Eine aktuelle Ausstellung in Stockton, Kalifornien, zeigt, wie Mitglieder der Plein-Air Painters of America (PAPA) ihre Studien vor Ort interpretieren, um größere Studiobilder herzustellen. Wir haben acht der ausstellenden Maler gebeten, ihre Ansätze mit den Lesern amerikanischer Künstler zu teilen. Hier ist, was sie zu sagen hatten.
von Bob Bahr
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| Studie für Kanadas Kuppelgletscher
von Linda Tippetts, 2006, Öl, 12 x 16. Alle Kunstwerke dieses Artikels Sammlung des Künstlers, es sei denn anders angegeben. |
Kanadas Kuppelgletscher
von Linda Tippetts, 2006, Öl, 18 x 24. |
Linda Tippetts
Die Montana-Künstlerin Linda Tippetts malte die Studioversion dieser Komposition kurz nach dem Studium. "Es ist für jeden Menschen anders, aber für mich, wenn ich die Aufregung und Leidenschaft verloren habe, die ich hatte, als ich diese Szene vor Ort auswählte und ich sie nicht wieder einfangen kann, mache ich das Studio-Stück einfach nicht", sagt der Künstler. "Es muss ziemlich unmittelbar sein - ich muss diese Kontinuität vom Feld zum Studio aufrechterhalten, ohne meinen Fokus dazwischen zu unterbrechen."
Obwohl sie zugibt, dass sie ihr Studium ein wenig vorzieht, ist Tippetts aus verschiedenen Gründen motiviert, Studio-Versionen von Outdoor-Szenen zu erstellen, einschließlich der Tatsache, dass ihr gelegentlich das Tageslicht ausgeht, während sie im Freien malt, und eine Studio-Version ermöglicht es ihr, sie aufzunehmen mehr Details. Sie kann auch das Design ändern, wie es die Künstlerin tat, als sie die Form des Gletschers in der Studioversion vergrößerte und änderte. Tippetts veränderte auch sichtbar das Licht in der Studiomalerei - sie war von der Komposition und dem Design fasziniert, als sie vor Ort malte, stellte jedoch fest, dass das Licht am nächsten Tag besser war. Sie filmte die Szene mit einem Camcorder - sie ist der Meinung, dass Video Lichteffekte besser einfängt - und verwendete das Filmmaterial zusammen mit dem Arbeitszimmer, um ihr größeres Studio-Stück zu erstellen. Sie arbeitet auf dem Feld auf Leinwandkarton und spannt im Studio Leinen. Sie verwendet für beide Aufgaben dieselbe vollständige Palette.
Tippetts malte die kanadischen Rockies zum Teil, weil sie die amerikanischen Rockies so sehr liebt. "Da ich in der Nähe der Rocky Mountains in Montana lebe, wollte ich die kanadischen Rocky Mountains erkunden, um ihre Persönlichkeit zu entdecken", sagt sie. „Ich bin in den Bergen geboren und aufgewachsen, und sie liegen mir sehr am Herzen. Wenn Sie die gleiche Szene jedoch zu lange betrachten, sehen Sie keine neue Ansicht. Die kanadischen Rockies zu sehen, gab mir einen neuen Einblick in die Rocky Mountain-Kette. “
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| Studie für Pazifikküste
von Joseph Mendez, 2007, Öl, 12 x 16. |
Pazifikküste
von Joseph Mendez, 2007, Öl, 20 x 24. |
Joseph Mendez
Joseph Mendez verwendet Referenzfotos, um bestimmte Details für seine Studiobilder zu ermitteln, er betrachtet sie jedoch im Allgemeinen als „große Lüge“und sucht in seinem Arbeitszimmer nach Farbnotizen. "Fotos geben Ihnen keine genauen Farben", sagt er. „Das Foto ist kalt.“Wie Tippetts ist es Mendez wichtig, die Studioversion so bald wie möglich nach Abschluss des Studiums zu malen, während er sich noch lebhaft an die Erfahrung erinnert. "Ich mache es innerhalb von ein paar Tagen", sagt er. "Ich muss das machen, sonst verschwindet das Bild."
