Die Künstler der Ashcan School, die für ihre rohen Darstellungen des städtischen Lebens bekannt sind, teilten einen Hintergrund in der Illustration von Zeitungen und Zeitschriften, der ihre Zeichen- und Malstile prägte.
von Edith Zimmerman
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| Weit weg von der Frischluftfarm
von William Glackens, 1911, Gouache und Buntstift auf Papier, 24½ x 16½. Sammlung des Kunstmuseums, Fort Lauderdale, Fort Lauderdale, Florida. |
Zu Beginn des 20. Jahrhunderts boomten Städte in ganz Amerika. Der Zustrom von Einwanderern, der rasche technologische Fortschritt und die sich wandelnde soziale Schichtung hatten den Weg für die Entstehung eines dramatisch anderen Landes geebnet, das New York in vielerlei Hinsicht verkörperte. Eine Gruppe von Künstlern erlangte in dieser Zeit Berühmtheit, indem sie sich von der neuen Ästhetik des sich entwickelnden Gesichts Amerikas inspirieren ließ, insbesondere von der Urbanisierung, die bis dahin in der Kunstwelt weitgehend unsichtbar war. Zum größten Teil ersetzten diese Künstler vornehmer Porträts und Darstellungen von aristokratischen Unternehmungen durch intime Illuminationen der Zahnräder, die die Stadt drehten - die kiesigen oder leise zarten Arbeiten des Alltags; Stadtbewohner kämpfen, um zu gedeihen; und Schmutz, Müll und flüchtige Momente der Freude.
Was ist in einem Namen?
Die Künstler, die diese Periode der amerikanischen Kunst am meisten definierten, waren sowohl als The Eight als auch als The Ashcan School bekannt. Die Acht ist ein historischer Begriff, der sich auf eine bestimmte Ausstellung in den Macbeth Galleries in New York City bezieht, in der die Werke von Robert Henri (1865–1929), George Luks (1866–1933) und William Glackens (1870–1938) ausgestellt wurden. John Sloan (1871–1951), Everett Shinn (1876–1953), Maurice Prendergast (1858–1924), Ernest Lawson (1873–1939) und Arthur Bowen Davies (1862–1928). Die Show mit dem Titel „Eight American Painters“sollte eine Reihe neuer Stile zeigen. Ziel war es, in der Kunstwelt Zeichen zu setzen, indem gezeigt wird, dass Künstler ihre eigenen Ausstellungen zusammenstellen können, anstatt ausschließlich von Kuratoren oder Kunstsammlern organisiert zu werden. "Die Macbeth Galleries vermarkteten amerikanische Kunst zu einer Zeit, als es nur wenige Galerien gab", erklärt Rebecca Zurier, die Autorin von "Picturing the City: Urban Vision" und "Ashcan School" (University of California Press, Berkeley, Kalifornien). „Diese Künstler haben sich als ein Hauch frischer Luft in der Kunstwelt beworben. Am Ende hatten sie den Namen "The Eight", weil ein schlauer Kunstkritiker sie so nannte, in Anlehnung an "The Ten", eine frühere Gruppe von Künstlern, die Arbeiten ausführten, die als ziemlich vornehm galten. Der Name blieb erhalten, und der Begriff ‚Revolutionär 'wurde bald auch an sie geknüpft.“Die Marke der Gruppe mit einem Namen reagierte jedoch weniger auf die Ähnlichkeiten der Künstler als vielmehr auf den Versuch, Presse zu generieren. "Der meiste Hype zu dieser Zeit", sagt Zurier, "zielte darauf ab, die Leute dazu zu bringen, Zeitungen zu kaufen." Die Medien - einschließlich der Kunstpresse - waren im Aufruhr des gelben Journalismus und haben alles in Schlagzeilen gepustet, um Leserschaft zu generieren. “Künstler und Kunstkritiker wollten diese Manie natürlich auch nutzen, um das Interesse auf ihrem Gebiet zu fördern häufig übertriebene Aussagen, um Aufmerksamkeit zu erregen.
