Ein fertigeres Zeichnen ist möglich, wenn ein Modell über einen längeren Zeitraum posiert. Dieser Luxus ist jedoch mit besonderen Herausforderungen verbunden. Das Erkennen und Vorbereiten der potenziellen Fallstricke verbessert das Zeichnen von Figuren.
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von Dan Gheno
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| Akademische Zeichnung einer stehenden Frau, Frontalansicht
von Taylor, Kohle, 24 x 18 ½. Sammlung Die Kunststudentenliga von New York, New York, New York. Obwohl es sich um eine hochqualifizierte Akademie handelt, betont dieses Bild die dem Modell zugrunde liegende Geste. Beachten Sie, wie der Künstler die Geste im locker gerenderten Torso auf der linken Seite der Zeichnung testete und verstand. |
Schiefe Figur (Claudia)
von Dan Gheno, 2007, Graphit, 24 x 18. Sammlung des Künstlers. |
Für einige Künstler, die die Figur aus dem Leben zeichnen möchten, kann eine einstündige Pose wie eine Ewigkeit erscheinen, während sich eine vierwöchige Pose für andere wie vier Augenblicke anfühlt. Egal wie Sie eine „lange Pose“definieren, es dauert nur ein paar Sekunden, um eine vielversprechende oder fast fertige Zeichnung zu ruinieren. Es ist wie ein Kick in Ihrem Bauch, wenn Sie feststellen, dass Sie den Punkt ohne Wiederkehr überschritten haben, an dem das Papier auseinanderfällt und es nicht durch Löschen, zusätzliches Rendern oder Hinzufügen von Linien gespeichert wird.
Wie retten Sie sich also vor diesem schrecklichen Schicksal? In diesem Artikel werde ich die vielen Fallstricke skizzieren, denen Sie wahrscheinlich begegnen, wenn Sie eine Stunde oder länger an einer Zeichnung arbeiten. Wichtiger noch, ich werde einige der vielen Strategien beschreiben, die Sie anwenden können, um diese Landminen zu vermeiden und Ihre Zeichnungen frisch und lebendig zu halten. Alle Taktiken auf dieser Liste sind gleichermaßen wichtig und werden in keiner bestimmten Reihenfolge von Bedeutung dargestellt. Sie sollten versuchen, sie gleichzeitig zu berücksichtigen, wenn Sie eine lange Pose zeichnen, mit Ausnahme des transzendenten, alles entscheidenden ersten Punkts, den Sie berücksichtigen sollten, bevor Sie mit dem Zeichnen beginnen: Definieren Sie Ihre Ziele!
Tore
Skizzieren Sie eine Erkundungsstudie für ein Gemälde, zeichnen Sie eine akademische Studie oder produzieren Sie eine Komposition für sich selbst als Kunstobjekt? Zum Beispiel haben die Alten Meister der Renaissance und des Barock viele hochglanzpolierte Figurenzeichnungen als Studien für ihre Gemälde angefertigt. Es mag so aussehen, als hätten sie lange gearbeitet, aber zum größten Teil arbeiteten sie ziemlich schnell und versuchten, Anatomie- und Proportionsprobleme, die auf ihren fertigen Leinwänden auftreten könnten, vorherzusehen und zu beheben Sie zögerten nicht. Diese Künstler hatten ein festes Ziel vor Augen und hörten auf, als sie ihr Ziel erreicht hatten. Sie schufen kraftvolle, lebenserfüllte Zeichnungen, die im Übrigen als eigenständige, vollendete Kunst erfolgreich sind.
Andererseits möchten Sie sich beim Zeichnen einer akademischen Studie (oder Akademie) Zeit nehmen und sich langsam zum fertigen Produkt aufbauen. Wenn Sie Verknüpfungen verwenden, wird der pädagogische Wert dieser Übungen gemindert. Wenn Sie diese Übungen auf herkömmliche Weise ausführen, dauert die Durchführung durchschnittlich fünf aufeinanderfolgende Tage. Versuchen Sie, sich über Ihre Absichten im Rahmen einer Akademie klar zu werden. Versuchen Sie, etwas über Werte und Proportionen zu lernen? Wenn ja, sollten Sie, sobald Sie dieses Ziel erreicht haben, Ihre Zeit damit verbringen, alle Körner des Papiers auszufedern und auszufüllen? Oder ist es bei Ihrer derzeitigen Kompetenz besser, Ihre Zeit zu nutzen, um eine weitere Zeichnung zu beginnen, um Ihre visuellen Wahrnehmungsfähigkeiten zu fördern?
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| S tudy eines Galeerensklaven
von Annibale Carracci, ca. 1585, rote Kreide, 10¼ x 10 ?. Die Künstlerfamilie Carracci war eine starke Kraft in der Welt des Figurenzeichnens. Als die Renaissance in die undisziplinierten Exzesse der manieristischen Zeit überging, fürchteten sie, dass ihre neue Generation vergessen hatte, wie man die menschliche Form zeichnet. Sie gründeten die erste „Akademie“, die sich dem Studium und Zeichnen der Figur aus dem Leben widmete, um dieses wiederbelebte künstlerische Wissen an Mitkünstler des „reformierten“Barock weiterzugeben. |
Porträt von Marie-Gabrielle Capet, halblang, ein Glas in der Hand und auf einen Tisch gelehnt
von François-André Vincent, 1790, schwarz und weiß Kreide mit einem Hauch roter Kreide, 18? x 17¼. Sammlung Das Art Institute of Chicago, Chicago, Illinois. In der Pose dieses Models steckt eine großartige Geste. Viele frühe Künstler verwendeten Zahnspangen, um dem Modell zu helfen, solch schwierige Posen beizubehalten, oder zeichneten die Pose in Teile, um die Körpersegmente nach und nach zu einem fertigen Ganzen zusammenzufügen. |
Dann gibt es die Art des Langzeitzeichnens, die nur der Kunst zuliebe gemacht wird. Manchmal ist es bewusst und studiert, manchmal ist es impulsiv und ausdrucksstark. Häufig ist es realistisch und gelegentlich nicht objektiv, aber es wird fast immer mit leidenschaftlicher Leidenschaft erstellt. Künstler wie Alberto Giacometti und Rico Lebrun haben ihre Bilder oft überarbeitet, Linien und Wertformen eingefügt und herausgenommen. Manchmal ließen sie das Bild erscheinen, verschwanden und tauchten mit der Zeit wieder auf, bis sie sich mit den Ergebnissen wohl fühlten. Es gibt viele Gründe, sich lange mit einer Zeichnung zu beschäftigen. Wenn Sie Ihre Zeichnung mit Kraft und Überzeugung zeichnen möchten, wählen Sie einen Grund und bleiben Sie dabei.