Mendez malt vor Ort auf Canvas Board oder Masonite und spannt Canvas oder Canvas Board im Studio, wobei für beide dieselbe begrenzte Palette verwendet wird. Vor allem will er das Gefühl des Ortes einfangen. "Es ist mir egal, ob ich einen Stein größer oder kleiner mache - ich werde alles tun, was ich will", sagt er. "Aber das Gefühl des Ortes ist für mich sehr wichtig, das Gefühl des jeweiligen Tages." Die Komposition wird wahrscheinlich von der Studie zur Studioversion wechseln, und Mendez erwartet dies. „Der Größenunterschied zwischen dem Arbeitszimmer und dem Atelierbild zwingt mich zu einer anderen Komposition“, betont er.
Der kalifornische Künstler setzt auch einen ungewöhnlichen Schritt ein, um die Erfahrung und nicht die spezifischen Objekte hervorzuheben: Er arbeitet verkehrt herum an dem Atelierbild. "Auf diese Weise werde ich nicht mein Gehirn benutzen und darüber nachdenken, was die Szene ist - es hindert mich daran, zu denken und Dinge zu rechtfertigen", sagt Mendez. "Ich male nur die Farben, die ich sehe und erinnere."
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| San Gimignano
von John Budicin, 2007, Öl, 7 x 10. |
Die Aussicht
von John Budicin, 2007, Öl, 28 x 40. |
John Budicin
Auf die Frage, was der schwierigste Aspekt beim Malen einer Studio-Version einer Skizze vor Ort ist, stimmt John Budicin mehreren Plein-Air-Künstlern zu: „Der Versuch, die dort vorhandene Frische zu bewahren, ist die größte Herausforderung“, gibt er zu. Der kalifornische Künstler und derzeitige Präsident von PAPA versucht nicht unbedingt, die Studioversion so schnell wie möglich zu malen, nachdem die Studie vor Ort abgeschlossen wurde. „Für mich bedeutet das, dass ich ein bisschen nach dem anderen an der Studio-Version arbeite, damit ich einen bestimmten Bereich nicht überarbeite“, erklärt er. „Ich gehe einfach weg oder arbeite an einem Rahmen - es macht mir Spaß, meinen eigenen zu machen und das Blattgold aufzutragen - und dann gehe ich zurück zum Bild, nachdem ich meinen Verstand geklärt habe.
"Wenn Sie einen Bereich sehen, der nicht funktioniert, ist das ein Warnzeichen", bietet Budicin an. „Wenn Sie einen Baum sehen, der nicht ganz passt, obwohl Sie ihn mehrmals gemalt haben, haben Sie Ihre Frische verloren.“Er warnt auch, dass das größere Gemälde ein Eigenleben haben muss. "Sie können nie duplizieren, was Sie auf dem Kleinen haben", sagt Budicin. „Das Studium hat eine Sprache und das größere Stück muss für sich selbst sprechen. Ich male nur in dem Moment, in dem ich das Studium mache. “
| Lesen Sie mehr über Budicins Plein-Air-Erlebnisse in "On Location in Malibu: Gemälde von CAC-Mitgliedern". |
Der Teil der Toskana, den Budicin in diesem Gemäldepaar darstellt, ist eines seiner Lieblingsgebiete. Die größte Veränderung, die er von der Studie zur Studioversion gemacht hat, ist die Behandlung des Hintergrunds. "Ich habe mehr Details hinzugefügt und es mehr zurücktreten lassen", sagt der Künstler. "Ich habe es mehr interessiert und so gestaltet, dass der Betrachter das Bild im Auge behält. Ich habe versucht, ein kreisförmigeres Muster zu erhalten, um das Auge im Bild zu behalten."
