Viele großartige Landschaftszeichnungen entstanden als Vorstudien, pädagogische Übungen oder Informationszeitschriften und nicht als fertige Kunstwerke. Wir können nun diese frei erstellten grafischen Bilder untersuchen, um Beweise für die Zeichnungsgrundlagen, Ideen und Verfahren zu erhalten, die diese Künstler entwickelt haben.
von M. Stephen Doherty
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| Hirtenszene mit klassischen Figuren
von Claude Gellée (genannt Claude Lorrain), ca. 1640–1645, Feder und Pinsel in Braun und Grau über Graphit auf cremefarbenem Bütten, 7 9/16 x 10 ?. Sammlung Das Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio. |
Blick auf die Acqua Acetosa
von Claude Gellée (genannt Claude Lorrain), ca. 1645, Feder und Pinsel in Braun und Grau über Graphit auf cremefarbenem Bütten, 10 3/16 x 15 15/16. Sammlung Das Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio. |
Die Geschichte der Kunst wird oft aus Beweisfetzen und reinen Spekulationen zusammengesetzt, und Zeichnungen sind häufig die wertvollsten Ressourcen bei der Durchführung dieser Art von Untersuchungen. Wenn jemand beispielsweise Dutzende von Einzelstudien für ein großes Fresko entdeckt, versteht er alle verschiedenen kompositorischen Ideen, die der Künstler in Betracht gezogen hat, bevor er die fertige Dekoration ausführt. Und wenn eine sorgfältig detaillierte Graphitstudie mit einem Gemälde zweier kriegführender Götter verknüpft ist, können Wissenschaftler sehen, wie der Künstler Studiozeichnungen von Mietmodellen in ein emotional aufgeladenes Gemälde des höchsten Konflikts verwandelt.
Einige Landschaftszeichnungen alter Meister wurden von den Künstlern aufpoliert, um sie als Teil eines Vorschlags an einen potenziellen Kunden zu verwenden. Sie wurden kopiert, um mehrere Sammler zufrieden zu stellen, die jeweils die gleiche Zeichnung wollten, oder als Geschenk an einen Förderer der künstlerische Laufbahn. Aber selbst diese raffinierten Zeichnungen beeindruckten ihre Besitzer nicht als großartige Kunstwerke, wie die Tatsache belegt, dass die Sammler sie selten in den Bestandsverzeichnissen ihrer Bestände aufführten. Selbst wenn Auktionshäuser die Landschaftszeichnungen zum Verkauf anboten, tendierten sie dazu, sie zu gruppieren, um sie als Los und nicht als einzelne Schätze zu verkaufen.
Für diejenigen von uns, die versuchen, ihre Fähigkeiten als Künstler zu verbessern, gibt es viel zu lernen, sowohl aus den abgelegten Studien als auch aus den polierten Zeichnungen. Und Landschaftszeichnungen gehören oft zu den interessantesten Zeugnissen über die Gedanken und Methoden der alten Meister, die wir bewundern. Sie sind wie der erste Entwurf eines Romans, die unbearbeitete Version einer öffentlichen Rede oder die unveränderte Partitur einer Symphonie. Sie liefern wertvolle Erkenntnisse, die uns helfen, unsere eigenen Fähigkeiten zur Schaffung von Kunst zu erweitern.
Das Zeichenmagazin wählte eine Gruppe von Meisterzeichnungen aus, um sie zu überprüfen, wobei jede Gelegenheit bot, einen wichtigen Aspekt der Kräfte des Künstlers zu erkunden. Alle sind in Büchern wiedergegeben, die noch in gedruckter Form vorliegen, und einige sind derzeit in der National Gallery of Art in Washington, DC, zu sehen.
