Masters: Whistler's Mark

2023 Autor: Amelia Goldman | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-11-26 05:31

von John A. Parks

Hockende Figur in der Weiße Symphonie: Drei Mädchen 1869-1870, Kreide auf braun Papier, 10 5/8 x 10 & sup5;. Sammlung der Freer + Sackler Galleries Früher Washington, D. C.

Black Lion Wharf 1859, Radierung, 5 1/2? x 8 1/2.

In einer schillernden und außergewöhnlichen Karriere nutzte James Abbott McNeill Whistler sowohl die Kunst als auch das Leben, um die Welt zu einem schöneren und eleganteren Ort zu machen. Er wurde nicht nur als Maler, sondern auch als Dandy, als Kulturprovokateur, als Innenarchitekt, als Autor, als Illustrator, als Liebhaber vieler Frauen, als abenteuerlustiger, aber nicht immer erfolgreicher Geschäftsmann, als empörender Selbstdarsteller berühmt. und ein Weltklasse-Talker. Es war eine Reise, die von enormen Veränderungen und vielen Widersprüchen geprägt war.

Whistler begann als Realist, entwickelte aber nach und nach einen stilvollen und eleganten Klangimpressionismus, der von einem fast klassischen Sinn für Komposition untermauert wurde. Als bekennender Ästhet, der schließlich Gemälde von enormer Zartheit und Suggestivität schuf, ist er am meisten für seine äußerst strenge und hochorganisierte Malerei seiner Mutter bekannt. Als junger Künstler als zu avantgardistisch angesehen, galt er spät im Leben als ziemlich sicher und konservativ und wurde mit Ehrungen und Aufträgen überschüttet. In den Vierzigern bankrott und finanziell in Ungnade gefallen, erholte er sich und wurde ein wohlhabendes und angesehenes Mitglied der Gesellschaft. Whistler war Amerikaner, verbrachte jedoch einen Großteil seiner Jugend in Russland und kehrte nach seinem 21. Lebensjahr nicht mehr in seine Heimat zurück. Seine Bekanntschaften reichten von der Spitze bis zum Ende der sozialen Ordnung und züchteten sowohl kleinere Kriminelle als auch Aristokraten, Näherinnen und Gesellschaftsdamen, mittellose Künstler und wohlhabende Geschäftsmagnaten. Er war ein brillanter Gesprächspartner, dessen Witz den jungen Oscar Wilde so beeindruckte, dass er einen Großteil seines Stils dem älteren Mann nachempfunden hatte. Whistler wurde von Gleichaltrigen in seiner Jugend dafür kritisiert, dass sie so gut wie keine Arbeit zu leisten schienen. Er hinterließ eine Vielzahl von Gemälden, Zeichnungen und Drucken. Seine Innovationen im Radieren und Pastellzeichnen machen ihn zu einem der großen Praktiker in der Geschichte beider Künste. All dies und noch viel mehr wurde in einen Mann verpackt, der nur 5 Fuß 4 Zoll groß war, von einer Masse schwarzer Locken gekrönt und mit einem Paar großer dunkler Augen versehen, die mit betörendem Humor die Welt anstarrten. Wie bei vielen Künstlern bieten Whistlers Zeichnungen häufig einen viel persönlicheren und intimeren Einblick in sein Leben und seine kreative Entwicklung als die Gemälde. Die frühesten Beispiele stammen aus seiner Kindheit, und hier werden wir beginnen.

Drapierte Figur 1866-1869, Kreide auf braunes Papier, 15 x 5 7/8. Sammlung Die metropolitan Museum der Kunst, New York, New York.

Ein Künstler in seinem Atelier 1855-1856, Graphit, Stift, braun und schwarz Tinte, auf Sahne gewebt Papier, 9 3/16 Durchmesser. Sammlung der Freer Gallery of Art Früher Washington, D. C.

Whistler wurde 1834 in Lowell, Massachusetts, als Sohn eines Militäringenieurs geboren. Als er 9 Jahre alt war, erhielt sein Vater vom Zaren Russlands eine Stelle, um den Bau der St. Petersburg-Moskau-Eisenbahn zu überwachen, und die Familie zog für sechs Jahre nach Russland. Als begeisterter Zeichner durfte der junge Whistler Zeichenkurse an der St. Petersburger Akademie der Künste besuchen. Ein Selbstporträt von 1845 zeigt eine bereits bemerkenswerte Kontrolle über Form und Licht mit einem frühreifen raffinierten Umgang mit Merkmalen, Linien und Gewichten. Nur das umständliche Rendern des Kragens erinnert uns daran, dass dies die Arbeit eines kleinen Jungen ist.

Whistlers Familie kehrte nach Beendigung der Eisenbahn nach Amerika zurück, aber nicht bevor sie einige Zeit in England verbracht hatte, wo die Halbschwester des Künstlers, Deborah, den jungen englischen Chirurgen Seymour Hayden geheiratet hatte. Hayden, ein begeisterter Laienradierer und Wissenschaftler mit umfangreichen sozialen Beziehungen, sollte Whistler später einen Zugang zur englischen Gesellschaft verschaffen.