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Brian Stewart
Brian Stewart, ein Maler aus Minnesota, orientiert sich an früheren Meistern wie den Malern der Hudson River School, die aus mehreren Studien größere Studioarbeiten schufen. "Der schwierige Teil ist, alles zu integrieren und glaubwürdig zu machen", sagt er. „Dasselbe Gefühl, dieselbe Lichtquelle, denselben Winkel, dieselbe Entfernung und dieselbe Perspektive zu erhalten - das ist die Schwierigkeit, insbesondere wenn es sich um künstliche Objekte handelt. Dies sind Dinge, mit denen das menschliche Auge in der Regel vertraut ist und die es zu identifizieren gilt. Daher müssen Sie in Ihren Zeichnungen sehr technisch sein. Wenn ich eine Landschaft aus Bergen, Bäumen und Felsen mache, kann es zu einem Zeichenfehler kommen, und niemand wird ihn aufheben. Aber wenn ich ein künstliches Objekt male, muss ich es richtig machen, denn die Leute werden es aufgreifen, egal ob sie geschult oder ungeschult sind. “
Stewart ging dieses zusammengesetzte Bild von Retro-Autoanhängern an, indem er zahlreiche Studien für jeweils etwa zwei Stunden auf 6 "-x-8" -Baumwolltuchplatten malte. „Die erste Studie, der Trailer Park in Bisbee, Arizona, bestimmte die Gesamttonalität“, sagt er. „Ich habe versucht, alles zusammenhängend zu machen.“Er malte das Auto separat und passte die Farbtemperatur aus dem Arbeitszimmer an, als er das Studioobjekt malte. Die Personen in der Komposition wurden nach Fotografien gemalt, die er später im Winter in Tracht im Haus inszenierte. Der Trailer, auf den sich das Studio konzentriert, wurde in einer anderen Wohnwagensiedlung gemalt.
„Ich versuche, Farbe, Werte und das allgemeine Lichtgefühl in Studien festzuhalten“, sagt der Künstler. „Ich konzentriere mich nicht so sehr auf das Zeichnen - ich versuche, die Zeichnung genau zu machen, aber ich kann mich auf Referenzfotos verlassen, um die Genauigkeit des größeren Teils zu gewährleisten, wenn ich dies benötige. Ich versuche immer noch, Kunst zu schaffen - ich versuche nicht, eine Dokumentation zu machen. “Stattdessen versucht er, ein Gefühl der Nostalgie hervorzurufen, und kann sich mit Details in den Beschilderungen, Gebäuden und ähnlichen Elementen in der Peripherie Freiheiten erlauben des Gemäldes.
Er malt zunächst mit wenigen Linien. „Ich zeichne immer, während ich das Bild fertig stelle“, sagt Stewart. „Ich vervollständige die Zeichnung, während ich male. Wenn ich zu Beginn eine Zeichnung zu kostbar mache, könnte ich damit verheiratet werden und Angst haben, davon abzuweichen. “Als Nächstes erstellt Stewart normalerweise eine Zwischenzeichnung, eine Kohlezeichnung auf Ingres Papier mit weißer Kreide, um eine Zeichnung zu erstellen Probleme. Anschließend fügt er ein Raster über der Zeichnung und auf der Leinwand ein, damit er die Informationen genau übertragen kann.
„Ich bin normalerweise nicht in der Lage, größere Atelierbilder sofort zu malen, aber je früher ich fertig male, desto erfolgreicher ist es“, sagt er. „Das Gefühl bleibt anfangs bei mir, aber es scheint sich mit der Zeit aufzulösen. Und bei einem Gemälde ist es wichtiger, wie es sich anfühlt als wie es funktioniert. “Für den Trailer Park malte Stewart zuerst den Trailer Park, der als Kulisse dient, und eine Woche später den primären Trailer. Fünf Monate später fand er das Auto, um es zu ziehen. Ein halbes Jahr später konnte er mit dem Ateliermalen beginnen, für dessen Ausführung er eineinhalb Wochen benötigte.