Geste
Unabhängig von Ihren Zielen ist es wichtig, dass Sie beim Zeichnen ein sicheres Verständnis für die zugrunde liegende Geste der Figur haben. Es ist ebenso wichtig, diesen gestischen Look beizubehalten, wenn Sie tiefer in die Zeichnung vordringen und Werte und komplizierte Details rendern. Beachten Sie, wie Seurat seine Akademie auf entspannte, improvisatorische Weise begann und die Silhouette der Figur in Study for Man Standing, Palms Out locker festlegte. Er nahm einige geringfügige Anpassungen an der Geste vor, als er die fertige Zeichnung gerendert hatte, hielt sich jedoch an die großen Rhythmen, die durch die Figur gingen, und hielt beredt fest, wie die einzelnen Körperteile dazu tendieren, sich gegenseitig zu neigen. Denken Sie jedoch daran, dass Sie von einem lebenden, atmenden Menschen aus arbeiten. Als Reifenmodelle verlagern sie manchmal unbewusst ihr Gewicht in stehender Haltung von einem Bein auf das andere, wodurch die zugrunde liegende Geste verändert wird.
Messung
Viele Künstler haben große Schwierigkeiten, die gesamte Figur auf ihre Papiere oder Leinwände zu bringen. Es gibt keine Regel, die besagt, dass Sie die gesamte Figur zeichnen müssen, aber dies ist ein besonders erschreckendes Problem für Künstler, die eine Akademie zeichnen oder versuchen, mehrere Figuren in einem komplizierten perspektivischen Layout unterzubringen. In beiden Fällen finde ich es sehr hilfreich, den oberen, mittleren und unteren Rand der Figur auf meinem Papier zu markieren. Wenn man den Mittelpunkt der Figur findet, kann man sich von oben nach unten hin und her bewegen und in Richtung ihrer Mitte arbeiten. Viele Künstler kürzen unbewusst ihre Figuren, während sie sich gefährlich dem Grund der Zeitung nähern. Wenn Sie keine Zeit haben, die Zeichnung neu zu starten, und Sie keine andere Wahl haben, ist es besser, die Füße von der Seite laufen zu lassen, wobei alle anderen Körperteile korrekt proportioniert sind, als Ihr Modell in eine moderne Version zu verwandeln des kurzbeinigen Toulouse-Lautrec. In diesem frühen Stadium versuche ich, meinem Bauch so viel wie möglich zu vertrauen. Erst wenn ich mit der allgemeinen Platzierung und Wirkung der Figur zufrieden bin, beginne ich, mich auf einzelne Formen und Details einzulassen, und erst dann beginne ich, die Proportionen des Modells optisch zu messen. Am häufigsten verwende ich die Kopfgröße als Maßeinheit für den Rest der Figur. Es ist eine gute Idee, jede Ihrer Messungen mindestens zweimal zu wiederholen, um die Genauigkeit zu bestätigen. Vergleichen Sie dann Ihre Kopfmaße, indem Sie große anatomische Einheiten wie Beine gegen Arme, Rumpf gegen Beine und die Gesamtlänge der Figur gegen ihre Breite vergleichen.
In einer sitzenden Haltung kann ein Modell mit einer perfekten Haltung beginnen und dann einige Minuten später nach vorne sinken. Sie haben mehrere Möglichkeiten: Wenn Sie alleine arbeiten, bitten Sie das Modell, die Pose anzupassen und / oder mehr Pausen einzulegen, wenn die Pose schwierig ist. Leider ist es problematischer, wenn Sie in einer Gruppensituation zeichnen. Wenn Sie sich im Studio umsehen, werden Sie feststellen, dass Ihre Künstlerkollegen das Modell in verschiedenen Müdigkeitszuständen gezeichnet haben. Warten Sie am besten, bis das Modell nach einer fünfminütigen Pause die Pose wieder einnimmt. Nach der Aktualisierung kehrt das Modell wahrscheinlich zur ursprünglichen Geste zurück. Sie können Ihre Zeichnung auch anpassen, um die Pose widerzuspiegeln, wenn das Modell müde wird. Aber bleib dabei! Was auch immer Sie tun, ändern Sie niemals Ihre Zeichnung hin und her und versuchen Sie, die sich verändernden Bewegungen des Modells zu verfolgen.
Achten Sie immer darauf, den Mittelpunkt der Figur zu finden - wo immer sich dieser befindet (normalerweise in der Nähe des Schrittes der stehenden Figur). Und vergessen Sie nicht, es leicht auf Ihrem Papier zu markieren. Auf diese Weise wird der obere Teil Ihrer Figur größer, wenn Sie sich auf die Details konzentrieren, und Sie werden Ihren Fehler bemerken, bevor Ihnen das Papier für die Füße ausgeht.
