Zwei Meister der Stilllebenmalerei können uns viel über die Entwicklung unserer Bilder beibringen.
von Joseph Gyurcsak
Ocker & Blaugrau 2007, Öl, 12 x 16. Sammlung des Künstlers. |
Zwei der am meisten bewunderten Meister der Stilllebenmalerei sind der italienische Künstler Giorgio Morandi (1890–1964) und der französische Maler Paul Cézanne (1839–1906). Sie werden verehrt, weil Künstler viel lernen können, wenn sie ihre Bilder studieren und versuchen, zu verstehen, wie sie mit einer Auswahl gemeinsamer Objekte, einer Komposition miteinander verbundener Formen, der subtilen Manipulation harmonischer Farben und einer einheitlichen Lichtanordnung umgegangen sind.
Ich möchte einige Schlüsselkomponenten bei der Erstellung eines Stillleben-Ölgemäldes diskutieren, indem ich eine schrittweise Demonstration anbiete, die auf meinem Verständnis von Morandi und Cézanne basiert. Egal, ob Sie Anfänger oder Fortgeschrittener sind, mit dieser Demo können Sie Ihren Ansatz für die Stilllebenmalerei verbessern.
Mein Bild Subtle Greys ist ein Stillleben, das in zwei Stunden mit einer Alla-Prima-Technik (Malen in einer Sitzung) erstellt wurde. Das Ölgemälde wurde von den Kompositionen, Motiven und Farben von Morandi inspiriert, der mit ähnlichen Objekten und einer begrenzten Palette einige der großartigsten Stillleben-Gemälde schuf, die jemals geschaffen wurden. Seine Bilder sind nützliche Erinnerungen daran, wie reich ein Stillleben sein kann, wenn man das Genre versteht und akzeptiert. Was zunächst simpel erscheint, wird komplex, wenn man Morandis subtilen Einsatz gedämpfter Farben und sichtbarer Pinselstriche nachahmt.
Subtle Greys wurde sorgfältig modelliert, damit die durch die Pinselspuren implizierte Spontaneität nicht verloren geht. Mehr Details verbessern ein Gemälde nicht unbedingt. In der Tat hat sorgfältige Bearbeitung oft mehr Auswirkungen als übermäßige Bearbeitung. Für einen Künstler ist es wichtig, ständig zu beobachten und zu bearbeiten, wie sein Gemälde Gestalt annimmt.
Die Farben, die ich bei der Erstellung dieses Gemäldes verwendet habe, waren Neapelgelb, Ockergelb, Cadmiumrotlicht, gebrannte Siena, Ultramarinblau und Titanweiß. Meine Auswahl an Paletten war begrenzt, und das half bei der Herstellung der Farbharmonie. Ich habe meine Leinwand im Voraus mit einem leichten Schuss gebrannter Siena getönt (Imprimatura) und die Oberfläche einige Wochen lang gründlich trocknen lassen, bevor ich mit dem Stilleben begonnen habe. Ich habe die gebrannte Siena-Ölfarbe mit einer kleinen Menge Utrecht Alkyd Glazing Medium verdünnt, um sicherzustellen, dass die Farbe zu Beginn des Malprozesses nicht wieder ihre feuchten Eigenschaften annimmt.
Eine der wichtigsten Möglichkeiten, um hervorragende Graumischungen zu erzielen, ist nicht die Verwendung von Schwarz oder vorgemischten Grauwerten, sondern die Verwendung verschiedener Farbkombinationen. Als ich zum Beispiel ein Grau-Grün für meine Demonstration wollte, kombinierte ich Ultramarinblau und Gelb-Ocker und fügte permanentes Alizarin-Purpur hinzu, um die Farbe zu vertiefen und auf die ungefähre Farbtemperatur und den ungefähren Wert zu dämpfen, die ich brauchte. Ich mische immer die Sekundärfarbe und füge dann ein Gegenstück von Wert und Temperatur hinzu. Das Ergebnis dieser Methode ist immer ein kräftigeres Grau mit mehr Tiefe. Sowohl Cézanne als auch Morandi verwendeten Grautöne auf exquisite Weise, indem sie wunderbare Übergänge zwischen den reinen Farben und den Lichtern und Dunkelheiten machten.