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| Die Frauenseite
von John Sloan, 1905–1906, Radierung, 4½ x 6½. Sammlung Detroit Institut für Künste, Detroit, Michigan. |
„Die Leute mögen es, Namen zu haben, an denen sie Ideen festhalten können“, fährt Zurier fort, „aber Begriffe wie The Eight und Ashcan School sind nicht so wichtig. Der Begriff Ashcan zum Beispiel tauchte später in den 1930er Jahren auf, als Kunstgeschichte geschrieben wurde und Historiker Wurzeln schlagen wollten, warum Kunst in den 1930er Jahren so aussah, wie sie aussah. Künstler der 1930er Jahre wie Reginald Marsh (1898–1954) und Edward Hopper (1882–1967) hatten mit Künstlern aus The Eight studiert, und Kunsthistoriker wollten die Punkte verbinden. Es ist nicht klar, wann genau der Begriff Ashcan entstand, aber es ist durchaus möglich, dass die Macbeth Galleries den Begriff erfanden, als sie eine Retrospektive des Werks aus dieser Zeit organisierten. Obwohl es ein beliebter Mythos ist, wurde der Begriff nicht verwendet, da alle Gemälde Bilder von Aschenkanistern enthielten - die heute als Mülleimer bekannt wären. Die Künstler der Ashcan School, die es in den 1930er Jahren noch gab, lehnten den Begriff eigentlich ab. Es hat sich jedoch im Allgemeinen in der kunsthistorischen Welt festgefahren. “
Der gemeinsame Faden
Ihre Verbindung - oder deren Fehlen - mit traditioneller bildender Kunst sowie ihre Erfahrungen mit dem Zeichnen unterschieden die Künstler der Ashcan School von ihren Kollegen im In- und Ausland. Keiner der Künstler hatte eine formelle Kunstausbildung und fast alle stammten aus Zeitungen und Illustrationsbetrieben. Die beiden Ausnahmen waren Robert Henri, der offiziell ausgebildet wurde und Mentor für viele von The Eight wurde, und George Bellows (1882–1925), der eine akademische Ausbildung erhielt, aber auch als Zeitungsillustrator arbeitete.
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| Alter Billardspieler
von George Bellows, 1921, Lithographie. |
„Das Zeichnen war wichtig für ihre Ausbildung als Künstler und für die Art und Weise, wie sie die von ihnen gemachte Kunst verstanden“, erklärt Zurier. „Gemälde, Radierungen, Lithographien - all ihre Kunst wurde durch ihre Gründung in der Zeichnung geformt. Sie kamen nicht unbedingt von der Kunstschule zum Zeichnen, sondern von Hintergründen mit Zeitungskarikaturen und Illustrationen. Unter den vier Hauptkünstlern - den Philadelphia-Künstlern: Glackens, Luks, Sloan und Shinn - besuchte keiner zuerst die Kunstschule und keiner stammte aus sozialen Verhältnissen, die erwarteten, dass es sich bei ihnen um bildende Künstler handelte. Die Tatsache, dass sie zeichnen konnten, brachte ihnen eine Anstellung und einen Gehaltsscheck ein. Shinn zum Beispiel arbeitete in einer Lampenfabrik, und sie alle landeten in Zeitungen. Ihre Arbeit war sicherlich Kunst, aber sie war in keiner Weise auf bildende Kunst ausgerichtet. “
Aufgrund ihrer Geschichte in Zeitschriften, in denen Skizziertechniken als Beruf geschätzt wurden, entwickelten viele der Ashcan-Künstler einzigartige Vorstellungen von der Rolle des Zeichnens. Während akademisch ausgebildete bildende Künstler das Zeichnen und Skizzieren eher als Grundlage für vertiefende Ölgemälde betrachteten, schätzten die Künstler der Ashcan School Skizzen als abgeschlossene Werke, die eigenständig sein mussten, wie es die Künstler in ihrem früheren Handwerk taten mussten.