Whistler trat in die Fußstapfen seines Vaters und schrieb sich in West Point ein. Kadetten mussten an Zeichenkursen teilnehmen, in denen sie Zeichnungen und Drucke von Meistern wie JMW Turner, Rembrandt und anderen kopierten. Whistlers Kopien waren gutaussehend und professionell, aber der Künstler wurde unter seinen Freunden für seine lebhaften Karikaturen des Armeelebens berühmter. In der Mathematik hält sein Stift Haltung und Situation in wenigen Zügen brillant fest, während Dress Parade die von den jungen Soldaten favorisierten stolzierenden und putzenden Positionen zusammenfasst. Viele andere kleine Skizzen aus dieser Zeit, meist in Feder und Tusche, zeigen die wachsende Beherrschung des Künstlers in Bezug auf Gestik und Haltung und seine Fähigkeit, sie für eine dramatische Wirkung zu übertreiben, ein Talent, das ihm später zugute kommen sollte.

Die Lilie 1870/1872, Kreide und Pastell- auf braunem Papier 10 7/8 x 7. Sammeln Sie die Geldstrafe Kunstmuseen von San Francisco, San Francisco, Kalifornien.

Kleiderparade 1852, Graphit, Kugelschreiber, braun Tinte und auf braunem Papier waschen auf Karte montiert, 5 x 3 5/16. Sammlung Die metropolitan Museum der Kunst, New York, New York.

Leider konnten weder die brillanten Zeichenfähigkeiten des Künstlers noch das fließende Französisch, das er in St. Petersburg erworben hatte, Whistler an der Akademie halten. Er wurde wegen mangelnder Chemie entlassen und von seiner Familie mit einer Karriere im Schiffbau bedroht. Verzweifelt ging er nach Washington und fand einen Job beim Erstellen von Karten bei der US Coast and Geodetic Survey. Obwohl er diesen Posten nur für ein paar Monate behielt, lernte Whistler dort die Kunst des Radierens und verzierte manchmal die ziemlich langweiligen Karten mit lebhaften Figuren am Rand. Von der Arbeit gelangweilt, entschloss sich Whistler, nach Paris zu gehen und Künstler zu werden. Seine Familie erklärte sich bereit, ihm ein kleines Stipendium zu gewähren, und er zog im September 1855 für immer nach Europa.

In Paris stürzte sich Whistler sofort in La Vie Bohéme, einen Lebensstil der Armut, der freien Liebe und des Schaffens von Kunst, der bereits durch die Veröffentlichung von Henri Murgers Sammlung von Kurzgeschichten Scènes de la Vie de Bohéme im Jahr 1845 verherrlicht worden war Artist in His Studio zeigt den jungen Whistler in einer fast archetypischen Mansarde, die von Künstlermaterialien, Statuetten, einem Mahlstab, einem Buch über Fuseli, einer Mappe und all den verstreuten Abfällen jugendlichen Lebens umgeben ist.

Wie sich herausstellte, entsprach Whistlers Aufmerksamkeit für das Detail des gewöhnlichen Lebens einigen der wichtigsten Gedanken des Tages. Die Kunst des frühen 19. Jahrhunderts war von einem Wettbewerb zwischen Klassik und Romantik geprägt. In den 1840er Jahren schrieben Kritiker wie Baudelaire in Paris und John Ruskin in London über die Bedeutung der Malerei der Welt und ermutigten Künstler, sich auf die Erscheinungen des Alltags einzulassen. Realismus lag in der Luft. Der kühnste Künstler, der diesen Weg einschlug, war Gustave Courbet, dessen überzeugende und höchst originelle Kompositionen bereits einen Einfluss ausübten. Courbet war der Held vieler junger Künstler, darunter Whistlers neue Freunde Henri Fantin-Latour und Alphonse Legros. Whistler ließ sich nieder, um im Atelier des klassischen Malers Charles Gleyre zu studieren, und verbrachte viel Zeit damit, Kopien im Louvre anzufertigen. Er war aber auch ein unermüdlicher Zeichner der Welt um ihn herum. In Les Côtes à Dieppe zum Beispiel zeigt Whistler einen weiten Blick, der eine Vielzahl von Figuren umfasst, die unter den Klippen spazieren. Hier variiert er gekonnt das Gewicht und die Dichte der Linie, um ein wunderbares Gefühl von Tiefe und Luftigkeit im Panorama zu erzeugen.

Die Themse 1872-1875, Kreide und Pastell auf braunem Papier, 7 x 10¾. Sammlung Indiana University Kunst Museum, Bloomington, Indiana.

Mathematik 1852, Stift und Braun Tusche auf beigem Velin auf Karte gelegt, 2¾ x 1 7/8 ?. Sammlung Die Metropolitan Museum von Kunst und Kunsthandwerk, New York.