Fruchtstillleben Mit Tapisserie 2000, Öl, 20 x 24. Sammlung des Künstlers. |
Betreff auswählen
Wir alle haben Tendenzen, Gewohnheiten oder Vorlieben. Letztendlich ist das einzig wirklich Wichtige, dass wir malen, was uns erregt. Es ist wahrscheinlicher, dass unsere Bilder diesen persönlichen „X-Faktor“haben, wenn wir mit Leidenschaft malen.
Abgesehen davon würde ich vorschlagen, dass Sie von Zeit zu Zeit überlegen, aus Ihrer Komfortzone auszusteigen, um sich selbst und den kreativen Prozess, in den Sie verwickelt sind, besser zu verstehen. Wenn Sie beispielsweise ein Stillleben malen möchten, arbeiten Sie mit einer Anordnung von Objekten, die Sie normalerweise nicht gruppieren würden. Eine andere Idee wäre, ein Antiquitätengeschäft zu besuchen und alte Töpfe, Pfannen, Flaschen und andere Küchenutensilien zu entdecken, die es Ihnen ermöglichen könnten, eine Geschichte durch ihr abgenutztes Aussehen zu erzählen. Wählen Sie schließlich Objekte einfach aufgrund ihrer Form, Farbe, Textur oder Größe aus und ordnen Sie sie so an, dass sie in Kontrast zu ihrem Erscheinungsbild stehen.
Bei meiner Demonstration konzentrierte ich mich auf einige sehr alte, verfärbte Flaschen, einen Kerzenhalter, einen Stößel und einige Holzklötze, die ich auf einem Modelliertisch angeordnet hatte. Ich habe absichtlich Stücke ausgewählt, denen eine starke Farbe fehlte, weil ich mich herausfordern wollte, die Subtilität der Farbbeziehungen zu untersuchen, anstatt einen offensichtlichen Kontrast zwischen sehr unterschiedlichen Oberflächen.
Ein Stillleben komponieren
Wenn Sie die gewünschten Elemente ausgewählt haben, platzieren Sie sie an einer Stelle, an der Sie sie aus verschiedenen Höhen und Winkeln anzeigen können - aus der Vogelperspektive, aus einer geraden Perspektive oder aus einer niedrigen Wurmperspektive. Auf diese Weise können Sie den besten Blickwinkel bestimmen, von dem aus der Betrachter das Thema sehen kann. Wenn Sie sich nicht sicher sind, von welchem Standpunkt aus Sie die Objekte malen sollen, machen Sie Skizzen mit Miniaturansichten oder blättern Sie durch die Seiten eines Buches über Stillleben, um zu sehen, was andere Künstler getan haben. Überlegen Sie, wie ihre Kompositionen auf ausgeglichene Ordnung, erwartete Bewegung, beunruhigende Unordnung oder mysteriöse Unsicherheit hindeuten.
Wenn Sie eine Komposition endgültig fixieren, wird möglicherweise ein sehr komplexes oder recht einfaches Bild angezeigt. Sie werden schnell feststellen, dass dieser Entscheidungsprozess ein wesentlicher Schritt bei der Erstellung eines Gemäldes ist. Nehmen Sie sich Zeit, nehmen Sie das Thema auf, seien Sie dabei, lassen Sie es zu Ihnen sprechen, vertrauen Sie Ihrer Intuition, und Sie werden wissen, wann es richtig ist.
Für diese Demonstration habe ich eine Komposition auf Augenhöhe arrangiert, sodass die Abweichungen nicht von den räumlichen Beziehungen, sondern von den Unterschieden in Farbe, Höhe und Form herrühren.
Die Bedeutung der Beleuchtung
Sobald Sie eine Anordnung von Objekten und einen festgelegten Standpunkt haben, ist es Zeit, das Licht anzuzünden. Es kann durch ein sonnenbeschienes Fenster als starker, warmer Lichtstrahl oder bei nach Norden gerichteter Belichtung als kühles, sogar helles Licht kommen und weichere Ränder mit blaugrauen Tönen erzeugen. Glühlampen können Objekte mit starker gerichteter Beleuchtung beleuchten, harte Kanten erzeugen und Lichtbereiche vergrößern, die scharf abgegrenzt werden könnten.