Agostino Carracci (1557–1602): Von der Natur lernen
Agostino Carracci hatte zusammen mit einem älteren Bruder und einem Cousin einen starken Einfluss auf die Entwicklung des Barockstils der Kunst des späten 16. und frühen 17. Jahrhunderts in Italien aufgrund der Bilder, die sie ausführten, und, vielleicht noch entscheidender, aufgrund der viele Schüler haben sie ausgebildet. Zu den wichtigsten Lektionen, die Carracci jungen Künstlern anbot, gehörte der Wert des Zeichnens direkt aus der Natur, wie diese schnell durchgeführte, ausdrucksstarke Studie über ineinandergreifende Bäume zeigt. Man kann fast spüren, wie der Wind durch die Blätter weht, die mit einer Reihe gekräuselter Linien gezeichnet sind, die in einem horizontalen Muster gestreckt sind. Und die Äste erhalten eine Dimension mit Linien, die der natürlichen Krümmung ihrer Form folgen und so das Spiel von Licht und Schatten betonen.
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| Bäume
Ca. 1590, braune Tinte, 7 7/16 x 5 11/16. Privatsammlung. |
Wie viele Künstler, die sich durch das Zeichnen mit einem Federkiel auszeichneten, hat Carracci einige Jahre damit verbracht, seine Fähigkeiten als Druckgrafiker weiterzuentwickeln. Die Stärke und Kontrolle, die zum Manipulieren einer Ätznadel oder eines Gravurkerns erforderlich sind, erwies sich für Künstler als nützlich, wenn sie eine geschnitzte Feder in den Händen hielten und unterschiedlichen Druck ausübten, um die Breite einer eingefärbten Linie entweder zu vergrößern oder zu verkleinern. Man kann sich vorstellen, dass Carracci, als er unter einem Baum saß und ohne vorläufige Linien aus Graphit oder Kohle zeichnete, seinen Stift mühelos um die Form der Blätter und Zweige herumführte, den Druck erhöhte, während sich die Schatten vertieften, und ihn verringerte, als das Sonnenlicht die linke Seite berührte eines Stammes oder Blattes.
Die meisten in dieser Zeit gemachten Zeichnungen betonten die Linie über dem Ton, so dass Tinte ein sehr geeignetes Medium war, um Zeichnungen zu machen. Die Bilder hätten eine größere Stärke und Beständigkeit in Tinte als in Kohle oder farbiger Kreide, insbesondere wenn die Zeichnungen in Skizzenbüchern angefertigt würden, deren Seiten aneinander reiben würden, wenn der Künstler sie von Ort zu Ort trug.
Da Künstler ihre Skizzenbücher oft zu jeder Zeit bei sich hielten und sich häufig Notizen über eine Landschaft, eine Figur oder ein Gebäude machten, die ihre Aufmerksamkeit auf sich zogen, brachen die Bindungen, die die Bücher zusammenhielten, oft auseinander und mussten mit neuen Papierstreifen repariert werden oder Leder. Manchmal banden die Künstler verschiedene Sätze von Zeichnungen zusammen, anstatt einfach ein Skizzenbuch mit seinen Originalseiten zu reparieren. Möglicherweise möchten sie alle ihre Landschaftszeichnungen zur leichteren Bezugnahme in einem Folio zusammenfassen. Oder sie möchten möglicherweise Seiten entfernen, die verschmutzt oder unbenutzt waren, als sie die Blätter in einem neuen Buch zusammenklebten.
Thomas Gainsborough (1727–1788): Befreiung der Zeichnung von der Malerei
Bei den meisten großen Meistern besteht eine direkte Entsprechung zwischen Thema und Stil ihrer Zeichnungen und Gemälde. Porträtmaler wie John Singer Sargent machten Hunderte von Kohleporträtzeichnungen; Meister großer figurativer Kompositionen wie Tiepolo schufen Dutzende von Tuschezeichnungen erfundener Menschen, die sich im Raum verdrehten. und Maler pastoraler Landschaftsszenen wie Claude Lorrain zeichneten Landschaften mit den gleichen Kompositionsarrangements wie in seinen ruhigen, am späten Nachmittag gemalten Ansichten.