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| Selbstporträt
von George Luks, 1893, Graphit. Sammlung des Hirshhorn Museums und Skulpturengarten im Smithsonian American Art Museum Früher Washington, D. C. |
Status der Skizze
Wo sich für die Ashcan-Künstler die Welten der bildenden Kunst und Illustration überschnitten, war das Konzept der Skizze. „Henri, der aus der bildenden Kunst stammt, hat die eigenständige Bedeutung der Skizze erkannt“, sagt Zurier. „Er erfuhr, dass die Skizze etwas Authentisches über den Künstler offenbart, dass es weniger ausgearbeitet ist als aufwändige Kunst und dass das einen angeborenen Wert hat. Die anderen Künstler lernten gleichzeitig den Wert der Skizze aus ihrer Arbeit in Zeitungen, wo sie schnell arbeiten mussten. Es änderte sich auch, was die damaligen Leute von einer Zeichnung erwarteten. Die Öffentlichkeit begann, das skizzenhafte Aussehen von Illustrationen in Magazinen dem steiferen Aussehen der Holzstiche vorzuziehen, die zum Beispiel während des Bürgerkriegs populär waren. Die 1890er Jahre waren eine Periode in Zeitschriften, die dem Leser eine lockerere, aktuellere Linie verlieh, die oft unvollständig war und ein Gefühl der Frische bewahrte. “
Die sich zu dieser Zeit verbessernde Technologie ermöglichte auch diese Ästhetik, indem sie es Künstlern ermöglichte, gezeichnete Werke nachzudrucken, anstatt ihre illustrative Produktion auf Holzschnitte und Gravuren zu beschränken. Die damalige Leserschaft lernte daher, die Skizze auch aus pragmatischen Gründen zu schätzen - sie erkannte, dass sie nun Zugang zu ehrlicheren Augenzeugenberichten hatten, die immer persönlicher und unmittelbarer wurden. In dieser Zeit, als Zeitungsillustratoren das Gesicht von Zeitschriften veränderten, gründete Robert Henri einen Zeichenclub für seine Freunde. Dieser Club - der so genannte Charcoal Club - wurde zum Kunstkatalysator für viele der Ashcan-Künstler. „Als diese Nachrichtenillustratoren Henri zu informellen Sitzungen des Charcoal Club trafen, ermutigte er sie, das künstlerische Potenzial in dem zu sehen, was sie jeden Tag sahen“, sagt Zurier. „Ihre Pressehintergründe gaben den Künstlern eine besondere Bedeutung für die Bedeutung des Zeichnens und charakterisierten ihre Arbeit durch seine Skizzierbarkeit.“Es war die Qualität loser, unvollständiger Linien, die den Eindruck von Spontaneität und Ehrlichkeit erweckte, der sich schließlich auswirkte ihre spätere Arbeit als bildende Künstler.
Humor
Obwohl einige von den Künstlern der Ashcan School gemalte Ölgemälde Aspekte des Humors enthalten, besitzen die meisten der ikonischeren Ashcan-Bilder eine Dunkelheit, die darauf abzielt, die Realitäten der Arbeiter zu reflektieren. Ihre Zeichnungen enthalten jedoch mehr Comedy und Karikaturen, die sowohl für das Medium charakteristisch als auch für die Denkweisen der Künstler bezeichnend sind.