Senfglas und braune Flaschen 2007, Öl, 12 x 16. Sammlung des Künstlers. |
Künstler empfehlen Nordlicht oft für ein Malstudio, weil es ein stetiges Glühen von kaltem Licht ist, das warme Schatten erzeugt. Sie finden das einem wechselnden Muster aus warmem Sonnenlicht und kühlen Schatten vorzuziehen. Keine einzige Beleuchtungssituation ist richtig oder falsch. Jedes ist anders und stellt unterschiedliche Beziehungen zwischen Intensität und Temperatur der Farben her. Das Nordlicht bleibt in der Regel gleichmäßig, sodass ein Motiv über einen langen Zeitraum gemalt werden kann, ohne dass sich das Licht im Laufe eines Tages ändert. Natürliches Licht bietet die Möglichkeit, mit dem warmen, goldenen Licht zu arbeiten, das zu Beginn und am Ende des Tages zur Verfügung steht. das strenge Sonnenlicht am Mittag; oder das silhouettierte Muster dunkler Formen gegen das Licht, das am späten Nachmittag unter den Horizont gefallen ist.
Wenn Ihnen der Gedanke, mit unvorhersehbaren Mustern natürlichen Lichts umzugehen, nicht gefällt oder Sie nur nachts malen möchten, können Sie mit künstlicher Beleuchtung unbegrenzte Stunden zum Malen eines Motivs verbringen. Einige Künstler sehen Glühlampen als Nachteil an, weil sie eine warme Temperatur haben und einen Großteil der Kühle eines Motivs entfernen.
Eine wichtige Tatsache beim Beleuchten Ihres Motivs mit weniger als 5500 Kelvin (eine Bewertung der Farbe der Glühbirne, die das natürliche Licht am besten aufnimmt) ist, dass das künstliche Licht warm erscheint. Einige Glühbirnen auf dem Markt bieten eine bessere Lichtbalance, um kühlere Farben in Ihrem Bild zu erzielen. Beispielsweise verwenden viele Künstler Chromalux-Vollspektrum-Glühlampen, die in eine professionelle Daylight-Künstlerlampe oder eine Kombinationslampe eingebaut sind.
Die Beleuchtung ist die einzigartige Komponente, mit der Sie lebendige oder matte Farben, Schattierungen, Hervorhebungen oder flache Töne für Ihr Motiv festlegen können. Dies ist eine wichtige Entscheidung für die Schaffung einer Atmosphäre rund um Ihr Thema. Viele großartige Stilllebenbilder verwenden die Beleuchtung als Hauptthema. Wenn Sie zum Beispiel Objekte so anordnen, dass einige von ihnen von einem starken Licht beleuchtet werden und andere im Dunkeln liegen, werden Sie ein großes Drama und eine große Tiefe in Ihrem Bild erzeugen. Wie auch immer Sie sich für die Beleuchtung Ihres Motivs entschieden haben, denken Sie daran, dass Ihnen ein hervorragendes Werkzeug zur Verfügung steht, mit dem Sie den Gesamteffekt der Darstellung Ihres Motivs und der Reaktion des Betrachters darauf beeinflussen können. Cézanne wusste das gut und verbrachte manchmal ein paar Wochen damit, seine Stillleben-Arrangements so einzurichten, dass er genau die richtige Beleuchtung und Umgebung hatte.
Ich habe bei der Erstellung des Gemäldes Subtle Greys eine Kombinationslampe verwendet. Mein Arbeitsplan erlaubt es mir nicht immer, unter natürlichen Lichtverhältnissen zu malen. Deshalb habe ich dieses Stillleben spät in der Nacht in meinem Studio mit ausgeglichenen Glühbirnen oder Leuchtstofflampen gemalt, die die gleiche Farbtemperatur wie natürliches Licht haben.
Die Entscheidung, wie das Licht auf die Objekte gelenkt werden sollte, wurde von einem Morandi-Gemälde geleitet, das im Allgemeinen in einer flacheren Art von Beleuchtung beleuchtet wurde, die keine großen Schatten warf. Das Malen von flacherem Licht ist mit Sicherheit viel schwieriger zu erfassen, da es mehr auf tonalen Farbverschiebungen als auf Schattenwurf, deutlichen Mitteltönen und scharfen Glanzlichtern beruht. Es erfordert auch, dass ein Maler empfindlicher auf Temperaturverschiebungen reagiert.
Farbmischung in einem begrenzten Bereich
Es kommt oft vor, dass eine Farbharmonie ein Stillleben dominiert, während zwei oder drei andere eine unterstützende Rolle im Drama spielen. Wenn Sie sich nicht sicher sind, wie diese Harmonie aussehen soll, legen Sie ein weißes Blatt Papier auf eine ebene Fläche innerhalb der allgemeinen Bereiche des Motivs und legen Sie dann einen kleinen weißen Gegenstand auf das Papier, damit Sie sofort wissen, welche Farbe es hat Die Temperatur Ihrer Schlagschatten sollte in Bezug auf Wärme oder Kühle angegeben werden. Der beleuchtete Bereich hat automatisch die entgegengesetzte Temperatur. Mit diesen Informationen können Sie Farben in Bezug auf die richtige Farbtemperatur Ihrer Schatten, Mitteltöne und hellen Bereiche genauer mischen.