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| Bewaldete Landschaft Mit Einem Bach
Ca. Mitte der 1780er Jahre, schwarz und weiß Kreide auf grau-blauem Papier. Privatsammlung. |
Es ist daher bemerkenswert, dass ein Künstler wie Thomas Gainsborough, der für seine Porträts englischer Herren und Damen bewundert wurde, den Akt des Zeichnens als Gelegenheit betrachtete, neue Materialien, Konzepte und Ausdrucksstile zu erkunden. Dieses Beispiel seiner experimentellen Kreidezeichnungen ist derzeit in der National Gallery of Art unter dem Titel „Private Schätze: Vier Jahrhunderte europäischer Meisterzeichnungen“zu sehen Drucke in der Morgan Library & Museum, wo die Ausstellung in New York City entstand, kommentieren: „Obwohl [Gainsborough] gelegentlich Studien zu Porträts anfertigte, dominieren Landschaften in den Zeichnungen des Künstlers und er schuf im Laufe seiner Karriere Hunderte von Skizzen. Die Arbeit auf Papier gab ihm die Freiheit, mit unkonventionellen Medienkombinationen zu experimentieren und die Natur zu seinem eigenen Vergnügen zu studieren und aufzuzeichnen, unabhängig von formalen Aufträgen. “
Tonkovich vergleicht diese Zeichnung von Gainsborough mit „der idealen Tradition von Claude Lorrain. Er verzichtet auf die konventionellen Mittel, die Szene mit Bäumen zu gestalten und einen zentralen Fokus zu setzen. er zeigt auch keine Spur von menschlicher oder tierischer Präsenz, außer dass es sich um ein einsames Schaf handelt, das mit äußerster Kürze auf dem Hügel links gezogen wurde. Gainsborough führte das Blatt mit einer Schicht rhythmischer, diagonaler Kreidestriche aus, die den Schub der Landschaft betonen. Die weichen, abgerundeten Merkmale der Felsen und Bäume sowie das gefiederte Oberflächenmuster lassen eine üppige, dramatische Kulisse entstehen, in der die Landschaften der britischen Romantikschule vorgezeichnet sind. “
Man kann leicht verstehen, wie ein Künstler, der den größten Teil seiner künstlerischen Fähigkeiten dem Dienst an der englischen Gesellschaft widmete, gerne experimentelle Zeichnungen anfertigte. Höchstwahrscheinlich hätte er seinen Verstand verloren, wenn er keine Erleichterung von schmeichelnden Herzögen und Witwen gefunden hätte.
Thomas Cole (1801–1848): Den Beobachtungen Emotionen verleihen
Obwohl Thomas Cole als einer der Gründer der Hudson River School - der ersten einheimischen Kunstschule in Amerika - sehr geschätzt wird, wirken seine Gemälde oft übermäßig sentimental, moralisch und übertrieben. Zum Beispiel zeigt ein Zyklus von Gemälden, Die Reise des Lebens, das Leben eines Mannes vom Säuglingsalter bis ins hohe Alter, während er auf einem Fluss reist, der sich von einem ruhigen Strom zu einem katastrophalen Wasserfall und schließlich zu einem dunklen Ozean entwickelt, der von bewacht wird Engel. Cole verwendet eine Reihe offensichtlicher Hilfsmittel - eine schwimmende Wiege, eine Flussgabelung, einen dunklen Sturm -, um über die Folgen von Alter, schlechtem Urteilsvermögen und mangelnder Tugend zu predigen.