Im Jahr 1857 unternahm Whistler eine Wander- und Skizzentour, bei der er seine Beobachtungsfähigkeiten ausbaute. Die Bleistiftzeichnung A Street Scene erweckt den komplexen Raum und die Struktur einer Dorfstraße zu neuem Leben. The Kitchen, ein fertigeres Aquarell, schafft ein gut organisiertes Interieur, in dem eine alte Dame am Fenster in einem tiefen Raum aus kahlen Wänden und kahlen Schränken arbeitet, die alle mit ein paar Pinselstrichen beschworen wurden. Eine ehrgeizigere Situation bietet der Gambling Salon in Baden-Baden, wo sich eine riesige Menschenmenge um die Spieltische drängt. In all diesen Skizzen ist es wichtig zu bemerken, wie sensibel der Künstler für die Kraft des Vorschlags ist - seine Bereitschaft, Details zu unterschätzen und die akute Beschreibung einzelner Gesichter herunterzuspielen.

Von seinen Sketching-Reisen stellte Whistler seine erste veröffentlichte Radierungsreihe zusammen, die als French Set bekannt ist und 1858 gedruckt wurde. Whistlers Platten, wie Reading by Lamplight, zeigen ihn zwischen einem studierten Aufbau von Helldunkel durch aufwändige Schraffur und einem vollständigen flüssigere, linearere Annäherung, als ob er nicht ganz sicher ist, ob er die Form wirklich fest wirken lassen oder sie in die umgebende Luft verdampfen lassen will.

Whistler schuf das erste seiner reifen Bilder Ende 1858 auf einer Reise nach England. Am Piano [nicht abgebildet] ist eine auffällige und kühne Komposition zu sehen, die seine Halbschwester Deborah und ihre 10-jährige Tochter in den vornehmsten Einstellungen zeigt. Obwohl vom Salon von 1859 abgelehnt, wurde das Bild von Courbet selbst gelobt. Sehr bald malten Whistler und Courbet zusammen, und der junge Amerikaner befand sich im Zentrum der Pariser Avantgarde. Im folgenden Jahr wurde At the Piano von der Royal Academy in London angenommen und stand auf dem Prüfstand. Dieser Erfolg und die allgemein akzeptablere Atmosphäre für innovative Kunst in London überzeugten Whistler, seine Karriere dorthin zu verlagern. Außerdem war sein Schwager in der Lage, ihm bei Einführungen und Aufträgen zu helfen. Whistler hat das böhmische Leben endgültig verlassen. Zukünftig strebten seine Ambitionen im Allgemeinen nach Erfolg und Anerkennung einer recht weltlichen Art. Diese sollten schließlich aber nicht vor einem sehr beträchtlichen Kampf bewilligt werden.

Nocturne: Battersea Brücke 1872-1873, Kreide und Pastell auf braunem Papier auf Karte montiert, 7 1/8 x 11. Sammlung der Freer + Sackler Galerien, Washington, DC.

Die Küche 1858, Graphit, Gouache und Aquarell auf beigem Bütten, 12 7/16 x 8¾. Sammlung der Freer + Sackler Galleries Früher Washington, D. C.

In den frühen 1860er Jahren begann Whistler eine enge Beziehung zu seinem Model Joanna Hiffernan, einer schönen irischen Rothaarigen, die für sein berühmtes Gemälde Symphony in White, No 1: The White Girl posierte. Die Idee, eine Verbindung zwischen musikalischer Komposition und bildender Kunst herzustellen, war nicht gerade neu. Murger bezog Gespräche darüber in die Scànes de la Vie Bohàme ein, und verschiedene andere Kritiker hatten die Idee in Schwung gebracht. Die Verwendung von Musiktiteln ermöglichte Whistler jedoch, die Aufmerksamkeit auf die abstrakte und in sich geschlossene Natur des Werks zu lenken. Diese Idee übte einen immer größeren Einfluss auf ihn aus.

Whistler hat seine schöne Geliebte viele Male gezeichnet und seine schlafende Frau zeigt seine wachsende Freiheit der Technik. Hier ist die Kreidelinie lebendig und fließend aufgebaut, so dass das Bild fast gespenstisch aus dem dunklen Raum hervorgeht. In den Jahren 1860 und 1861 arbeitete Whistler auch mit seiner Radierungsnadel an der Themse, immer noch seinem Wunsch folgend, eine realistische und ehrliche Sicht auf die Welt zu schaffen. Hier nahm er die schwierige und etwas düstere Welt der Hafenarbeiter und Reeder an, die sich an den stinkenden Schlammbänken der Themse und den bröckelnden, von Ratten befallenen Lagerhäusern entlang bewegten, die sich kilometerweit östlich des Turms erstreckten. In Arbeiten wie Black Lion Wharf löste Whistler die Gebäude und Figuren zu kühnen grafischen Elementen auf und zeigte die Bereitschaft, als fertiges Bild eine Arbeit zu präsentieren, in der einige Abschnitte leer gelassen oder untertrieben wurden.