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| Anne
von George Bellows, 1924, Lithographie. Die ältere Tochter des Künstlers. |
„Die Ashcan-Künstler schätzten den Effekt der Spontaneität“, sagt Zurier, „und sie haben diesen Effekt in ihre Bilder übernommen. Dies versuchen auch Sloans Radierungen [wie Girls Sliding] und Bellows 'Fotos. Von Henri haben sie gelernt, wie wichtig Berührung und direkte Begegnung sind - man sollte den Eindruck erwecken, schnell gearbeitet zu haben, damit die Kunst nicht mühsam aussieht, sondern ehrlich und direkt wirkt. “
Humor manifestierte sich in ihrer Arbeit auf verschiedene Weise. "Ein Teil davon war eine soziale Sache", fährt Zurier fort. „Es gab unterschiedliche Erwartungen für verschiedene Arten von Kunst. Das Malen galt als ernster und kostspieliger, während Zeichnungen in Verbindung mit Illustrationen und Cartoons für humorvolle Geschichten und Artikel angefertigt wurden. Es war die Erwartung des Mediums. “[Zum Beispiel Bellows 'Business-Men's Class, YMCA] Dieser Humor übertrug sich auch auf ihr persönliches Leben. "In Sloans und Henrys Briefen scherzten sie ziemlich viel [wie in der Postkarte von Sloan an Shinn mit dem beiläufigen Titel Henri und Seine 8 dargestellt]", sagt Zurier. „Sloan mochte vor allem Wortspiele. Es gab oft lustige Zeichnungen in den Ecken ihrer Briefe. Aber überträgt es sich auf die Bilder? Selten. Sie hatten eine hohe Vorstellung davon, was ihre Bilder waren und sein sollten, ebenso wie die Zuschauer und die Käufer. Sie alle teilten eine gehobene Vorstellung von Gemälden, die ihrer Meinung nach weniger spezifisch und zeitloser sein sollten. “
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| Frau und Kind
von George Luks, Graphit, 8 x 5. Sammlung University of Michigan Kunstmuseum, Ann Arbor, Michigan. |
Für Sloan ging es weniger um die Einbeziehung von Humor als vielmehr darum, sein politisches Engagement zu demonstrieren. „Sloan dachte, Kunst sollte sich mit Politik befassen, und Politik mit Kunst“, erklärt Zurier. „Er glaubte, dass Bilder die Aufmerksamkeit auf die heutige Ungerechtigkeit lenken sollten. Er hat sich überlegt, welcher Kunst er sich politisch widmen würde und welche Kunst er machte, das war anders. Seine Arbeit hatte oft eine satirische Seite. Seine Bilder von Arbeitern waren immer sehr sympathisch, was seiner Politik entsprach. Er versuchte jedoch, zwischen politischen Bereichen und dem, was er in seinen Gemälden tat, zu unterscheiden.
"In Bellows 'Arbeit spielt der Humor eine etwas andere Rolle", fährt Zurier fort. „Es ist nicht gerade Humor, aber es ist definitiv eine Karikatur. In vielen seiner Darstellungen der Unterschicht steckt ein groteskes Element. Patty Flannagan (nicht abgebildet) und seine berühmten Boxbilder sind gute Beispiele für die volle Wirkung. Im großen Maßstab eines viszeralen Ölgemäldes werden die Elemente der Gesichtskarikatur lebendig und verstörend. Es ist klar, dass er nicht versucht, naturalistische Kunst zu machen. Wenn man sich das naturalistische Schreiben dieser Zeit ansieht, gibt es viele groteske Schriftsteller, die die Dinge auf den Punkt bringen und Gewalt und Erniedrigung zeigen - Bellows scheint eine ähnliche Idee gehabt zu haben. In seinem Bestreben, realistisch zu sein, fühlte er sich gezwungen, hässliche Wahrheiten zu zeigen und zu übertreiben. Es bewegt die Bilder und macht starke Bilder. In seiner Arbeit gab es oft Klassenunterschiede, und es waren normalerweise Angehörige der Unterschicht, die grotesk wirkten, während die meisten seiner Oberschichtfächer elegant aussahen. In seinen rohen Werken gibt es sowohl Elemente der Anziehung als auch der Abstoßung. Darauf spielt er, um seinen Zuschauern zu zeigen, dass er in seiner Darstellung der Welt unerschütterlich ist. Aber auch in seiner Arbeit steckt ein gewisser körperlicher Reiz. Beide Aspekte lassen sich auf die Karikatur zurückführen. “