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Ein Blick auf den Berg Pass nannte die Kerbe in den Weißen Bergen 1839, Öl, 40 3/16 x 61 5/16. Sammlung Nationalgalerie der Kunst, Washington, DC. |
Coles Landschaftszeichnungen wirken im Gegensatz zu seinen Gemälden wie keusche Naturstudien. Die linearen Graphituntersuchungen zeigen wenig Hinweise auf Erfindungen oder Übertreibungen, was darauf hindeutet, dass man wahrscheinlich immer noch genau bestimmen kann, wo er stand, als er die Landschaft in der Nähe seines Ateliers am westlichen Ufer des Hudson River in Catskill, New York, zeichnete. Nur wenn man eine Zeichnung mit dem Ölgemälde vergleicht, auf dem sie basiert, kann man verstehen, wie Cole seine Überzeugungen auferlegt hat - oder das Glaubenssystem einer jungen Nation, die versucht, sich von anderen abzuheben.
Das Thema dieser Zeichnung, Crawfords Notch in den White Mountains von New Hampshire, war der Ort einer tragischen Lawine, die Samuel Willey, seiner Frau, ihren fünf Kindern und zwei angeheuerten Männern das Leben kostete. Willey hatte eine Schutzhütte entfernt vom Fuß des Berges errichtet, in der er und seine Familie sicher wären, wenn ein solches Ereignis einträfe, doch am 28. August 1826 zerstörten die abgelenkten Felsbrocken die Schutzhütte und verschonten das Haus. Cole besuchte die Stätte zwei Jahre nach dem Ereignis und kehrte 1839 zurück, um das genaue Erscheinungsbild von Berg, Tal und Heimat zu zeichnen.
Als Cole in sein Atelier zurückkehrte, um ein Gemälde auf der Grundlage der Zeichnung zu schaffen, begann er, die Komposition zu verschieben, Figuren hinzuzufügen und die Wetterbedingungen zu erfinden. Ein Mann reitet jetzt auf einem Pferd, das die Gefahr spürt, an einem symbolisch toten Baum vorbei, ein Vater und seine Kinder kommen aus dem Haus, um den Reiter zu begrüßen, und auf dem Gipfel des Berges platzen Regenwolken, die die tragischen Ereignisse auslösen.
Es wurde postuliert, dass Coles Hinzufügungen und Änderungen teilweise durch Nathaniel Hawthornes fiktionalen Bericht über die Willey-Katastrophe nahegelegt wurden. Hawthornes Kurzgeschichte, The Ambitious Guest, macht die Naturkatastrophe zu einem Tag der Abrechnung für Willey und seine Töchter, die hofften, dass ihr Besucher ihnen helfen könnte, ihre egoistischen Ambitionen zu verwirklichen. In ihrem Buch Die Anatomie der Natur: Geologie und amerikanische Landschaftsmalerei, 1825–1875 (Princeton University Press, Princeton, New Jersey) schreibt Rebecca Bedell: „Da Cole begierig nach literarischen Assoziationen mit den von ihm gemalten Orten gesucht hat, ist dies wahrscheinlich er hätte Hawthornes Geschichte gekannt. “Bedell verweist auf einen weiteren Zyklus von Gemälden von Cole, The Course of Empire, der zeigt, dass„ es Stolz und Ehrgeiz (unter anderen Sünden) sind, die den Fall des Reiches herbeiführen. Hawthornes Geschichte weist auf die gleiche Lehre hin, die Idee, dass Stolz und Ehrgeiz einem Sturz vorausgehen. “
Ein Vergleich zwischen Coles vorläufiger Zeichnung und dem resultierenden Gemälde ist wie das Studium der Entwicklung eines Illustrationsmagazins von JC Leyendecker oder Norman Rockwell. Das Rohmaterial einer Zeichnung von Live-Modellen wird geändert, um eine Geschichte zu erzählen, die schnell verstanden werden kann. Gesten, Gesichtsausdrücke und Körperpositionen werden angepasst, um die aufschlussreichste Episode in der Geschichte hervorzuheben und die emotionale Wirkung der zugrunde liegenden Botschaft zu verstärken. In Coles Fall sind menschliche Gesten, natürliche Formen und Wetterbedingungen die Elemente, die verwendet werden, um dieses Gefühl von Drama zu verstärken.