Karikatur von Reichen und Arme Pfauen 1876 Kreide und Wäsche auf braunem Papier gestochen für die Übertragung 5 '11 1/4' 'x 12 '93/4' '. Sammlung Hunterian Art Gallery in die Universität von Glasgow, Glasgow, Schottland.

Eine Straßenszene 1857-1858, Graphit auf cremefarbenes Velin, 9¾ x 5¾. Sammlung der Freer + Sackler Galerien, Washington, D. C.

Um diese Zeit trat ein weiterer wichtiger Einfluss in Whistlers Welt ein: das Erscheinen japanischer Kunst. Whistler begann japanisches Porzellan und Drucke zu sammeln, die nach der Eröffnung von Commodore Perry im Jahr 1854 langsam erhältlich waren. Der Künstler erkannte schnell, dass es in der japanischen Kunst keine Unterscheidung zwischen dekorativen und bildenden Künsten gab, und sah das Ziel der dekorativen Kunst war im Grunde genommen, das ganze Leben zu ästhetisieren. In Studie für Variationen in Fleischfarbe und Grün: Der Balkon zeigte der Künstler das merkwürdige und vielleicht unangenehme Amalgam, das er aus westlicher und japanischer Kunst machte. Drei offensichtlich japanische Damen zeigen sich auf einem Balkon. Aber die Aussicht ist eine Kohlefabrik am Südufer der Themse, eine ausgesprochen unscheinbare Aussicht. Whistler konnte sich auch niemals dazu bringen, auf die Gesetze der Perspektive zu verzichten. Seine Bilder nehmen niemals den eleganten, unbestimmten Raum der japanischen Kunst ein. Stattdessen werden wir mit einem unwahrscheinlichen Zusammentreffen japanischer Schönheit und der schwierigen Realität des industriellen Londons konfrontiert. Es war ein Widerspruch, dessen Lösung einige Zeit in Anspruch nahm. Die Skizze im Studio begann zu zeigen, wie dies erreicht werden könnte. Hier lehnt sich ein Model in einer Hängematte zurück, die von Pinselstrichen in Grau über braunem Papier umgeben ist. An der Wand sind verschiedene japanische Fans zu sehen. Obwohl die Perspektive nicht aufgegeben wird, wird sie durch diesen eher atmosphärischen Effekt verdeckt. Bald würde Whistler beginnen, nach solchen Effekten in der Natur zu suchen und sie in der nebligen Umgebung des Thames Valley zur Hand finden. Währenddessen verfolgte er in seinen Gemälden die Idee einer einzelnen, elegant gestellten Figur, und viele der Zeichnungen scheinen Studien für sie zu sein. In Draped Figure zum Beispiel verwendete er Kreide auf braunem Papier, um eine sehr klassische Pose zu vermitteln. Seine zahlreichen Zeichnungen von Figuren in klassischen Vorhängen sind wahrscheinlich von der Arbeit seines Freundes Albert Joseph Moore inspiriert, der solche Themen viel sorgfältiger studierte und dabei einige eher abenteuerliche Farbmöglichkeiten auslotete. 1867 schrieb Whistler an seinen Freund Fantin-Latour, dass er nun den Realismus von Courbet ablehne und den Wunsch äußere, stattdessen bei einem klassischeren Meister zu studieren. Es scheint, dass Whistler sich der Vereinfachung und Künstlichkeit der klassischen Kunst näher fühlte. Durch die Verschmelzung klassischer Figuren mit einem deutlich japanischen Flair gelang es ihm nun, die müden Stereotypen dieser Art von Kunst zu vermeiden und Neuland zu betreten.

Nocturne in Schwarz und Weiß Gold: Der Fall Rakete 1875, Öl auf Holz, 23¾ x 18 3/8. Sammlung der Detroit Institute of Arts, Detroit, Michigan.

Glücksspielsalon bei Baden-Baden 1858 Graphit und Holzkohle auf cremefarbenem Bütten, 8 11/16 x 10 9/16. Sammlung der Freer Gallery of Art Früher Washington, D. C.