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| Studie für einen stehenden Mann, Palms Out
von Georges Seurat, 1877, 23½ x 15. Privatsammlung. Beachten Sie die einfache, zarte Art und Weise, in der Seurat die Geste seiner Figur aufstellte. Am Anfang ist es fast eine leere Silhouette. |
Zwei Studien einer liegenden nackten Frau mit Blick nach rechts
von Jean-Auguste-Dominique Ingres, ca. 1813, Graphit, 10 x 10½. Sammlung des Louvre, Paris, Frankreich. Einige Künstler suchen absichtlich nach Verzerrungen in ihren gezeichneten Figuren und üben diese aus. In dem Versuch, eine „Idealisierung“hervorzurufen, die er für klassisch hielt, fügte Ingres regelmäßig Wirbel hinzu und milderte die Gelenke seiner menschlichen Probanden, um eine elegante Dehnung oder Glättung ihrer Formen zu erreichen. |
Einige Künstler verfolgen einen sehr strengen Ansatz, indem sie alles auf streng präzisen vertikalen und horizontalen Lotlinien messen. Dies kann einwandfrei funktionieren, wenn Sie aus einem Stillleben, Gipsabgüssen oder Fotos zeichnen. Wie wir jedoch bereits zuvor in Bezug auf die Geste des Modells bemerkt haben, kann sie beim Anwenden auf einen Menschen, insbesondere durch einen Anfänger, viel Verwirrung stiften. Zu Beginn der Pose, ob sitzend oder stehend, kann das Modell in einer sehr aufrechten Haltung beginnen, wobei die Länge der Figur eine bestimmte Anzahl von Köpfen misst. Am Ende der Posesitzung haben sich die Bereiche zwischen Hals und Schlüsselbein sowie der Raum zwischen Brustkorb und Becken stark zusammengedrückt, wobei möglicherweise ein oder mehrere Köpfe von der Gesamtlänge der Figur abgezogen werden.
Sie müssen wachsam bleiben, wenn Sie die Köpfe zählen. Zeichnen Sie nicht alles gegen Ende einer Pose neu, vorausgesetzt, Ihre anfänglichen Messungen sind nicht korrekt. Ich versuche zu berücksichtigen, dass das Modell beim Einsinken in die Pose auf natürliche Weise im Rumpf zusammensackt und den Kopf an festen Knochenteilen wie dem Brustbein, dem Becken oder den starren langen Gliedmaßen misst. Ich messe entlang der Längsachse jeder anatomischen Form, entweder in Verbindung mit oder anstelle der üblichen vertikalen und horizontalen Methode, und vermeide die flexibleren, kollabierbaren Bereiche des Körpers, wobei ich mich bei diesen lokalen Proportionen auf meinen Darm verlasse. Wenn Sie die starren Bereiche des Körpers richtig einschätzen, fällt es Ihnen in der Regel schwer, in den kollabierbaren Bereichen zu viele Fehler zu machen.
Vorhänge und Möbel können die Ursache für viel Ärger und Nachzeichnen sein. Wenn Sie eine sitzende Pose zeichnen, werden Sie feststellen, dass der Stuhl häufig gegen den Oberschenkel des Modells drückt und die Länge seines Oberkörpers scheinbar verkürzt. Versuchen Sie, den Oberkörper in Ihrer Zeichnung nicht unbewusst zu verlängern, um diesen Effekt zu kompensieren. Der gezeichnete Torso erscheint dem Betrachter jedoch zu kurz, wenn Sie nicht zumindest einen kleinen Hinweis auf das Stuhlkissen oder die Vorhangschicht auf dem Stuhl geben, wodurch die Figur noch mehr beschnitten wird.
Vorhänge und Möbel können die Ursache für viel Ärger und Nachzeichnen sein. Wenn Sie eine sitzende Pose zeichnen, werden Sie feststellen, dass der Stuhl häufig gegen den Oberschenkel des Modells drückt und die Länge seines Oberkörpers scheinbar verkürzt. Versuchen Sie, den Oberkörper in Ihrer Zeichnung nicht unbewusst zu verlängern, um diesen Effekt zu kompensieren. Der gezeichnete Torso erscheint dem Betrachter jedoch zu kurz, wenn Sie nicht zumindest einen kleinen Hinweis auf das Stuhlkissen oder die Vorhangschicht auf dem Stuhl geben, wodurch die Figur noch mehr beschnitten wird.
Objektivität
Je länger Sie arbeiten, desto schwieriger ist es, Ihre Objektivität aufrechtzuerhalten. Sie werden feststellen, dass es Zeiten gibt, in denen nichts richtig aussieht und keine Überarbeitungen zu funktionieren scheinen. Zuerst sieht der Kopf zu groß aus, dann sieht er nach dem Wechseln zu klein aus. Einfach ausgedrückt, fühlen Sie sich geblendet. Auch wenn Sie körperlich nicht müde sind, müssen Sie sich selbst anstrengen und den Zeichenvorgang unterbrechen, bevor dies auftritt. Das Modell ist nicht das einzige, das eine Pause braucht - Sie auch! Nehmen Sie sich Zeit für die Pausen zum Model, in der Regel fünf Minuten nach jeweils 20 Minuten Arbeit und eine längere Pause während einer dreistündigen Sitzung. Es ist auch hilfreich, wenn Sie Ihre Zeichnung mit einem Spiegel betrachten. Mit diesem einfachen Werkzeug, das seit der Renaissance verwendet wird, können Sie das Bild umkehren und die Proportionen Ihrer Figur mit ein wenig Objektivität betrachten. Überbeanspruchen Sie es trotzdem nicht, sonst verlieren Sie auch beim umgekehrten Bild Ihre Objektivität.