William Stanley Haseltine (1835–1900): Konzentration auf bedeutende und verkaufsfähige Ansichten
Obwohl alle Künstler es vorziehen, Motive zu zeichnen und zu malen, die sie interessieren, müssen diejenigen, die Landschaftsbilder verkaufen wollen, mit mehreren gemeinsamen Erwartungen bei potenziellen Käufern umgehen. Zum einen bevorzugen Sammler Landschaften mit historischer, geologischer, ökologischer oder persönlicher Bedeutung. und das andere ist, dass wohlhabende Individuen dazu neigen, sich zu denselben exklusiven Orten zu bewegen. Dies war im 19. Jahrhundert der Fall, als Thomas Moran und James Abbott McNeill Whistler Hunderte von Drucken, Zeichnungen und Gemälden von Venedigs Lieblingsstadt verkauften. und es ist heute wahr, wenn Künstler Bilder von wohlhabenden Gemeinden wie Palm Beach, Santa Fe und Carmel by the Sea verkaufen. Die Seitenstraßen von Podunk mögen Maler faszinieren, aber es ist unwahrscheinlich, dass Sammler ihre Begeisterung für das raue Aussehen einer unbedeutenden Stadt teilen.
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| Felsen bei Nahant
Ca. 1864, Graphit und Aquarell, 14¼ x 20. Sammlung Museum of Fine Künste, Boston, Boston, Massachusetts. |
Es war kein Zufall, dass Haseltine Dutzende von detaillierten Zeichnungen von Felsformationen entlang der Küste in Nahant, Massachusetts, anfertigte, der modischen Sommer-Wasserstelle für wohlhabende Bostoner mit geologischer Bedeutung. Höchstwahrscheinlich entdeckte Haseltine die Küste während seines Studiums an der Harvard University, wo er Mitglied der Harvard Natural History Society war. Louis Agassiz war Dozent am College und brachte seine Naturkundeschüler häufig nach Nahant, um ihnen eisgescherte, polierte Gesteine vulkanischen Ursprungs zu zeigen, die als die ältesten der Welt galten.
Diese besondere Küste erwies sich als perfektes Motiv für Haseltines präzise Zeichnungen und Ölgemälde, denn er glaubte, „alles in der Natur ist es wert, gemalt zu werden, vorausgesetzt, man hat die Bedeutung entdeckt. Das Bild wird dann seine eigene Geschichte erzählen. “So viele wohlhabende Kunstsammler interessierten sich für die Geschichte, die Haseltines Nahant-Bilder erzählten, dass er der Nachfrage nach ihnen kaum nachkommen konnte.
Haseltine verwendete Zeichenmaterialien und -techniken, die seit Jahrhunderten von Künstlern verwendet werden. Er arbeitete auf blau oder grau getöntem Papier mit dunklem Graphit oder Kohle und fügte dann Glanzlichter mit weißer Kreide hinzu. Mit nur zwei Zeichenmaterialien konnte er effektiv drei separate Werte entwickeln. Obwohl Haseltines Zeichnungen im Allgemeinen gut erhalten sind, haben sich viele andere Zeichnungen auf farbigem Papier verschlechtert. Sehr oft wurden diese Papiere mit flüchtigen Farben gefärbt, die im Laufe der Zeit verblassten oder sich änderten, oder die für die Zeichnung verwendete Tinte erwies sich als instabil und die Bilder verloren an Kontrast. Am besten erhalten sind Zeichnungen, bei denen der Künstler die Oberfläche zuerst mit einem professionellen Aquarell, Kasein oder Gouache abtönt und dann die dunklen und hellen Markierungen auf diese Mitteltonfarben aufträgt. Die beliebtesten Farben waren Blau, Hellbraun, Grau und Grün. Heutzutage gibt es eine Reihe von Archivpapieren, die den Künstlern zum Landschaftszeichnen zur Verfügung stehen. Einige davon sind in Skizzenbüchern zusammengefasst und bieten Blätter mit drei oder vier verschiedenen Farboptionen. Zum Beispiel fertigt Fabriano sowohl das Fabriano Quadrato Artist's Journal als auch die Artist's Journal-Blöcke mit bis zu 12 verschiedenfarbigen Bütten, die sich ideal für farbige Landschaftszeichnungen eignen. und Legion stellt sein vielseitiges Stonehenge-Papier in verschiedenen subtilen Farbtönen her, die sich perfekt zum tonalen Zeichnen in Graphit, Kohle oder Kreide eignen.