Stillleben in der Suite 2006, Öl, 8 x 10. Sammlung des Künstlers. |
Wenn beispielsweise der Gesamtton Ihres Motivs in warmes Licht getaucht wird, können Farbkombinationen wie Gelb, Rot und Orange im hellen und mittleren Tonbereich auftreten. Die Schattenbereiche enthalten Kombinationen aus Blau, Violett und kühlen Grüntönen.
Um eine Harmonie der Farben zu erzielen, ist es hilfreich, Farbmischungen mit einer begrenzten Palette von vier bis sechs Tubenfarben anstelle eines breiten Sortiments von einem Dutzend oder mehr zu erstellen. Es wird auch empfohlen, Weiß sparsam zu verwenden, um eine Schwächung der Farbintensität zu vermeiden. Es ist vorteilhafter, den Wert einer Farbe durch Mischen von Farben mit einem helleren Wert zu erhöhen, z. B. Neapelgelb oder Cadmiumzitronengelb anstelle von Weiß. Ich empfehle, kleine Mengen Weiß zu verwenden, um die Farbintensität zu erhalten. In ähnlicher Weise schlage ich vor, Farbmischungen durch Zugabe des komplementären Gegenstücks eines Pigments zu neutralisieren. Je besser Sie sich mit den einzigartigen Eigenschaften einer Farbe auskennen, desto mehr Erfolg haben Sie mit dem Mischen von Farben, da Sie eine bessere Farbkontrolle, Konsistenz und Harmonie erzielen.
Das Foto meiner Palette zeigt deutlich, wie meine Farben angeordnet und vorgemischt wurden. Ich legte große Farbhaufen an und konzentrierte mich auf das Mischen aller Hauptfarbflecken, die ich in dem Motiv beobachtete. Weniger Farben im Bild zu verwenden, bedeutet nicht zwangsläufig, weniger Volumen zu verwenden. John Singer Sargent und Joaquín Sorolla y Bastida trugen großzügige Mengen Ölfarbe auf, um ihre Pinselstriche deutlich zu machen. Künstler, die Sorolla bei der Arbeit miterlebten, bemerkten, dass er vor Beginn seiner Vorführungen ganze Farbtuben auf seiner Palette auspresste.
Wert, Farbe und Form erzeugen Form
Sobald Künstler lernen, große Farbflecken und keine Details zu erkennen, konzentrieren sie sich auf die Wertbeziehung, die Farbtemperatur und die Form. Wenn sie objektive Vorstellungen über die Identität des Subjekts ablegen, können sie mit enormem Ausdruck kreieren. Und wenn ihre Zeichnung genau ist und ihre Farben gut gemischt sind, beeinträchtigt ein Mangel an Details nicht das erkennbare Thema, das als Thema des Gemäldes auftaucht und liest.
Cézanne hatte die Fähigkeit, Linien und Formen mit genau der richtigen Aufmerksamkeit auf beide zu jonglieren. Es ist selten, dass ein Künstler ein solches Gleichgewicht anstrebt, weil die meisten Maler das eine oder andere bevorzugen. Die Volumen seiner gemalten Formen waren manchmal breit und flach und wechselten zu anderen Zeiten von Licht zu Schatten. Die Linienqualitäten sind berechnete Farben mit starken Richtungsbewegungen, die gegen die Massenformen vibrieren. Er verließ sich auf diese Linien, um die Kontur des Objekts festzuhalten, damit seine orchestrierten gebrochenen Töne oder offenen Farbtöne ihre Frische behalten konnten.
Wissen, wann man aufhört
In meinen Malkursen rate ich den Schülern oft, anzuhalten, die Pinsel niederzulegen, sich von der Malerei zurückzuziehen und ihre schöpferischen Erfahrungen einzuschätzen. Sie müssen abwägen, was sie bereits ausgedrückt haben, und dann entscheiden, wie sie weiter gehen oder aufhören sollen, während sie voraus sind.
Wanderausstellung 2006, Öl, 11 x 14. Sammlung des Künstlers. |