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| Business-Männer-Klasse, YMCA
von George Bellows, 1916, Lithographie. |
Henrys Einfluss
Robert Henri war informeller Mentor der Künstler aus Philadelphia und formeller Instruktor von George Bellows. Sein Hintergrund war ungewöhnlich: Er kam aus dem Westen, sprach angeblich mit südländischem Akzent und hatte einen Vater, der ein professioneller Spieler und Immobiliensucher war und einen Mann wegen eines Finanzstreits erschoss. Nach der Schießerei verließ seine Familie die Stadt und änderte ihren Nachnamen. Sie kamen nach Osten, ließen sich in Atlantic City nieder und von dort aus besuchte Henri die Kunstschule in Philadelphia. Danach verbrachte er einige Zeit in Europa, wo er die École des Beaux-Arts in Paris besuchte. Er kehrte schließlich nach Philadelphia zurück und unterrichtete an einer Kunstschule für Frauen. In der Zwischenzeit waren vier weitere Künstler, von denen sich die meisten durch ihre Arbeit in Zeitungen kannten, aus Kleinstädten in der Umgebung nach Philadelphia gezogen. Einige von ihnen besuchten Kurse an der Pennsylvania Academy of the Fine Arts, arbeiteten aber tagsüber weiter bei Zeitungen. Diese Künstler - Glackens, Luks, Sloan und Shinn - trafen Henri auf einer Party. Sie verstanden sich gut, und nach kurzer Zeit erklärte sich Henri bereit, einen Sketchclub zu coachen, für den er ihre Arbeit kritisierte und ihnen half, Models einzustellen. Diese Gruppe - der bereits erwähnte Charcoal Club - wurde ebenfalls zu einem gesellschaftlichen Ereignis. Sie trafen sich einmal in der Woche im Studio, wo Henri den jüngeren Künstlern verschiedene Themen erläuterte, darunter auch das, was er las. "Henri hat viel gelesen", sagt Zurier. „Emerson, Anarchisten, Arbeitsnachrichten, Fiktion - er glaubte, Kunst sollte eine Berufung sein, und er versuchte, seine Freunde, die in den Zeitungen arbeiteten, zu inspirieren, Kunst als mehr als einen Job zu betrachten - als Keim einer neuen Art Kunst, die mit der großen Kunst der Vergangenheit in Einklang stehen könnte, aber auch das Potenzial hat, eine große neue amerikanische Kunst zu werden. “Henri zog schließlich nach New York City, wo er einen Lehrauftrag erhielt. Nacheinander folgten die Mitglieder des Charcoal Clubs. Sie kamen in erster Linie, um bei Zeitschriften zu arbeiten, die mehr als Zeitungen bezahlten, oder bei renommierteren Zeitungen. Sie wussten auch, dass sie Teil einer größeren Kunstwelt in New York City sein könnten. Bellows, der etwas jünger war als die anderen, hatte an der Ohio State University in Columbus studiert. Obwohl seine Familie hoffte, er würde ein Architekt sein, war er ein Semipro-Baseballspieler und für das College-Jahrbuch gezeichnet. Einer seiner Kunstprofessoren im US-Bundesstaat Ohio schlug vor, dass Bellows in New York Kunst studieren sollte, und seine Familie schickte ihn in die Stadt, wo er schließlich bei Henri studierte. "Es dauerte nicht lange", erklärt Zurier, "sie hatten eine sehr enge Beziehung. Henri lud Bellows zu einer Ausstellung mit anderen Künstlern ein, die er damals unterstützte, und bat Bellows kurz darauf, sein Assistent zu sein. “
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| Mädchen schieben
von John Sloan, 1915, Radierung, 4¼ x 5. Im Jahr 1945 schrieb Sloan über dieses Bild: „Glückliche, gesunde Mädchen beim Putten auf einer Bodenshow für anerkennende Penner auf dem Washington Square. Es gibt Einige Schlachten in diesen Dingen, aber sie sind ziemlich gut beseitigt. " |
In New York City trafen sich die Künstler aus Philadelphia weiterhin, und Henri spielte weiterhin eine wichtige Rolle in ihrer Arbeit, als sie den Übergang von der Illustration zur bildenden Kunst vollzogen.