Daniel Garber (1880–1958): Interpretation von Fotografien
Der in Indiana geborene Künstler Daniel Garber schloss seine Ausbildung an der Cincinnati Art Academy und der Pennsylvania Academy of the Fine Arts in Philadelphia zu einem entscheidenden Zeitpunkt in der Geschichte der amerikanischen Kunst ab. Die Maler waren stark von den französischen Impressionisten beeinflusst, die sie während ihres Studiums in Europa kennengelernt hatten oder deren Bilder von amerikanischen Sammlern erworben wurden. und sie waren fasziniert von den Möglichkeiten, die die Fotografie ihnen bot.
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| Der Steinbruch
Ca. 1917 holzkohle 16 x 20. Sammlung der Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, Pennsylvania. Geschenk des Künstlers. |
Steinbruch
1917, Öl, 50 x 60. Sammlung der Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia, Pennsylvania. Joseph E. Temple Fund. |
Garber reagierte auf beide Kräfte und entwickelte eine interessante Methode, um seine Fotografien als Quelle für stark strukturierte Tonzeichnungen zu verwenden, die der impressionistischen Ästhetik entsprachen. Erstens neigte er dazu, auf Büttenpapier zu arbeiten, das relativ dünn und dick war und ein ausgeprägtes lineares Gewebe aufwies. Ein Bütten wie Fabriano Roma ahmt die durchgehenden Farbtöne auf einem Foto viel seltener nach als ein weiches Papier aus Schimmelpilzen wie Legion Stonehenge oder Rives BFK. Ein Blatt Büttenpapier, das häufig mit Schreibwaren in Verbindung gebracht wird, eignet sich am besten für Zeichnungen mit subtilen Farbtönen, anstatt für solche, die tiefe, stark bearbeitete dunkle Passagen erfordern.
Der Künstler hat sein Zeichenwerkzeug auch so gehandhabt, dass Farbflecken statt fester, kantiger Formen zurückblieben. Garber hat sich vielleicht ein Foto angesehen, um die räumlichen Beziehungen in der Szene zu verstehen, aber er hat diese Beziehungen interpretiert, als er seine Zeichnung entwickelte. Dasselbe gilt für die Methoden, mit denen Monet das Erscheinungsbild eines Gartens oder eines Heuhaufens erfasst. Der Franzose trug separate Farbstücke auf, die aus der Ferne zusammenflossen.
Diese besondere Zeichnung eines Steinbruchs war die Quelle für eines von Garbers Ölgemälden, und das Thema taucht in mehreren seiner Radierungen wieder auf. Der Steinbruch bot ihm die Gelegenheit, die Auswirkungen des Lichts auf eine tiefe Gletscherspalte, einen wogenden Berg und einen Körper aus reflektierendem Wasser zu untersuchen. Interessanterweise haben sich andere Künstler für Steinbrüche als Gegenstand ihrer Malerei interessiert, vermutlich, weil die Standorte eine Vielzahl von Landschaftsformen auf kleinem Raum boten und weil sie ein Maß an Privatsphäre boten, das man an einem Meeresstrand oder einem öffentlichen See nicht finden konnte.