In der Zwischenzeit zahlten sich Whistlers soziale Kontakte aus und es kamen Aufträge für Porträts hinzu. Nelly ist eine Studie für ein Mitglied der wohlhabenden Ionides-Familie, eine charmant gelungene Skizze, die zwischen Suggestion und Rendering schwebt. Später in den 1860er Jahren wurde Whistler FR Leyland, einem dynamischen Schiffsmagnaten aus Liverpool, vorgestellt, der in London eine Figur machen wollte und der die Leidenschaft des Künstlers für das Sammeln von japanischem Porzellan mitteilte. Leyland beauftragte Whistler mit mehreren großen Gemälden, und die Zeichnungen für Die drei Mädchen zeigen, wie gewissenhaft sich der Künstler auf einen solchen Auftrag vorbereitet hat. Hockende Figur in der Weißen Symphonie: Drei Mädchen ist mit Kreide auf braunem Papier hingerichtet. Der Künstler war bestrebt, der Figur eine aussagekräftige grafische Kontur zu geben und gleichzeitig ein Gefühl von Licht und Solidität im gesamten Gemälde zu vermitteln. Er hatte die Gegensätze von flachem Design und dreidimensionaler Darstellung immer noch nicht wirklich gelöst, aber die Spannung zwischen den beiden würde für seine Arbeit von zentraler Bedeutung bleiben. Eine andere schöne Zeichnung, The Lily, zeigt eine ähnliche Herausforderung. Hier sehen wir die Ankunft des Schmetterlings, ein Symbol, das Whistler schließlich als Signatur verwenden würde, wenn auch mit einem Stich im Schwanz. Die Zeichnungen dieser Zeit waren geprägt von zunehmender Fingerspitzengefühl und zunehmender Sensibilität für Oberflächen. Einer seiner Schüler, Otto Henry Bacher, erinnerte sich daran, dass "ihm die Delikatesse der Grundgedanke von allem erschien, und er mehr als alles andere die Andeutung von Zärtlichkeit, Ordentlichkeit und Freundlichkeit verwendete."

Venezianische Szene 1879-1880, Kreide und pastell auf braunem papier, 11 5/8 x 7 15/16. Sammlung das Neue Britisches Museum von Amerikanische Kunst, Neu Großbritannien, Connecticut.

Les Côtes à Dieppe 1857, Bleistift auf cremefarbenes Velin, 4 1/16 x 7 1/16. Sammlung der Freer + Sackler Galleries Früher Washington, D. C.

In den frühen 1870er Jahren stieß Whistler endlich auf das Thema, das so viele seiner Probleme lösen sollte. Die Themse zeigt einen Blick auf das Wasser, das von einem trüben Nebel verdeckt wird, in dem die vereinfachten Formen in einem tiefen und ruhigen Raum hängen. Whistler begann bald, nachts Zeichnungen des Flusses mit seiner suppigen Atmosphäre und den funkelnden Lichtern zu machen. Nocturne: Battersea Bridge, einer der frühesten Versuche, zeigt den Künstler, wie er ein dunkelbraunes Papier mit ein paar einfachen Blautönen und Veilchen zusammen mit einem Gelb und einem Orange verwendet, um eine ganze Welt der Nacht zu erschaffen. Whistler fertigte fast alle derartigen Zeichnungen und die darauf basierenden Gemälde aus der Erinnerung an. Er interessierte sich seit langem für eine vom französischen Meister Lecoq de Boisbaudran unterrichtete Gedächtnistechnik, bei der die Schüler ein Fach sorgfältig studieren, auswendig lernen und es dann ohne weitere Bezugnahme malen mussten. Whistler erkannte, dass diese Arbeitsweise unweigerlich zu einer Vereinfachung führte und befreite ihn von der lästigen Aufgabe, dem Leben treu zu bleiben. Oft nahm er einen Freund auf seinen Exkursionen mit, studierte eine Szene und wandte sich dann ab und rezitierte genau das, was er sah. Der Freund würde ihn korrigieren, wenn er einen Fehler machte, und dann würde er sich wieder umdrehen und die Szene studieren, bis er sie vollständig beschreiben konnte. Erst dann kehrte er ins Studio zurück, um Zeichnungen anzufertigen. Whistlers Interesse an den Effekten von Nebel und Nacht ist offensichtlich sehr stark, aber sie gaben ihm auch die Möglichkeit, ein Gemälde zu schaffen, das akzeptabel gegenständlich ist und gleichzeitig ein Eigenleben als ästhetisch schönes Objekt hat. Er arrangierte seine Kompositionen auf eine fast abstrakte Art und Weise, wobei er Gewichte und Intervalle sorgfältig auswog, um ein fast klassisches Gefühl der Ruhe zu erreichen.

Sonnenuntergang, in Rot und Braun 1879-1880, Kreide und pastell auf braunem papier, 11 13/16 x 71 5/16. Sammlung der Freer + Sackler Galleries Früher Washington, D. C.

Lesung von Lamplight 1858, Radierung und Kaltnadel in schwarz gedruckt Tusche auf elfenbeinfarbenem Bütten, 6 13/16 x 4 9/16. Sammlung The New York Öffentliche Bibliothek, New York, New York.

Whistlers wachsendes Interesse an der dekorativen Welt brachte ihn in die vorderste Reihe der ästhetischen Bewegung, eine lose Beschreibung für eine Reihe von Künstlern zu der Zeit, die von der Idee angezogen wurden, dass Kunst alle Aspekte des Lebens verschönern und transformieren kann. Sie glaubten, dass Kunst keinen Zweck erfüllen und keine moralische Dimension haben müsse. Ihre einzige Aufgabe bestand vielmehr darin, schön zu sein. Es war diese Idee, die Whistler dazu veranlasste, die Art und Weise zu revolutionieren, wie Kunst gezeigt wurde. Anstatt seine Ausstellungen, wie es Brauch war, dicht vom Boden bis zur Decke aufzuhängen, entschied er sich, die Galerien mit einer einzigen Reihe von Gemälden in großen Abständen aufzuhängen. Er ließ den Raum in hellen Farben ausmalen, oft in Gelb und Weiß, und bestellte manchmal farblich abgestimmte Uniformen für die Kommissare an der Tür.

