habe ich sie ganz leicht mit Umbern und verschiedenen Farben glasiert, um die Schatten hervorzuheben.“Als Nächstes wischte er die Glasur ab, sodass nur ein wenig Farbe in Teilen der Arbeit lag. Lyles Hemd wurde in nur drei Schichten fertiggestellt, im Gegensatz zu den neun oder zehn Schichten, die für einige Teile des Kopfes benötigt wurden.
Mitchell braucht ungefähr eine Woche, um ein Porträt zu malen. Normalerweise arbeitet er an mehreren gleichzeitig. „Ich arbeite ungefähr eine Stunde und wechsle dann zu einer anderen“, erklärt er. Der Terminkalender ist eine Liebesarbeit. „Ich wollte immer Künstler werden“, sagt Mitchell. „Es war für mich immer das Wichtigste, zu zeichnen und zu malen. Das zu können schien das Beste auf der Welt zu sein, solange ich mich erinnern kann. “
Über den Künstler
Matthew Mitchell lebt und arbeitet in Amherst, Massachusetts. Er malt im zweiten Stock einer Scheune auf seinem Grundstück; Seine Frau, die Illustratorin Rebecca Guay-Mitchell, hat ihr Atelier im ersten Stock. Der aus Minnesota stammende Mitchell studierte ein Jahr lang Biologie / medizinische Illustration an der Iowa State University in Ames, bevor er das Pratt Institute in New York besuchte. Nach seinem Abschluss baute er in Zusammenarbeit mit dem Künstler Perre DiCarlo und örtlichen Gärtnern ein Steinamphitheater in Manhattans Lower East Side. Anschließend arbeitete er als Tischler und Schweißer und malte in seiner Freizeit. Anschließend arbeitete er 10 Jahre lang als Illustrator, bevor er sich 2004 entschied, Porträts zu malen. Weitere Informationen über Mitchell erhalten Sie auf der Website des 100 Faces-Projekts unter www.100facesofwarexperience.org.