Revision Creep
"Revisionskriechen" tritt normalerweise auf, wenn Sie Ihre Objektivität verloren haben und sich weigern, eine Pause einzulegen. Vielleicht kennst du das Gefühl. Normalerweise fängt es harmlos genug an. Sie entscheiden, dass ein Körperteil etwas zu klein ist, und vergrößern es. Dann erkennen Sie, dass Sie andere Körperteile zum Ausgleich vergrößern müssen, und bevor Sie es wissen, haben Sie Ihre gesamte Figur auf eine größere Größe skaliert, und dieser erste Körperteil sieht wieder zu klein aus. Wie Sie wissen, kann es zu einem Kriechen der Revision kommen, selbst wenn Sie voll erregt und hellwach sind. Es ist hilfreich, eine Pause einzulegen und dann das Bild im Spiegel zu betrachten, bevor Sie größere Änderungen an einer vor wenigen Minuten gut aussehenden Figurenzeichnung vornehmen. Wenn das nicht funktioniert, schauen Sie in den Bereich neben dem vermeintlichen Problem. überraschend oft liegt das eigentliche Problem woanders. Betrachten Sie bei einem Auge, das zu groß aussieht oder zu nahe an der Nase zu stehen scheint, die angrenzenden Merkmale. Vielleicht ist die Nase zu weit und trifft auf das Auge; oder vielleicht ist das Ohr zu groß oder zu nah am Auge, sodass es aussieht, als ob das Auge den Rest des Gesichts überwältigt.
Ich benutze oft eine Technik, die ich als "Rückverfolgung" bezeichne, wenn ich versuche, einen Problembereich zu bestimmen. Wenn ich zum Beispiel im Gesicht arbeite, beginne ich mit einem der Merkmale meiner Zeichnung und lege meinen Bleistift an die Ecke. Dann springe ich mit dem Bleistift zur nächsten benachbarten Wertform und schaue mir das Modell an, um sicherzustellen, dass der Abstand genau ist. Dann hüpfe ich mit dem Bleistift zur nächsten Wertform, schaue mir das Modell noch einmal an und wiederhole den Vorgang, bis ich entweder die Proportionen bestätige oder das Problem finde. Stellen Sie es sich wie ein Inselhüpfen vor oder, wie es einige Künstler poetisch formuliert haben, wie eine Fliege, die von einem Detail zum nächsten springt.
Sie müssen auf der Hut sein, um Revisionskriechen im Gesicht zu vermeiden, insbesondere wenn Sie den Kopf als Maßeinheit verwenden. Wie Sie sich vielleicht aus meinem Artikel in der Herbstausgabe 2006 von Drawing ["How to Draw Dynamic Heads"] erinnern, wird der Kopf zu groß aussehen, wenn das Gesichtsdreieck aus Augen, Nase und Lippen zu groß für das Gesicht ist der Körper. Auch wenn die äußere Form des Kopfes korrekt proportioniert ist, kann es sein, dass Sie versucht sind, den Rest der Figur zu vergrößern, der dann zu groß aussieht. Wenn Sie Zweifel an solchen voraussichtlichen Änderungen haben, kann es nicht schaden, sie zuerst auf Ihrem Transparentpapier auszuprobieren.
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| Stehende Figur
von Philip Pearlstein, 1962, Aquarell und Waschung, 14 x 11. Ich bin nicht mit seinen Absichten vertraut, aber wenn Sie die gepunkteten Umrisslinien betrachten, die sich über die Breite der Formen des Modells in dieser Zeichnung erstrecken, können Sie sich fast vorstellen, wie Pearlstein mit seinen Augen „zurückfährt“und mit einem Bleistift von einer Hauptform springt oder Flugzeug zu einem anderen. |
Studieren Sie für die Figur Christi am Kreuz
von Peter Paul Rubens, Kohle und weiße Kreide, 20alk x 14½. Sammlung des British Museum, London, England. Dies ist eine kraftvolle „abstrakte“Zeichnung, die sowohl auf einer starken, explosiven Silhouette auf der Außenseite der Figur als auch auf festen, eleganten hellen und dunklen Formen im Inneren basiert. Beachten Sie, dass Rubens trotz aller Wertunterschiede in dieser Zeichnung alle hellen Halbtöne fachmännisch als Einheit hell genug hält, damit sie nicht mit den Schatten verwechselt werden. |
Vielleicht sind Sie mit den Beziehungen zwischen den Merkmalen des Kopfes vollkommen zufrieden, aber es ist der Körper, der Ihnen Probleme bereitet. Auch nach mehrmaliger Messung der Körperlänge gegen die Kopfgröße wirkt die Gesamtfigur immer noch zu groß oder zu klein. Wenn die Figur zu groß erscheint, aber die Länge der Figur korrekt ist, haben Sie oft Rumpf und Gliedmaßen zu dick gezeichnet. Beachten Sie Folgendes, bevor Sie sich der Überarbeitung unterziehen und den Kopf auf eine größere Größe neu zeichnen: Die meisten Künstler haben keine großen Schwierigkeiten, ihre vertikalen Maße zu beurteilen, aber sie stolpern regelmäßig, wenn sie über die Breiten des Modells messen. Manchmal machen sie eine Breite zu breit, manchmal zu dünn. Es passiert uns allen. In diesen verrückten Momenten fühlt es sich an, als wären Sie in eine Art optische Dämmerungszone geraten, in der die von Ihnen gezeichnete Figur zu kurz aussieht, wenn Sie sie tatsächlich zu breit gemacht haben. oder eine Figur sieht zu lang aus, wenn Sie sie zu dünn gemacht haben. Bevor Sie Ihre Längen automatisch ändern, überprüfen Sie Ihre Breiten noch einmal, um sicherzugehen, dass Sie sich nichts vormachen.