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| Studie für Herbstreben im Tal
von Gil Dellinger, 2006, Acryl, 8 x 10. |
Herbstreben im Tal
von Gil Dellinger, 2006, Acryl, 36 x 48. |
Gil Dellinger
„In der Studio-Version habe ich das dynamische Licht etwas heruntergespielt, um dem Bild mehr Einheitlichkeit zu verleihen“, sagt Gil Dellinger über dieses Paar Acrylstücke. „Es gab eine Kühnheit, die im kleinen Maßstab wirklich charmant war, aber auf einem großen Gemälde wäre sie zu knallig und irgendwie unharmonisch gewesen. Ich habe die Farben ein wenig geändert und die Form der Straße. Ich habe das im Atelier ausprobiert und festgestellt, dass es mir gefällt. Also bin ich der neuen Idee gefolgt und habe sie sich verwandeln lassen. “
Dellinger sagt, wenn er vor Ort ist, vergisst er fast das Design, weil er so darauf bedacht ist, den Sinn des Ortes einzufangen. "Ich arbeite, indem ich das Ambiente eines Ortes fühle", sagt er. „Sogar ein Geruch - vielleicht bringe ich Pflanzenmaterialien aus der Gegend ins Studio. Es ist ein Teil der Erfahrung. Ein Geruch ist etwas, das einige Gehirnfunktionen umgeht und Sie zu einer Erinnerung zurückführt. Man kann etwas riechen und vor 20 Jahren zurück sein.
„Normalerweise muss ich einen Bereich erst malen, nachdem ich ihn erlebt habe“, sagt Dellinger. „Ein Jahr später bin ich zu emotional losgelöst von den ersten Erfahrungen. Es ist sehr schwer, sich daran zu erinnern. “
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| Studie für Winterfarben
von Scott Burdick, 2007, Öl, 6 x 8. |
Winterfarben
von Scott Burdick, 2007, Öl, 18 x 24. |
Scott Burdick
Der Unterschied zwischen Scott Burdicks Studie für ein Gemälde von Yosemite im Januar und dem von derselben Szene inspirierten Ateliergemälde ist wohl das dramatischste der in der PAPA-Show gezeigten Paare. Das Format hat sich nicht nur von horizontal zu vertikal geändert, sondern ein Gemälde, das sich auf die gelben Hügel im Hintergrund zu konzentrieren scheint, ist zu einem Stück mutiert, das das Spiel des gelben Lichts auf dem Bach und den kühlen, schneebedeckten Felsen betont.
„Schon während ich das Arbeitszimmer malte, dachte ich darüber nach, es vertikal zu machen“, erklärt er. „Ich freue mich auf die Szene, die ich malen werde, und ich möchte einfach sofort loslegen. Aber ich schaue mich immer um und sehe andere Dinge, die sich gut malen lassen. Und die Dinge ändern sich mit der Zeit. In diesem Fall spiegelte sich das Licht wirklich erst lange nach meinem Start auf dem Wasser. Dann begann das Gelb in den Hügeln zu reflektieren und ich war überwältigt und machte einige Fotos - ich wusste, dass ich eine Vertikale machen wollte. Das kommt oft vor - Sie fangen an und sehen plötzlich andere Möglichkeiten, bessere Möglichkeiten. Aber wenn ich nicht studiert hätte, wäre ich nicht lange genug dort geblieben, um diese Veränderung im Licht zu sehen. “
Burdick verbringt ungefähr drei Stunden damit, sein Studium zu malen, und er betrachtet es als wichtige Aufzeichnung der Farben in der Szene und vielleicht ebenso wichtig als drei Stunden intensiver Beobachtung des Themas. Er macht auch Referenzfotos, um die Details sowohl in den sehr hellen als auch in den sehr dunklen Bereichen zu erfassen. Der Künstler aus North Carolina findet Studiomalereien befriedigend, weil sie es ihm ermöglichen, eine neue Herangehensweise an das Thema zu erforschen und eine Pause von zu Hause zu machen. Aber das Malen im Freien ist für Burdick eindeutig ein Highlight.