Whistler erkannte auch schnell, dass die Aufgabe, die Welt schön zu machen, bestimmte Geschäftsmöglichkeiten bot, und er war vom Erfolg von William Morris als Dekorateur und Designer in den 1870er Jahren sehr angetan. Whistler gründete kurz seine eigene Designfirma, die helle Innenräume, schimmernde Stoffe und viel japanisches Porzellan anbot. Sein Cartoon von reichen und armen Pfauen ist eine Arbeitszeichnung für sein berühmtestes und erfolgreichstes Interieur. Sein wohlhabender Gönner, FR Leyland, dekorierte ein großes Londoner Haus und rief Whistler an, um sich über den Speisesaal zu informieren, in dem seine Porzellansammlung sowie ein Gemälde von Whistler selbst aufbewahrt werden sollten. Der Künstler sah seine Chance zu glänzen und konzipierte einen großartigen Entwurf für den Raum. Die oben gezeigte Zeichnung ist das Design für die Stirnwand, basierend auf japanischen Modellen. Dies ist Whistlers fließende Linie von ihrer besten Seite, befreit endlich von den Erfordernissen der Perspektive und schafft eine herrliche Bewegung sowie reichhaltige dekorative Oberflächen. Whistler übernahm das Projekt, während Leyland für den Sommer abwesend war, und verdiente sich dann den Zorn seines Kunden, als er eine Gruppe von Kritikern aufforderte, sich das fertige Produkt anzusehen. Leyland bezahlte nur die Hälfte der von Whistler verlangten Gebühr und verbannte ihn für immer aus dem Haus. In der wütenden Korrespondenz, die sich um diese Angelegenheit drehte, sagte Whistler voraus, dass Leyland nur von der Nachwelt in Erinnerung bleiben würde, weil er derjenige war, der den Pfauenzimmer in Auftrag gab. Es stellte sich heraus, dass er recht hatte. Der Raum ist in den Freer + Sackler Galleries in Washington, DC, vollständig erhalten.

San Rocco 1879-1880, Kreide und pastell auf braunem papier, 11 13/6 x 6 3/8. Sammlung der Öffentliche Bibliothek von Boston Druckabteilung, Boston, Massachusetts.

Schlafende Frau Ca. 1863 Kreide und Holzkohle auf cremefarbenes Velin gelegt unten auf der Karte, 9 13/16 x 6 15/16. Sammlung Nationale Kunstgalerie, Washington, D. C.

Die meisten von Whistlers Zeichnungen, die gegen Ende der 1870er Jahre entstanden, waren Porträtskizzen - er schien mit Aufträgen beschäftigt zu sein und im Allgemeinen eine lebhafte Figur in der Londoner Szene zu machen. Er stellte auch seine Nocturnes aus, und es war die vitriolische Kritik, die John Ruskin, der bedeutendste Kritiker dieser Zeit, an einem dieser Werke gab, die den berühmten Rechtsstreit auslöste. Das fragliche Gemälde trug den Titel Nocturne in Schwarz und Gold: Die fallende Rakete und zeigte eine lose gemalte Wiedergabe von Feuerwerkskörpern über den Cremorne Gardens, einem bekannten Vergnügungsgarten in London. Ruskin schrieb über das Gemälde: „Ich habe schon viel von Cockneys Unverschämtheit gesehen und gehört; Aber ich hätte nie erwartet, dass ein Steuermann zweihundert Guineas darum bittet, der Öffentlichkeit einen Topf Farbe ins Gesicht zu schleudern. “Whistler, der niemals vor einem Kampf zurückschreckte und zweifellos gute Publizität verspürte, beschloss, den Kritiker wegen Verleumdung zu verklagen. Obwohl es wie ein persönlicher Streit schien, war der Prozess wirklich eine Konfrontation zwischen zwei sehr unterschiedlichen Standpunkten. Seit den späten 1840er Jahren vertrat Ruskin eine im Wesentlichen realistische Herangehensweise an die Kunst und vertrat die Ansicht, dass das genaue Studium eines Teils der Natur die Gegenwart des Göttlichen offenbaren würde. Aus dieser Sicht hat das realistische Unternehmen eine sehr moralische Dimension. Whistler legte in seinem 1885 gehaltenen „Ten O'Clock Lecture“einen ganz anderen Standpunkt dar. „Dass die Natur immer Recht hat, ist eine Behauptung, die künstlerisch ebenso unwahr ist wie eine, deren Wahrheit allgemein als selbstverständlich angesehen wird. Die Natur ist sehr selten in einem solchen Maße richtig, dass man fast sagen könnte, dass die Natur normalerweise falsch ist: Das heißt, der Zustand von Dingen, die die Perfektion der Harmonie bewirken sollen, die eines Bildes würdig ist, ist selten und nicht überhaupt gemeinsam."