Und dann gibt es diesen Trick der Verkürzung, der oft einen Schraubenschlüssel in alles wirft. Künstler haben es normalerweise nicht schwer, die verkürzten Längen der Gliedmaßen zu bestimmen, aber sie neigen dazu, die Weiten zu klein zu zeichnen, als ob sie für einen kürzeren Arm oder ein kürzeres Bein proportioniert wären. Verkürzung ist, wie der Name schon sagt, eine Verkürzung einer Form von vorn nach hinten. Im Allgemeinen (es sei denn, das Glied, das Sie zeichnen, ist Ihnen wesentlich näher) misst die Breite in der Regel genauso viel wie in einer nicht verkürzten Position. Auch wenn unsere Augen die Wahrheit erkennen können, müssen wir unsere nervöse Ablehnung überwinden, bevor wir uns erlauben können, sie auf diese Weise zu zeichnen.
Visuelle Verzerrung
Obwohl eine Verkürzung wie eine Form der Verzerrung erscheint, ist dies nicht der Fall. Ein verkürztes Glied ist einfach die visuelle Form, die Ihr Auge sieht. Eine visuelle Verzerrung kann jedoch zu einem echten Problem werden, wenn Sie beim Zeichnen zu nah am Modell stehen. Sie können nur so viel von der Figur sehen, bevor Sie Ihre Augen nach oben oder unten bewegen müssen. Jedes Mal, wenn Sie Ihre Augen oder Ihren Kopf bewegen, ändern Sie Ihre Bildebene und Ihr perspektivisches Verhältnis zum Modell: In einem Moment blicken Sie auf die Unterseite der Nase des Modells und im nächsten auf die obere Ebene von die Schuhe des Models. Viele Fotografen verwenden absichtlich ein Weitwinkelobjektiv, um diese Art der Rundumsicht zu erzielen, aber dieser Nah-Fischaugen-Effekt ist mit den normalerweise zuverlässigen Messsystemen des Künstlers verheerend. Die genaue Verwendung von Lotlinien und Headunits funktioniert nur, wenn das Modell durch eine Bildebene betrachtet wird, und sie sind in dieser Situation fast unbrauchbar, außer als allgemeine Richtlinie. Viele von uns entscheiden sich gelegentlich für diesen Verzerrungseffekt. Einige Künstler wie die Kubisten nutzen mehrere Bildebenen bis zum Äußersten aus, während andere wie Degas und Raphael Soyer einen zurückhaltenderen Ansatz verfolgen. Sollte Sie eine Verzerrung interessieren, müssen Sie Ihrem Bauch so gut wie möglich vertrauen, damit Sie Ihre Zeichnung nicht mit störenden Überarbeitungen oder frustrierend hartnäckigen, neugezeichneten Linien verzetteln. Vergleichen Sie beim Blockieren in Ihrer Zeichnung benachbarte Körperteile miteinander, sodass ihre Proportionen zumindest für den Grad der gewünschten Verzerrung logisch erscheinen.
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| Weiblicher Akt, Von Hinten Gesehen
von Jacob Jordaens, ca. 1640, schwarze, rote und weiße Kreide, 10? x 8. Sammlung National Gallery of Scotland, Edinburgh, Schottland. Verkürzte Gliedmaßen erscheinen uns vielleicht unmöglich, aber für unsere Augen ist es die einfache optische Wahrheit. Um verkürzte Formen erfolgreich zu zeichnen, müssen wir unseren Verstand trainieren, damit er unseren Augen aus dem Weg geht. |
Sitzende alte Frau, die Hände im Schoß gefaltet
von Käthe Kollwitz, 1905, anthrazit, 27 x 15½. Staatlichen Kunstsammlungen, Dresden. Kollwitz nutzte ihre Materialien gut, um die kühnen, kontrastreichen Werte ihrer Holzkohle zu nutzen und die schwere, düstere, aber entschlossene Qualität ihres Motivs nachzuahmen. |
Wenn Sie diese Art der visuellen Verzerrung vermeiden möchten, können Sie auf verschiedene einfache Arten feststellen, ob Sie sich zu nah am Modell befinden. Der Landschaftsmaler George Inness schlug eine schnelle und effektive Lösung vor. Er wies darauf hin, dass es gefährlich ist, mehr Landschaft in Szene zu setzen, als Künstler menschlich sehen können, ohne ihre Augen zu bewegen, und schlug vor, dass wir Daumen und Zeigefinger im Kreis halten und durch sie schauen sollten, während wir sie am Ende unserer Nase halten. Diese kleine Ansicht, sagte er, ist das, was wir sehen können, ohne unsere Augen zu bewegen. Viele akademische Figurenzeichner bevorzugen eine genauere Formel: Der Abstand des Künstlers zum Modell sollte etwa das Dreifache der Höhe der Figur betragen. Dies hängt davon ab, wie viel von der Figur Sie zeichnen möchten. Wenn Sie jedoch die gesamte Länge ohne diese Verzerrung wiedergeben möchten, versuchen Sie, einen Abstand von mindestens 2 m zum Modell einzuhalten.
