Ölgemälde: Schwere Farbe, Große Pinsel Und Keine Aufräumarbeiten: Die Gemälde Von Ken Auster

Der kalifornische Künstler verfolgt einen aggressiven Ansatz, bei dem es um Freilichtmalerei geht.

von John A. Parks

Dos Roses 2006, Öl, 12 x 9. Mit freundlicher Genehmigung der Red Piano Art Gallery, Hilton Head Island, South Carolina.

Ken Auster verwendet eine Menge dicker Farbe und trägt sie schnell auf, um saftige Schichten mit einem geschickten Touch aufzubauen, um starke Illusionen und reichhaltige Oberflächen zu erzielen. Seine jüngsten Arbeiten umfassen eine Vielzahl von Themen, darunter Stadtlandschaften, Restaurants, Strandszenen, Landschaften und Stillleben. „Wenn es sich bewegt, male ich es“, witzelt der Künstler. „Ich möchte sagen, dass ich eine kurze Aufmerksamkeitsspanne habe. In dem Moment, in dem ich das Gefühl habe, dass ich das Interesse verliere, suche ich nach etwas anderem, das ich malen kann. “Wenn er nicht draußen malt, sucht Auster in einer der Plastikmüllsäcke, die mit Dias gefüllt sind, die in seinem Atelier liegen, nach seinem Thema. „Ich male nie einen Ort, den ich noch nicht besucht habe“, sagt er. „Wenn ich eine Szene male, mache ich in der Regel auch Fotos und mache einige zusätzliche Skizzen, damit ich im Studio mehr Stoff für die Arbeit habe.“Auster entwickelt nie ein größeres Gemälde ausschließlich nach einer Skizze. "Ich denke, Sie verlieren die Grenze der Spontanität, wenn Sie das tun", sagt er. „Man verliert das Abenteuergefühl und das Suchen, das man bekommt, wenn man sich zum ersten Mal einer Szene gegenübersieht.“Wenn seine Dias völlig unorganisiert gespeichert werden, weiß der Künstler nie, auf welche Bilder er kommen wird, wenn er in seine Sammlung eintaucht. etwas, das er fühlt, trägt zur allgemeinen Aufregung seines Tages bei. Und von Aufregung lebt dieser Künstler. In den Gemälden selbst wird die pure Freude am Entdecken und unmittelbaren Reagieren immer wieder in brillant schneidigen Pinselstrichen gefeiert, die darauf hindeuten, dass er gerne Risiken eingeht. Farben werden übereinander gezogen und Formen werden gezogen und gedrückt, so dass das Bild aus einem explosiven Sturm des Pinselns zu entstehen scheint. Malerei scheint für Auster eine Selbstverständlichkeit zu sein. Es ist also eine Überraschung zu entdecken, wie lange er gebraucht hat, um die Kunst aufzunehmen.

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„Als ich Ende der 1960er Jahre die Kunstschule verließ, beschäftigte ich mich mit Siebdruck“, sagt der Künstler. „In jenen Tagen hatte noch niemand wirklich viel mit T-Shirts mit Siebdruck gemacht, und ich fing an, sie für das Surf-Publikum herzustellen.“Auster war und ist ein engagierter kalifornischer Surfer. Sein Siebdruckgeschäft wuchs schnell und bald entwarf er Hemden und Bilder für große Surfbrettfirmen, Surf-Resorts und andere surfbezogene Unternehmen.

Obwohl das Geschäft sehr kommerziell war, glaubt Auster, dass die Erfahrung ihm viel über Kunst beigebracht hat. „In den Anfangsjahren“, sagt er, „konnte man mit Siebdruck auf einem T-Shirt nicht viel anfangen - man wäre auf ein oder zwei Farben beschränkt. Die Herausforderung bestand also darin, sie dazu zu bringen, so viel wie möglich zu leisten. “Der Künstler entdeckte, wie man Farbüberlagerungen manipuliert, um die Bilder reicher zu machen. Er begann auch, modulierte Bereiche einzuführen, indem er die Farbe mit einer Rakel mischte, so dass ein Farbwechsel über einen bestimmten Bereich auftrat, als er gedruckt wurde. "Ich habe in Japan Geschäfte gemacht", sagt er, "und mich dafür interessiert, wie der japanische Farbholzschnitt mit begrenzten Farben so viel zur Illusion beiträgt."