Der kleine Rückkanal 1879-1880, Kreide und Pastell auf braunem Papier auf Papier aufgezogen, 10 13/16 x 8.

Studie für Variationen in Fleischfarbe und Grün: Der Balkon 1864-1865, Aquarell und Gouache auf Buff Velin, 24¾ x 9 11/16. Sammlung Hunterian Art Gallery an der Uni von Glasgow, Glasgow, Schottland.

Während des Prozesses wurde die Öffentlichkeit zu einer lebhaften Debatte über das Wesen von Qualität und Wert in der Kunst eingeladen, obwohl Ruskin selbst nicht teilnehmen konnte, nachdem er kürzlich einen Nervenzusammenbruch erlitten hatte. Whistler applaudierte aus dem Gerichtssaal, als er behauptete, dass er nicht 200 Guineas für die Arbeit von zwei Tagen, sondern "für das Wissen eines Lebens" verlange. Der Künstler gewann den Anzug, erhielt aber nur einen Furz in Schadensersatz und keine Kosten. Und seine Rechtskosten waren enorm. Zu seinen finanziellen Nöten trug auch die zunehmende Verschuldung für den Bau seines Weißen Hauses in Chelsea bei, einer Palaststruktur, die weit über das Budget hinausging. Ende 1879 wurde er für bankrott erklärt, und die Gerichtsvollzieher zogen ein und beschlagnahmten Gemälde und wertvolle Besitztümer. Whistler war erschüttert und gedemütigt, aber er war noch lange nicht fertig. Er erhielt von der Fine Art Society den Auftrag, Radierungen von Venedig anzufertigen, und verließ London gern für ein Jahr.

Whistlers Zeit in Venedig war wahrscheinlich die kreativste und freudigste Zeit seines künstlerischen Lebens. Die Stadt mit ihren schimmernden Kanälen, dem dichten, dunstigen Licht und den prächtigen Oberflächen war das perfekte Motiv für die zarte, suggestive und fast ätherische Vision, die Whistler kultivierte. Während seines Aufenthalts fertigte der Künstler auf braunem Papier mit schwarzer Kreide und Pastell mehr als 100 Zeichnungen an. Bei Sonnenuntergang, zum Beispiel in Rot und Braun, verwendete der Künstler ein dunkelbraunes Papier als Folie für seine zarten gelben und blauen Farbtöne, um eine beachtliche Leuchtkraft mit größtmöglicher Wirtschaftlichkeit zu erzielen. Wie bei vielen Stücken dieser Reise ließ er einen großen Teil des Papiers unberührt. Eine ähnliche Strategie wurde in der venezianischen Szene verfolgt, wo ein helleres rotbraunes Papier für eine Tageslichtszene verwendet wurde. Hier wurde der Himmel mit kräftigen Pastellstrichen festgesetzt, während der Vordergrund mit Gondel und Dock nur leicht angedeutet wurde. Einige der Zeichnungen sind gleichmäßiger aufgebaut als in San Rocco - die gesamte Szene eines schmalen Kanals und einer Brücke bildete eine solide Wiege für die prächtige Farbe an den Wänden in der Ferne. In The Little Back Canal zeigte Whistler seinen exquisiten Tastsinn, webte geschickt einen Strang aus schnell platzierten Linien und fügte nur ein paar köstliche Farbflecken hinzu. In einigen Zeichnungen erreichte Whistler eine fast wundersame Balance zwischen Realismus und dekorativem Glanz, wie in San Giovanni Apostolo und Evangelista, was dem Betrachter einen soliden Eindruck von dekorativem Mauerwerk hinterließ, selbst wenn man sich an der fast schwerelosen Qualität der Linie erfreut. Einige der Zeichnungen, insbesondere eine Reihe von Sonnenuntergängen, die aus der Riva degli Schiavoni stammen, untersuchen die Auswirkungen von Farben auf abenteuerlichere Weise als alle früheren Arbeiten von Whistler. In Salute-Sundown mischte der Künstler ein zartes Rosa am Himmel und Wasser gegen ein stahlviolettes Grau in der Skyline der Stadt, um ein umfassendes und ziemlich magisches Licht zu erzielen. Seine vielleicht romantischste Zeichnung aus Venedig ist Sunset: Red and Gold - The Gondolier, in der eine schattenhafte Figur im Vordergrund eines nebligen Sonnenuntergangs über San Giorgio gezeigt wird. Hier ist die Zeichnung im Vordergrund ganz in Ton gehalten, während der Hintergrund ganz in Farbe gehalten ist. Die beiden Welten werden durch das hellrosa Braun des Papiers vereint.

San Giovanni Apostolo et Evangelista 1879-1880, Kreide, Holzkohle und Pastell auf braunes Papier, 11¾ x 7 15/16. Sammlung der Freer + Sackler Galleries Früher Washington, D. C.