Egal, ob Sie realistisch oder ausdrucksstark zeichnen, es ist normalerweise am besten, an einer Staffelei zu zeichnen. Es ist schon schwer genug, die Proportionen unter Kontrolle zu halten, wenn das Papier gerade, zentriert und parallel zu Ihrer Sichtlinie ist. Es ist fast unmöglich, wenn sich das Papier schief in Ihren Augen befindet und Ihre Ansicht der Zeichnung verzerrt ist. Sie werden feststellen, dass die Beine in einigen Zeichnungen von Prud'hon etwas kurz aussehen. Es ist möglich, dass er viele kurzbeinige Modelle gezeichnet hat, aber da wir wissen, dass er gerne in Skizzengruppen zeichnet, hat er wahrscheinlich auf einem Stuhl mit dem unteren Teil seiner Tafel näher an seinen Augen gezeichnet. In diesem Fall würden die Beine bei diesem Verzerrungswinkel perfekt proportional zu ihm aussehen. Leider haben viele von uns einen schlechten Rücken, deshalb mussten wir Strategien entwickeln, die es uns ermöglichen, mit einem Zeichenbrett im Schoß oder schräg auf einem anderen Stuhl vor uns zu sitzen. Ich versuche mich so weit wie möglich von meinem Board zurückzulehnen, um Verzerrungen zu reduzieren. Sie werden besonders viel vertikale Verzerrung der Fischaugen bemerken, wenn Sie Ihre Zeichnung von einer sitzenden Position aus betrachten, aber es gibt kaum visuelle Verzerrungen, wenn Sie sie von einer Seite zur anderen betrachten. Ich ermutige meine sitzenden Schüler, ihre Zeichnungen von Zeit zu Zeit zur Seite zu drehen. Wenn die Zeichnung auf die Seite gedreht ist, können Sie Ihre skizzierte Figur in einem gleichmäßigen, verzerrungsfreien, konstanten Winkel von Kopf bis Fuß untersuchen.
Bei vorsichtigem und sparsamem Umgang kann Ihr Spiegel ein nützliches Werkzeug sein. Wenn Sie den Spiegel zu einer Seite der Zeichnung halten, wird dies leider Ihre optische Wahrnehmung der Proportionen verzerren. Verlassen Sie sich nicht vollständig auf den Spiegel, da Sie sonst möglicherweise genaue Formen in der Zeichnung ändern, um die falsche, verzerrte Version der im Spiegel angezeigten Skizze zu reparieren. Ich empfehle meinen Schülern, dieses Gerät nur dann zu verwenden, wenn sie es unbedingt benötigen. Ich sage ihnen, sie sollen es benutzen, wenn sie einen Verdacht auf die Zeichnung haben - vielleicht ist ein Auge zu niedrig - und den Spiegel benutzen, um ihre Sorgen zu bestätigen oder zu leugnen. Halten Sie Ihren Spiegel absolut parallel zu Ihrer Zeichnung, wenn Sie damit Proportionen hinterfragen. Manchmal sehen Sie ein Problem im Spiegel, das Sie vorher nicht bemerkt hatten. Ändern Sie es jedoch nicht, es sei denn, Sie sehen es auch als Problem an, wenn Sie die Zeichnung direkt mit bloßem Auge betrachten.
Für einige Künstler, die die Figur aus dem Leben zeichnen möchten, kann eine einstündige Pose wie eine Ewigkeit erscheinen, während für andere eine vierwöchige Pose wie ein vierfaches Augenzwinkern wirken kann. Egal wie Sie eine „lange Pose“definieren, es dauert nur ein paar Sekunden, um eine vielversprechende oder fast fertige Zeichnung zu ruinieren. Es ist wie ein Kick in Ihrem Bauch, wenn Sie feststellen, dass Sie den Punkt ohne Wiederkehr überschritten haben, an dem das Papier auseinanderfällt und es nicht durch Löschen, zusätzliches Rendern oder Hinzufügen von Linien gespeichert wird.
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| Den Willen lesen
von Charles Gibson, Tinte. Nach dem Skizzieren mit dünn beabstandeten Druckfarbenlinien erzeugte Gibson weiche atmosphärische Töne, die normalerweise besser für ein mischbares Medium wie Kohle oder Graphit geeignet sind. |
Die Präsentation von Jimmys weißem Anzug
von Jerome Witkin, 1987, Kohle, 48 x 84. Sammlung des Künstlers. Witkin verwendet alle seine Materialien - seinen Kohlestift, seinen Radiergummi und sein Papier -, um eine äußerst akribische Zeichnung mit interessanten Texturen zu erstellen. gestisch beschwörende Flecken, sowohl gestreichelt als auch verschmiert; dramatische Werte und abstrakte Formen; und ein atmosphärisches Gefühl von Deep Space. |
Wie retten Sie sich also vor diesem schrecklichen Schicksal? In diesem Artikel werde ich die vielen Fallstricke skizzieren, denen Sie wahrscheinlich begegnen, wenn Sie eine Stunde oder länger an einer Zeichnung arbeiten. Wichtiger noch, ich werde einige der vielen Strategien beschreiben, die Sie anwenden können, um diese Landminen zu vermeiden und Ihre Zeichnungen frisch und lebendig zu halten. Alle Taktiken auf dieser Liste sind gleichermaßen wichtig und werden in keiner bestimmten Reihenfolge von Bedeutung dargestellt. Sie sollten versuchen, sie gleichzeitig zu berücksichtigen, wenn Sie eine lange Pose zeichnen, mit Ausnahme des transzendenten, alles entscheidenden ersten Punkts, den Sie berücksichtigen sollten, bevor Sie mit dem Zeichnen beginnen: Definieren Sie Ihre Ziele!