Überbrücken Sie es 2006, Öl, 40 x 40. Sammlung des Künstlers.

Schließlich begann Auster, Fine Art-Drucke komplexerer Art zu machen, wobei er sich immer noch auf das Surfen von Bildern konzentrierte. „Siebdruck ist in gewisser Weise sehr einschränkend“, sagt der Künstler, „und ich habe festgestellt, dass ich für diese Momente leben würde, in denen etwas Ungewöhnliches passierte, wenn die Registrierung nur geringfügig anders war und ein kleiner Unfall etwas hinzufügen würde zum Druck. “Unzufrieden mit der anspruchsvollen Technik des Siebdrucks begann der Künstler, Collagen anzufertigen. „Ich habe nur Farbbereiche im Siebdruckverfahren erstellt, die Farben auf verschiedene Arten übereinander gelegt und dann das Papier zerrissen.“Auster begann Collagen mit zerrissenen Kanten und Farben zu konstruieren, die auf verschiedene Arten abgestuft waren Landschaften. „Ich konnte nicht glauben, wie stark ein Image sein könnte, das ich auf diese Weise erhalten könnte“, sagt der Künstler. „Es hat mich wirklich gelehrt, darüber nachzudenken, ein Bild zu erstellen, indem ich Formen massiere und Werte in Beziehung setze, anstatt mir Gedanken über Linien und Konturen zu machen. Ich musste Anpassungen vornehmen, indem ich einfach Formen bewegte und zusammenbaute. Rückblickend war es eine großartige Ausbildung zum Malen, nur zu der Zeit wusste ich es nicht. “

Vier oder fünf Jahre nach Beginn seiner Collagearbeit begann Auster zu malen. „Ich habe mich immer ein bisschen mit Malen beschäftigt und dann eines Tages mit einer Gruppe von Freunden Landschaftsbilder gemacht“, erinnert er sich. „Es schien für alle ein bisschen schwierig zu sein, aber ich fand, dass die Dinge großartig liefen. Es schien mir einfach zu sein. Ich legte die Farbe auf und bewegte sie wie bei einer Collage. Da wir nur ein paar Stunden hatten, konnte ich mich nicht zu sehr damit anlegen. Alle waren beeindruckt von dem, was ich tat, und als ich es nach Hause brachte und es mir ansah, war ich aufgeregt. Man könnte wohl sagen, dass der Zufall den vorbereiteten Verstand begünstigt. “

Merrie alte Seelen 2006, Öl, 36 x 48. Mit freundlicher Genehmigung der Thomas Reynolds Gallery, San Francisco, Kalifornien.

Der Künstler hat nie zurückgeschaut. Bald begann er, Wettbewerbe zu gewinnen, sicherte sich schnell die Galeriedarstellung und verkaufte eine Reihe von Shows. Heute betreibt er eine eigene Galerie und leitet mehrmals im Jahr Plein-Air-Malworkshops, an denen Menschen aus aller Welt teilnehmen. Auster, ein energischer Redner, genießt diesen Teil seines Lebens eindeutig.

Auster glaubt auch, dass die Bewegung im Freien für Künstler in vielerlei Hinsicht sehr gesund war. „Vielen Künstlern wird ein soziales Umfeld geboten“, sagt er. „Es ist etwas, was Maler gemeinsam als Gruppe genießen können. Und es hat viel mehr Sammler mitgebracht. Die Leute verstehen es sofort - sie verstehen, was Sie tun, und sie können sich direkt auf die Bilder einlassen. “

Egal, ob er im Freien oder im Studio arbeitet, Auster verwendet eine Technik, die mehr oder weniger gleich bleibt. „Im Studio benutze ich Farbe aus Quartgläsern und Gallonengläsern für das Weiß“, sagt er. „Wenn ich auf dem Feld bin, benutze ich nur die großen Röhren.“Der Künstler bevorzugt eine Farbmarke namens Classic Art Oils, die von einer kleinen Firma in der Region San Francisco hergestellt wird. Auster verwendet keine Unterlackierung, sondern beginnt die Arbeit einfach mit einem „großen, wütenden Pinsel“. Seine Leinwand ist eine mit Acryl-Gesso grundierte Baumwollente, über die er eine Schicht Latex-Hausfarbe für den Außenbereich aufträgt. "Es macht die Oberfläche weniger saugfähig", sagt er, "so dass die Farbe nur auf der Oberseite sitzt und saftig aussieht."