"Malen im Freien macht Spaß, wenn man Künstler ist", sagt Burdick. „Ausgehen und erkunden, den Ort kennenlernen - Sie sehen, wie sich die Sonne ändert, wie sich das Licht an einem bestimmten Ort unterscheidet. Auch wenn diese Gemälde nicht von den Sammlern verschickt und gekauft werden, sind die Studien für die Künstler der wahre Spaß. Aber Sie betrügen sich selbst, wenn Sie nur lernen. Die großen Künstler haben alle studiert, aber sie sind bekannt für ihre großen, unglaublichen Meisterwerke im Studio, die nur aufgrund ihres Studiums möglich waren. “
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| Studie für Union Square
in der Powell Street von Ken Auster, 2006, Öl, 12 x 16. |
Union Square in der Powell Street
von Ken Auster, 2006, Öl, 75 x 96. |
Ken Auster
Ein Ken Auster-Ateliergemälde ist wahrscheinlich 600 Prozent größer als sein Arbeitszimmer, weshalb seine Ziele sich ein wenig von denen einiger Freilichtmaler unterscheiden. „Die Studie dient nur dazu, meine Gedanken zu ordnen und so schnell wie möglich etwas festzulegen“, sagt der kalifornische Künstler. "Ich möchte sehen, ob es in einem größeren Format funktioniert."
| Lesen Sie mehr über Austers Freilufttechnik in "Schwere Farbe, große Pinsel und keine Aufräumarbeiten: Die Gemälde von Ken Auster". |
Bei seinen 12 "-x-16" -Studien verwendet er einen großen Pinsel, "damit er weniger Zeit für das Malen benötigt." In 90 Minuten erledigt er eine Studie. Oft werden die Grundlagen in den ersten 30 Minuten vermittelt. Anschließend geht er an einen weniger auffälligen Ort, um die Studie weiterzuentwickeln. Anhand von Referenzfotos fügt er später im Studio ein paar wenige Details zum Arbeitszimmer hinzu. Dann wird er Bewertungen vornehmen.
„Ich mache eine Vielzahl kleinerer Bilder und schaue sie mir lange an, bevor ich mich entscheide, welches ein gutes großes Bild sein soll“, erklärt er. „Sie müssen bestimmen, ob das Gemälde in einem großen Format funktioniert. Je stärker das Thema oder der Schwerpunkt eines kleinen Gemäldes ist, desto erfolgreicher wird das größere Gemälde. In einem 6 "-x-8" -Format können Sie fast alles machen, und es wird funktionieren - weil Sie nicht versuchen werden, alle Informationen in ein kleines Gemälde einzugeben. Sie sind gezwungen, sich an die Regeln für gutes Design zu halten und sich dagegen zu wehren, sie mit einem Haufen Müll zu füllen. Ein gutes Bild hängt davon ab, was Sie weglassen. “
Der nächste Schritt für Auster ist das Blockieren des großen Gemäldes in seinem Atelier. Er sagt, dass diese Phase, in der das Design festgelegt wird, in einer Sitzung durchgeführt werden muss - in der Regel führt er diese „Grundierung“an einem Nachmittag durch, zieht Handschuhe an und trägt die Farbe mit den Händen auf. „Es ist ein schneller Prozess. du musst arbeiten, solange es nass ist “, sagt er. „Und es ist körperliche Bewegung; Man muss schnell viel Farbe aufbringen. “Auster ist der Meinung, dass es für ihn fast unmöglich ist, das Gemälde später während der Verfeinerungen zu ruinieren, wenn dieses Fundament korrekt ist. Nur viel Arbeit und ein großer Pinsel könnten die Komposition und das Design sabotieren.