Wert-Rendering
Zu viele Künstler, insbesondere Anfänger-Realisten, können es kaum erwarten, Werte wiederzugeben. Einige von ihnen beginnen sogar mit der Modellierung, bevor sie sich über die Proportionalitätsverhältnisse ihrer Figurenzeichnung sicher sind. Und sobald sie anfangen, können viele dieser „Realisten“nicht mehr aufhören zu rendern, bis das Papier mehrere Schichten tief mit dichten Tönen bedeckt ist und die Zeichnung lange tot, langweilig und matschig übermoduliert ist, was in der realen Welt nicht mehr zu sehen ist. Markieren Sie die warnenden Worte der vielen erfahrenen Realisten, die uns vorangegangen sind: Die volle Kraft des durchgelassenen Lichts kann nicht auf einem undurchsichtigen Stück Papier eingefangen werden, und selbst das dunkelste, schwärzeste Stück Holzkohle kann die samtigen Tiefen des Modells nicht annähern Nasenlöcher. Künstler können die Tonalitäten der realen Welt nicht genau transkribieren, Wert für Wert. Das Beste, was wir anstreben können, ist, ein proportionales Verhältnis von dunklen zu hellen Werten auf unserem Papier zu erstellen. Wir können so viele Halbtonformen in die Lichter einfügen, wie wir möchten, aber wir müssen sie als Gruppe hell genug halten, damit sie nicht mit unseren dunklen Schattenformen verwechselt werden. Wir können ebenso so viele Schattenmodulationen rendern, wie wir möchten, aber sie müssen auch dunkel genug als Wertmasse gelesen werden, damit sie nicht mit den hellen Formen verwechselt werden.
Versuchen Sie, offen für alle Rendering-Methoden zu bleiben. Viele Menschen streichen gern mit einer leichten Berührung über ihre Werte und lassen die Textur des Papiers darunter vibrieren. Ich mache das auch gerne, aber manchmal finde ich dieses vibrierende, narbige Oberflächengitter, wie es auf einem alten Fernsehgerät statisch ist. Viele Künstler verwenden einen Stumpf, um ihre Wertmassen in die Täler des Papiers zu reiben. Ich bevorzuge es, meinen Finger oder ein wattiertes Tuch zu benutzen, um meine Masse einzureiben. Zweifellos war dieser Schlag, den Sie gerade gehört haben, das Geräusch eines Professors für monokulare Kunst, der nach dem Lesen des letzten Satzes in Ohnmacht gefallen ist. Wenn Sie jedoch Ihre Finger ständig reinigen, werden Sie feststellen, dass sie ein viel empfindlicheres und genaueres Mischwerkzeug sind als ein Stumpf - und Sobald ein Finger verschmutzt ist, stehen Ihnen neun weitere Punkte zur Verfügung. Wenn Sie eine enge Form haben möchten, die zu klein für Ihren Finger ist, können Sie Ihr Taschentuch auch um einen angespitzten Stift wickeln und ihn so verwenden, als wäre er ein ultrascharfer Ersatzstumpf.
Für mich selbst mache ich gerne viel. Es kann für mich eine Art Meditation sein. Aber ich versuche, beim Rendern im Rahmen der Glaubwürdigkeit zu arbeiten. Ich versuche, meine Lichter luftig, nicht zu dunkel und schlammig zu halten. Lassen Sie sich von Künstlern wie Cézanne und Degas inspirieren, die die Atmosphäre rund um ihre Modelle aktiv gestalteten. Oft lassen sie die Umrisse und helleren Halbtöne ihrer Figuren mit dem Weiß des Papiers verschmelzen und verwischen ihre Schattenformen mit den Dunkelheiten der Umgebung, wodurch Figur und Boden zu einem atmosphärischen Ganzen verschmelzen.
Materialien und Werkzeuge
Zu viele Künstler versuchen, ihre Materialien zu zwingen, eine Aufgabe zu erfüllen, die ihrer Natur zuwiderläuft, z. B. das Zeichnen eines feinen Renderings auf grobem Büttenpapier oder das Erstellen eines grafischen, kontrastreichen Bildes mit Graphit, Silberstift oder Buntstift. Sicher, Sie könnten Erfolg haben - aber nicht ohne einen Kampf, der sich wahrscheinlich in frustrierten, hartnäckigen Linien oder Wertemassen niederschlägt. Überlegen Sie, was die Materialien für Sie bedeuten, bevor Sie mit dem Zeichnen beginnen. Sobald Sie die richtigen Materialien für Ihre Ziele ausgewählt haben, müssen Sie sie mit Respekt behandeln. Tragen Sie Ihre Papiereinkäufe vorsichtig aus dem Laden nach Hause. Nichts ruiniert eine Zeichnung schneller als ein Blatt Papier mit einem scharfen Kratzer, besonders wenn sich die Delle dort befindet, wo Sie die Merkmale des Modells zeichnen möchten. Die natürlichen Fette Ihrer Hand stellen eine weitere Bedrohung für Ihr Papier dar. Obwohl Fettflecken für das Auge in der Regel unsichtbar sind, lassen sie Graphitstifte überspringen und verursachen fleckige Farbtöne und Flecken, wenn Sie versuchen, sie mit Holzkohle zu rendern. Sie können einen Mahlstab verwenden, um Ihre Hand von der Zeichenfläche fernzuhalten. Dies verlangsamt Sie jedoch, wenn Sie versuchen, in der anfänglichen Skizze zu liegen, und sogar später, wenn Sie versuchen, Wertemassen einzuzeichnen. Normalerweise reicht es zu Beginn aus, einfach die Hände zu waschen. Versuchen Sie, beim Zeichnen keine Kartoffelchips zu essen! Nachdem Sie das Papier mit einer Anfangsskizze bedeckt haben, sollten Sie beim Zeichnen ein kleines, sauberes Stück Bondpapier unter Ihre Hand legen, damit Sie Ihren Block-In nicht verunreinigen. Vergessen Sie nicht, auch mehrere Blätter Papier unter Ihre Zeichnung zu legen. Auf diese Weise wird verhindert, dass die Textur des Zeichenbretts während der Arbeit bis zur oberen Fläche der Zeichnung reibt.