Verbindung nach New York City
Obwohl viele seiner Künstler anderswo Wurzeln hatten, war die Ashcan-Bewegung tief und untrennbar mit New York City verbunden. Die Stadt verkörperte die Urbanisierung Amerikas, die die Mentalität der Künstler beeinflusste und ihre revolutionärste Arbeit anregte. Ölbilder in Originalgröße vom Unterbauch des städtischen Lebens waren in Amerika weitgehend unbekannt, bevor die Ashcan-Künstler begannen, die nähere Seite der Gesellschaft und der Stadt zu untersuchen. „In dieser Zeit haben sich Künstler auf der ganzen Welt für Städte wie Tokio, Paris und London interessiert und Kunst daraus gemacht, was die Künstler der Ashcan zu einem weltweiten Trend gemacht hat“, sagt Zurier. „Oft haben die Leute entweder illustrierte Zeitungen und Zeitschriften gelesen oder zu ihnen oder zu beiden beigetragen. Dort gibt es einen Zusammenhang, der über diese Künstler und New York hinausgeht - ein Trend, der sich zumindest ab der Mitte des 19. Jahrhunderts auf die nächsten 100 Jahre erstreckt. Künstler strömen in die Städte - dort ist die Arbeit, die Gemeinschaft, die Tagesjobs und die Presse -, damit sie berühmt werden können. “
Wichtige Kunstkritiker wie die New York Times und andere Zeitungen und Magazine waren ebenso in der Stadt angesiedelt wie namhafte Kritiker, die ebenfalls eine bedeutende Rolle bei der Verlockung der Künstler in die Stadt spielten. "Streben nach Geistern aus allen kleinen Städten sehnen sich nach New York City", sagt Zurier. „Teilweise ist es Geschwindigkeit: Gebäude werden abgerissen, Unternehmen werden aufgelöst, Unternehmen werden aufgelöst, andere öffnen sich. Der Weg der Künstler, Geschwindigkeit zu erfassen, bestand nicht darin, eine futuristische und fragmentarische Form zu haben, sondern diese skizzenhafte Linie zu verwenden und festzuhalten, was zu einer bestimmten Zeit an einer bestimmten Straßenecke passierte. Dieser skizzenhafte Stil ermöglichte es ihnen, nicht nur über den sich verändernden Aspekt zu meditieren, sondern auch ein bisschen vom Anfang der Stadt zu schnappen. Es ist also nicht nur eine Sammlung von zufälligen Momenten, die sich dem Verständnis entziehen, wie es bestimmte abstrakte Kunst getan hat. Auf der anderen Seite ist es nicht so detailliert und erzählend, wie es die viktorianische Kunst so oft war. Ashcan-Kunst glich in vielerlei Hinsicht Nachrichtenartikeln - sie war kurzlebig, aber sie versuchte, die Ideen für die Betrachter über die generische Konstruktion hinaus zu formen. “Viele der Bilder aus dieser Zeit veranschaulichen diese Faszination für die Stadt, wie Sloans Girls Sliding und Night Windows.