Schüttle es Baby 2001, Öl, 11 x 14. Mit freundlicher Genehmigung von Howard Mandville Galerie, Kirkland, Washington.

Während er mit einem Gemälde anfängt, ist Auster sehr darauf bedacht, ein klares abstraktes Design in seinem Motiv zu suchen, und dieses malt er zuerst. „Ich sage meinen Schülern, dass unter jedem großen Gemälde ein großes abstraktes Gemälde steht“, sagt er. „Ich suche eine kühne, klare Struktur.“In der Regel wird der Künstler innerhalb einer halben Stunde die gesamte Leinwand bedecken. „Die Farbe ist schon jetzt ziemlich dick“, sagt er, „obwohl ich die Dunkelheit etwas dünner halte als die Lichter.“Dann beginnt Auster, wieder über dem Bild zu arbeiten und die Farbe zu ziehen und hinein zu schieben dicke, nasse Schichten. "Ich füge der Farbe nie etwas hinzu", sagt er. „Manchmal mische ich Farben mit einem Spachtel, aber oft tauche ich meine Pinsel direkt in die Gläser und mische sie einfach auf der Leinwand.“Wenn ich die Farbe so halte, wie sie aus der Tube oder dem Glas kommt, anstatt ein Medium hinzuzufügen, bedeutet das, dass der Künstler weiß immer, mit welcher Beständigkeit er es zu tun hat - das Wissen, das er findet, hilft ihm bei seiner sehr physischen Herangehensweise. „Es ist wichtig, die Anzahl der Variablen niedrig zu halten“, sagt der Künstler, „damit Sie sich auf das Wichtige konzentrieren können. Wenn ich meine Farbe kenne und meine Pinsel kenne, muss ich mir nur um mich sorgen. “

Auster wird das Gemälde nass in nass weiterbauen, bis das Bild fertig ist, und oft spektakuläre Manipulationen vornehmen. „Ein Gemälde entsteht, wenn es das tut, was ich wollte“, sagt er. Der Künstler gibt zu, dass er sich sehr dafür interessiert, wie Gemälde auf eine Entfernung nur als Malstriche erscheinen können und dann schon aus einiger Entfernung starke Illusionseigenschaften annehmen. "Ich liebe das Hin und Her zwischen Farbe und Bild", sagt er. In Bezug auf das Üben im Studio gibt Auster zu, dass er nicht viel für die Organisation oder das Aufräumen tut. "Aufräumen ist einfach nicht in meinem Wortschatz", sagt er. „Ich wasche meine Pinsel nie - ich lasse sie einfach über Nacht in einer Schüssel Terpentin sitzen und beginne dann am nächsten Tag mit ihnen. Mein Atelier ist mit Farbe bedeckt. “Der Künstler verwendet Wachspapierblätter für Paletten und wirft sie einfach weg, sobald sie in zu viel Farbe eingewaschen sind und von vorne beginnen. "Einige Künstler werden Ihnen sagen, dass Sie sich um alles kümmern und organisiert sein müssen und so weiter", sagt er. "Ausser mir? Ich nehme die Kappe von einer Farbtube ab und vergesse sie einfach - sie ist bereits verloren. “

California Dreamin ' 2006, Öl, 76 x 56. Sammlung des Künstlers.