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| Stehender männlicher Akt
von Frederick Mac Monnies, 1885, Kohle und Graphit, 24? x 14. Sammlung Princeton University Art Museum, Princeton, New Jersey. |
Figurenstudie, Damaskus
von Deane G. Keller, 1998–1999, anthrazit, 43½ x 29. Sammlung Dorothy Bosh Keller. Foto von John Kleinhans. Keller schuf zwar durch zarte Wertwiedergabe ein Gefühl von Volumen, verlor aber die wesentliche abstrakte Silhouette der Gesamtfigur nie aus den Augen. |
Viele Lehrer raten ihren Schülern, Radiergummis zu meiden, als wären sie eine Form des Betrugs. Nein, Radiergummis sind ein Werkzeug wie alle anderen. Unter den vielen hilfreichen Anwendungen können Sie sie zum Bereinigen Ihrer ursprünglichen Konstruktionslinien oder als Hilfsmittel zum Negativzeichnen verwenden, um gelöschte Linien in Wertemassen zu zeichnen. Wenn die tonale Struktur oder die Linienführung Ihrer Zeichnung zu schwerfällig oder zu dunkel erscheint, können Sie einen abgeflachten, gekneteten Radiergummi nehmen und das Bild mit ein paar einfachen Handbewegungen aufhellen, indem Sie sanft auf die Oberfläche Ihres Papiers tippen. Sie können sogar einen weißen Radiergummi aus Kunststoff wie einen Stumpf verwenden und die flache Seite des Geräts über Holzkohletöne gleiten lassen, um sie auszugleichen. Heutzutage finden Radiergummis eine größere Akzeptanz als Werkzeuge, und viele Unternehmen stellen sie unter dem Deckmantel von Druckbleistiften für eine einfachere Verwendung her. Greifen Sie zu einer davon, wenn Sie besonders dünne Linien in eine wertige Form bringen oder einen kleinen, empfindlichen Bereich entfernen möchten, der möglicherweise durch einen größeren Radierer verwischt oder verwischt wird.
Einzelheiten
Nur weil Sie mehr Zeit zum Rendern haben, müssen Sie nicht unbedingt jeden Zeh und jeden Zehennagel zeichnen. Wenn das jedoch Ihr Interesse ist, tun Sie es mit entschlossener Begeisterung. Viele Künstler haben eine ansonsten solide und energiegeladene Zeichnung ruiniert, indem sie zögernd ein Detail gezeichnet, es gelöscht, erneut gezeichnet und dann erneut gelöscht haben. Für die meisten Künstler sind die Hände und Füße die wahrscheinlichen Problembereiche der Figur. (Ich habe die Hand im Sommer 2007 in einem Artikel mit dem Titel „Ein Porträt der Hand“behandelt.) Der Fuß könnte auch einen eigenen Artikel verwenden, aber die meisten meiner Ratschläge zur Hand gelten auch für den Fuß. Es hilft, die Hand in einem Fäustling zu visualisieren und die große Form zu bestimmen, die alle Innendetails enthält. Stellen Sie sich den Fuß in einer Socke vor. Halten Sie wie bei den Fingern die einzelnen Ziffern zunächst einfach und stellen Sie sich die kleinen Zehen als große Masse vor, die von einer rechteckigen Unterform umschlossen wird.
Die Abstracts
Sie können sich verirren, indem Sie sich nur auf die oberflächlichen Realitäten des Modells konzentrieren, das Sie vor sich haben - insbesondere in einer langen Zeichnung. Sie müssen ein wenig tiefer graben, um sich und Ihren Betrachter auf die nächste Stufe der Aufregung zu bringen. Betrachten Sie die gesamte abstrakte Form der Figur. Wenn Sie alleine arbeiten, richten Sie das Modell in eine Pose, die eine interessante Silhouette erzeugt. Vielleicht bauen Sie eine Pose aus dramatischen Kontrasten auf, wobei die Gliedmaßen wie bei einer Explosion in alle Richtungen gehen (wie in Deane Kellers Figurenstudie, Damaskus), oder Sie finden eine Pose, die auf den subtilen Kontrast zwischen Brust und Becken basiert Viele Renaissance-Zeichnungen und im 19. Jahrhundert Zeichnungen von Mac Monnies (Standing Male Nude). Sie haben nicht viel Kontrolle, wenn Sie in einer Gruppe oder Klasse arbeiten. Wenn Sie also nicht die ganze Pose als inspirierend empfinden, müssen Sie möglicherweise ein wenig zuschneiden und einen kleineren Bereich der Figur zeichnen, der Sie in der Zusammenfassung begeistert Niveau.
Und zeichnen Sie nicht einfach so, als wäre das Modell ein lebloses Objekt. Versuchen Sie, bewusst Gedanken, Emotionen oder konzeptionelle Ideen in den Hintergrund zu rücken, während Sie die Kopflängen und Wertebeziehungen des Modells analysieren. Viele Künstler manipulieren ihre Zeichnungen in Metaphern für eine politische, psychologische oder soziologische Aussage, aber es muss nicht kompliziert sein. Nehmen wir zum Beispiel an, Sie machen sich heute Sorgen oder freuen sich über etwas, das nichts mit Kunst zu tun hat. Leiten Sie dieses Gefühl in die Zeichnung ein, und egal, wie erfahren oder ungelernt Sie auf der technischen Seite sind, Sie werden zumindest ein Gefühl der Energie vermitteln, das von Ihren zugrunde liegenden Emotionen ausgeht.
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Sommer 2011 Ausgabe Kunst Runde L von Whitfield Lovell 2006-2011 Kohle auf Papier mit beigefügte Karte, 12 x 9
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Auf der Suche nach verlorenen Zeiten von Kate Sammons 2007, Holzkohle, 20 x 25
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