Der Künstler verbringt dann einige Wochen damit, kleine Bereiche des Gemäldes zu entwickeln und den Schwerpunkt zu setzen. Er vermeidet zu viele Details. "Nichts wird einem großen Gemälde mehr schaden als zu viele Informationen", behauptet Auster. „Sie brauchen einen Quadratfuß an wirklich interessanten Informationen, und der Rest sollte abstrakt sein. Sie haben nicht das Gefühl, dass Sie mehr Dinge hineinstecken müssen, nur weil es mehr Platz gibt. Sie müssen diesen Gedanken zügeln und den Fokus behalten.
„Bei kleineren Stücken kann man mit Dingen wie einem riesigen Stück Rot davonkommen, aber bei einem großen Gemälde wäre es so dominierend, dass man nicht aufhören könnte, es zu betrachten“, erklärt er. "In einem größeren Stück erhalten Sie möglicherweise viel subtilere Informationen als in einem kleineren, aber Sie werden nicht mehr Details erhalten."
Auster verleiht seinen größeren Gemälden deutlich mehr Tiefe und achtet darauf, dass seine Farben etwas subtiler sind. "In einer Studie könnte ich die Landschaft in drei Ebenen unterteilen - Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund - und es wird große Wertveränderungen zwischen ihnen geben", sagt er. "In einem Studio-Stück kann ich sechs oder sieben Schichten einfügen - ich kann den Briefumschlag verschieben, während der gesamte Wertebereich erhalten bleibt."
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| Studie für die letzten Blätter des Herbstes
von Jim Morgan, 2007, Öl, 8 x 10. |
Die letzten Blätter des Herbstes
von Jim Morgan, 2007, Öl, 24 x 36. |
Jim Morgan
Jim Morgans Studie eines Ahornbaums im Spätherbst wurde tatsächlich im Studio durchgeführt, wie auch die meisten seiner Studien. Er fertigt vor Ort sehr grobe, einfache Skizzen an und bearbeitet dann zu Hause ein kleines Arbeitszimmer, bevor er zu einem größeren, fertigeren Stück übergeht. „Diese Studie basierte auf einigen Skizzen von Hühnerkratzern vor Ort“, sagt der Künstler aus Utah. „Ich mache das, um zu sehen, wie die Komposition funktionieren wird, bevor ich die größere mache. Diese ersten Thumbnails geben mir die Essenz des Themas und die Bewegung der Linie. “Morgan verwendet auch Referenzfotos, bezieht sich jedoch nur flüchtig auf diese und bevorzugt Erinnerungen und Intuition.
Der kleine Junco im Atelierbild war von Anfang an geplant, aber Morgan ließ den Vogel aus dem Arbeitszimmer, weil er zunächst sicherstellen wollte, dass die Komposition ohne ihn stark genug wäre.
Über PAPA
Die Plein-Air Painters of American (PAPA) wurde 1986 von Denise Burns auf Catalina Island vor der kalifornischen Küste gegründet. Die Idee war, 20 Künstler mit der Hand zu pflücken, sie eine Woche lang auf der Insel malen zu lassen und dann ihre Werke zu zeigen arbeiten in einem Verkauf am Samstagabend und Sonntagmorgen. Dieses Format erwies sich als sehr erfolgreich und für die nächsten 18 Jahre malte und stellte die Gruppe auf Catalina aus, gefolgt von zwei Jahren in der Region Lake Tahoe. Die Organisation beschränkt weiterhin ihre Mitgliederzahl, und das Ziel bleibt dasselbe: „Ort und Zeit zu dokumentieren und auf kleine und große Sehenswürdigkeiten aufmerksam zu machen“, so die PAPA-Website. Jährliche Workshops gehören seit kurzem ebenfalls zu ihren Aktivitäten.