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| Ausgezählt, Nr. 2
von George Bellows, 1921, Lithographie. |
Die soziale Dynamik der Stadt erfuhr ebenfalls eine dramatische Umgestaltung, als täglich Tausende von Einwanderern aus aller Welt nach New York strömten. "Es gab eine enorme soziale Kombination, als Einwanderergruppen hereinkamen - und nicht nur in ghettoisierten Gegenden von Lower Manhattan", erklärt Zurier. „Die Kinder von Einwanderern wurden zu New Yorkern und machten sich auf den Weg in die Unterhaltungs- und Modebranche und trafen auf ältere Familien. Die Künstler von Ashcan waren daran interessiert. Die urbane Visualität hat sie sehr interessiert - die Art und Weise, wie die Menschen sich gegenseitig in einer Stadt ansehen. Die Leute starren sich an und wissen, dass sie der Reihe nach angestarrt werden. Sie sehen gut aus, sie sehen stilvoll aus, wie man es in anderen Städten nicht findet, und das geht auf der sozialen Leiter auf und ab. Die Künstler reagierten darauf - Frauen in allen Klassen gingen zum Beispiel in modischen Outfits aus, und es gab Protest dagegen. Für viele war es unangebracht, dass Frauen sich zur Schau stellten - aber es wurde in der Popkultur, in Filmen und Liedern aufgegriffen. Der visuelle Flirt der Stadt bot Künstlern ein großartiges Umfeld. Es verewigte die Kultur des Schauens. Sozialreformagenturen legten ebenso großen Wert auf visuelle Präsentation wie Architekturbüros und andere ästhetisch denkende Organisationen. Es war ein urbanes Phänomen, auf das Künstler besonders reagierten. “Dieses Thema ist in Sloans Fifth Avenue Critics erkennbar.
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| Nachtfenster
von John Sloan, 1910, Radierung, 5¼ x 7. Sammlung Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, Pennsylvania. |
Relevanz im 20. Jahrhundert und im 21. Jahrhundert
Der Einfluss der Ashcan-Künstler ist in nachfolgenden Generationen amerikanischer Kunst leicht zu erkennen - manchmal sehr direkt. Sloan und Luks und andere Ashcan-Künstler unterrichteten jüngere Künstler, die später ihre eigenen künstlerischen Generationen definieren sollten. Ein besonders einflussreicher Aspekt der aschkanischen Kunst ist laut Zurier die Art und Weise, wie sie das blühende Medium der Fotografie informierte. „Ich denke, der aschkanische Kunstgeist - die Spontanität, flüchtige Momente festzuhalten - hat sich besonders gut auf die Straßenfotografie übertragen“, erklärt sie. „Sloan wurde gebeten, in den 1930er Jahren in der Photography League vor einer Gruppe von New Yorker Fotografen zu referieren, die ursprünglich eher links orientiert waren und die Idee hatten, dass man sich umschauen sollte, um zu sehen, was die Leute auf der Straße machen, und sich einen Aspekt anzueignen von dieser Realität - das hat die Straßenfotografie wirklich geprägt. Die journalistischen Wurzeln der Ashcan School inspirierten auch die Straßenfotografen. Als sich die Aufmerksamkeit jedoch auf die moderne Kunst verlagerte, wurde die Ashcan-Kunst als die Folie beschrieben - die Kunst, die es einfach nicht verstanden hat. Stuart Davis zum Beispiel, der mit den Künstlern der Ashcan aufwuchs, bei Henri Unterricht nahm und den Sloan unter seine Fittiche nahm, schrieb schließlich, dass alles, was er von Henri lernte, nicht an dem Punkt lag, an dem er sah, wie echte Kunst der Moderne aussah.
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| Kritiker der Fifth Avenue
von John Sloan, 1905, Radierung. Delaware Art Museum, Wilmington, Delaware. |
„Die aschkanische Kunst hat nicht an diesem ganzen Ideal von Duchamp teilgenommen. Es gab weder Ironie noch tiefe intellektuelle Vorstellungen von Kunst, was sie für viele Künstler der Moderne irrelevant erscheinen ließ. Kleine Details deuten jedoch darauf hin, dass dies nie ganz der Fall war. So ist beispielsweise Henrys Buch The Art Spirit nie vergriffen. Das Buch handelt von Kunst als Berufung, und die Leute lesen es weiterhin für das, was er präsentiert. “