Nelly 1867-1870, Kreide auf blaues Bütten, 8 7/16 x 5 9/16. Sammlung der Freer + Sackler Galerien, Washington, D. C.

Whistlers Radierungen von der Venezianischen Reise sind seine schönsten. Es gelang ihm, die ätherische Qualität seiner Pastelle in eine zarte grafische Linie zu übersetzen, die von der Seite zu schweben scheint. In The Riva, No. 2 baute er eine riesige Menge von Gebäuden und Meer mit zahlreichen Figuren aus, um einen starken Eindruck von Licht, Bewegung und Dichte zu erzeugen. Betrachtet man jedoch tatsächlich die Details des Drucks, so gibt es fast keine soliden Informationen. Alles wird angedeutet und angedeutet, aber nichts wird wirklich vollständig beschrieben. Die Radierungen wirken eher wie Erinnerungen, schnelle Einblicke in die Gedanken nach einem exotischen Urlaub.

Whistler kehrte Ende 1880 nach London zurück und ging von da an einen weitgehend erfolgreichen - und stets ereignisreichen - Weg. Obwohl die anfängliche Rezeption seiner venezianischen Radierungen lauwarm war - ein Kritiker beklagte sich über "die Abwesenheit, anscheinend die Formen des Wassers zu zeichnen" -, begann sich das Werk zu verkaufen. Inzwischen häuften sich die Porträtaufträge, und der Künstler erwarb den jungen und begabten Walter Sickert als Student. Er gewann auch die Freundschaft von Oscar Wilde und sein Studio war mehr denn je ein Ort, an dem eine Gruppe junger brillanter Künstler und Schriftsteller sich trafen und Ideen austauschten. Whistler war mehr unterwegs - in den Lake District, nach Paris, nach Amsterdam - und vervollständigte immer mehr Aquarelle.

Im Studio 1865, Aquarell und Gouache auf braunem Papier an Bord montiert, 11 5/16 x 7¼. Sammlung das Detroit Institute of Kunst, Detroit, Michigan.

In den 1880er Jahren konzentrierte sich Whistlers Porträtarbeit zunehmend auf die einzelne stehende Figur. Lady in Grey, gemalt in Gouache auf braunem Papier, zeigt die Strategie des Künstlers. Das Modell taucht vor einem dunklen Hintergrund auf, während das Hochformat die Aufmerksamkeit auf ihre Haltung und Haltung lenkt. Und wie immer in Whistlers Werken sind es diese Informationen über die Disposition des gesamten Körpers und nicht die sorgfältige Darstellung des Gesichts, die uns am meisten über das Thema erzählen. Dabei überzeugt die leicht hochmütige, selbstbewusste und selbstbewusste Stilsicherheit des Darstellers erstaunlich.

Gruß - Sonnenuntergang 1880, Kreide und Pastell auf braunem Papier, 7 7/8 x 10 9/16. Sammlung der Hunterian Art Gallery Früher die Universität von Glasgow, Glasgow, Schottland.

Die Geschichte von Whistler in den späten 1880er und 1890er Jahren erfreut sich wachsender Beliebtheit: Medaillen, Aufträge, weitläufige Ausstellungen und ein immer größerer Kreis von Freunden und Feinden. Er genoss es, mit seinen Kritikern in der Presse zu diskutieren und heiratete schließlich, wobei er sich für Beatrice Godwin entschied, die Witwe des Architekten EW Godwin. In der Tat sind die bewegendsten Zeichnungen von Whistlers späten Jahren diejenigen, die er von seiner Frau Beatrice während ihrer langen und tödlichen Krankheit gemacht hat. Seine Lithografie By the Balcony zeigt seine Frau, wie sie aus einem Tagesbett frische Luft genießt. Die anmutige Linie fängt den unangenehmen Rest der kranken Frau ein, während der tiefe Schatten hinter ihrem Kopf die Luft und das Licht des Stadtbildes im Hintergrund perfekt ausbalanciert. Dieses einfache Design suggeriert auf beredte Weise den Kampf zwischen Leben und Tod.

Whistlers Frau starb 1896, und der Künstler arbeitete einige Zeit später einigermaßen unruhig. Er reiste trostlos an die Südküste Englands und gelegentlich nach Europa und fertigte Aquarelle und Skizzen an. Preise und Auszeichnungen häuften sich weiterhin an, aber seine kreativsten und produktivsten Jahre lagen hinter ihm. Whistler starb 1903.

Sonnenuntergang: Rot und Gold - Der Gondoliere 1880, Kreide und Pastell auf braunem Papier, 7 7/8 x 10 9/16. Sammlung des Fogg Art Museum an der Harvard University, Cambridge, Massachusetts.

Dame in Grau 1883-1884, Gouache auf braunem Papier auf Karton aufgezogen, 7 7/8 x 10 9/16. Sammlung der Hunterian Art Gallery, der University of Glasgow, Glasgow, Schottland.