Auster glaubt, dass seine Jahre als Siebdruckkünstler seinen Sinn für Design und sein Verständnis von Farbe gestützt haben, aber er glaubt, dass Malen ein „Tanz zwischen Leidenschaft und Intellekt“ist. Beide Eigenschaften müssen zum Malen beitragen gelingen. Diese Idee zeigt sich in Cat's Paws, einer Straßenszene, in der ein enormer Schatten die Leinwand diagonal aufteilt und auf beiden Seiten von beleuchteten Gebäuden gestützt wird. Die kraftvolle Perspektive führt zu einem Blick über den Hafen, der in sanftes Sonnenlicht getaucht ist. Gegen diese intellektuelle Ordnung wirkt der Pinsel wie eine aufregende und herausfordernde Kraft, die die Metalltafeln der Fahrzeuge und den schweren Asphalt der Straße aus dem eigentlichen Lackmaterial zaubert. Eine weitere poetische Note verleihen die leuchtend roten Bremslichter der zurückweichenden Autos, die mit dicken Farbkeilen auf die Leinwand getupft sind. Auch in California Dreamin 'entwirft der Künstler ein sehr intellektuelles Design, in dem ein riesiger Schatten die Front der Szene einnimmt, während eine Reihe von Gebäuden in einem sanften Licht zurückgeht, um einen Blick auf die Träger der Golden Gate Bridge zu werfen. Hier spielt der Künstler mit der Waage der kleinen Straßenbahn, die durch die Gebäudehöhle fährt. Auch hier wird die Architektur des Gemäldes von einer dynamischen Energie durchdrungen, während der Pinsel die Farbe magisch wischt und schleppt, bis sie eine Vielzahl von Illusionen annimmt. Das Glitzern der Straßenbahngleise, die gewichtigen Grautöne des Asphalts, die verwitterten Ziegel der Gebäude und die feuchtigkeitsgefüllten Schleier des Hafens werden durch die Wirkung des Pinsels und die energische Manipulation der Farbe durch den Künstler zum Leben erweckt.

Ich denke, dein Wachs schmilzt 2006, Öl, 7 x 12. Sammlung des Künstlers.

Auster wählt sein Thema ganz danach aus, ob es einen Juckreiz aufweist, der zerkratzt werden muss oder nicht. "Im Allgemeinen mag ich Szenen mit Figuren", sagt er. "Ich mag das menschliche Drama in einer Landschaft oder einem Interieur." Auster glaubt, dass zu viele Künstler damit beginnen, hübsche oder ansprechende Motive zu malen. „Bilder sind viel interessanter, wenn sie hässliche Motive haben, die wunderschön gemalt sind“, sagt er. „Manchmal fahre ich durch eine Stadt und liebe es, an einer roten Ampel anzuhalten und eine Szene zu fotografieren, von der niemand jemals gedacht hätte, dass sie ein Gemälde verdient.“Es überrascht nicht, dass Auster ein großer Bewunderer der Ashcan-Schule ist - von Malern wie z als John Sloane und George Bellows, die lebendige und malerische Bilder des Alltags des Stadtlebens malten. Unter seinen anderen Einflüssen nennt Auster den erfahrenen kalifornischen Maler Dan McCaw, der es auch genießt, üppige Oberflächen in blendende Illusionen zu verwandeln.

Für die Zukunft sagt Auster, dass er viel größer malen wird. "Größer ist wirklich besser", lacht er. „Ein größeres Gemälde hat so viel mehr Autorität und erhält viel mehr Aufmerksamkeit.“Es stellt auch mehr Herausforderungen. "Ich denke, dass fast alles klein arbeiten kann", sagt er. „Wenn man mittelgroß wird, muss man etwas mehr Intellekt einsetzen. Aber wenn man groß wird, muss man wirklich darüber nachdenken. “Als Auster zum ersten Mal einen Meter groß wurde, stellte er überrascht fest, wie viel Bewegung er hin und her laufen musste, um ein gutes Gefühl für das Bild zu bekommen. "Es ist jetzt nicht ganz so schlimm", sagt er. „Ich fange an herauszufinden, wie das Gemälde aus einer Entfernung von 15 Fuß aussieht, auch wenn ich noch in der Nähe bin.“Einer der Vorteile von großen Gemälden ist, dass sie sich nicht so schnell verkaufen. „Sie hängen länger in der Galerie auf“, sagt er, „damit mehr Menschen Zeit haben, sie zu sehen. Und das finde ich toll. “