Der Marylander Künstler Mark Karnes malt alltägliche Szenen, indem er Wertstudien in Tinte oder Aquarell skizziert und dann langsam in Öl oder Acryl malt, ohne eine detaillierte vorbereitende Zeichnung.
von Ephraim Rubenstein
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| Esszimmer
Bewölkter Tag 2005 Acryl an Bord, 16 x 16. Alle Kunstwerke dieser Artikelsammlung des Künstlers wenn nicht anders angegeben. |
Mark Karnes setzt die lange Reihe von Intimisten von Vermeer bis Vuillard fort und macht aus den ruhigsten Aspekten seines häuslichen Lebens eine verführerische Welt. Wie alle großen Maler der nahen Umgebung erinnert uns Karnes 'Arbeit daran, dass Schönheit überall anzutreffen ist, sowohl in erwarteten als auch in unerwarteten Momenten und mit jeder Umdrehung des Kopfes. In seinem ersten Brief an einen jungen Dichter formulierte der deutsche Dichter Rainer Maria Rilke diese ästhetische Herausforderung: „Wenn Ihr tägliches Leben arm zu sein scheint, beschuldigen Sie es nicht; beschuldigen Sie sich, sagen Sie sich, dass Sie nicht dichterisch genug sind, um seinen Reichtum hervorzurufen; Für den Schöpfer gibt es keine Armut und keinen armen, gleichgültigen Ort. “Fast als Reaktion auf Rilkes Worte fertigt Karnes seit mehr als 30 Jahren Gemälde und Zeichnungen in und um sein Haus in Nordbaltimore. „Bei meiner Arbeit geht es um die Verbindung zu meiner Umgebung. Die Themen meiner Bilder sind Dinge, die mir vertraut und unmittelbar sind. “
Karnes findet seine unmittelbare Umgebung in der Tat so verlockend, dass er, als er einmal gefragt wurde, wohin er in seinem Sabbatical reisen würde, antwortete: „Warum sollte ich irgendwohin gehen wollen? Alles, was ich brauche, ist hier richtig. “Nach Karnes 'Erfahrung sind alle erholsamen Aspekte des Reisens - das erneute Sehen und die Erneuerung unserer Sinne - verfügbar, wenn Sie nur die Augen dazu haben, wie der Dichter Rilke vorgeschlagen hat sehe sie. Auch wenn Karnes dort bleibt, wo er ist, erlebt er sein Leben als Reisender.
Interior With Sailboat fasst diese Einstellung ungewollt zusammen. Karnes ist, um die Redewendung des Dichters Billy Collins zu verwenden, alleine durch den Raum zu segeln, jeden Kubikzoll zu erforschen, jede Oberfläche zu kreuzen und in jeder Vertiefung dieses vertrauten, aber immer noch mysteriösen Raums anzudocken. Diese besondere Reise wird mitten im Winter unternommen, wenn das Spielzeugsegelboot normalerweise im Trockendock auf dem Tisch liegt. Das kalte Winterlicht, das auf dem Gemälde so schön wiedergegeben ist, badet das Dachzimmer, das Karnes als Atelier nutzt. Das Modellsegelboot - das subtile Herzstück des gesamten Gemäldes - lässt vermuten, dass alles auf der Suche ist, während der direkte Lichtstrahl, der kurzzeitig auf die gegenüberliegende Wand trifft, uns daran erinnert, dass die Zeit vergeht und sich die Winde ändern werden. Das Spielzeug, das direkt unter einer gerahmten Figurenzeichnung aufgereiht ist, zeigt auch die magische Fähigkeit des Gemäldes, die Welt zu miniaturisieren, zu reduzieren und zu etwas zu destillieren, das Sie in der Hand halten können. Karnes 'viel benutzte französische Klappstaffelei steht wie ein gepacktes und einsatzbereites Gepäckstück direkt unter dem Fenster an der Wand und wartet auf die Einschiffung.
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| Dormer Nachmittag
Sonnenlicht 1998, Öl an Bord, 13 x 9. |
Obwohl dieser Dachboden sein Hauptstudio ist, ist das ganze Haus ein faires Spiel, um seinen Malkasten aufzustellen. Wie Vuillard oder der dänische Maler Vilhelm Hammershoi aus dem 19. Jahrhundert spürt man, wie Karnes das Haus mit ständigem Blick auf die Motive durchstreift. Wenn sich in seinem Kopf eine Idee für ein Gemälde formuliert, erscheinen Klebebandstücke auf dem Parkett, die die Position der Stühle markieren, während Erbstückteekannen plötzlich verschwinden, die für den Stilllebenseinsatz rekrutiert sind.
In den letzten Jahren hat sich Karnes angewöhnt, winzige Schwarzweiß- oder Aquarellstudien von Szenen anzufertigen, die sein Interesse wecken. Diese ersten Untersuchungen fassen seine stärksten visuellen Empfindungen zusammen. Innerhalb von Minuten erfassen sie die Hauptunterteilung von Licht und Dunkelheit in große, einfache Massen. Karnes findet, dass Tinte und schwarzes Aquarell ungeheuer unmittelbare Materialien sind. Sie verkürzen die Zeit zwischen dem Betrachten und dem Aufnehmen des Motivs, sodass er mit einer Direktheit antworten kann, die in anderen Medien nicht möglich ist. Zu diesem Zweck hält er diese Studien extrem klein, damit er dem Impuls nachgeben kann und sich nicht darum kümmern muss, die Struktur eines größeren Werks zu kontrollieren. Er kann alles mit einem Blick auf die Seite lesen.
Im Moment bevorzugt Karnes die Verwendung von schwarzem Aquarell anstelle von Tinte, weil er mit Aquarell sagt: „Die Töne bleiben näher, wenn sie trocken sind, als sie waren, als sie nass waren. Mit Tinte werden die dunklen Stellen heller, wenn sie trocknen, und dann müssen Sie zurückgehen und sie überarbeiten. Ich versuche es so zu halten
So schnell wie möglich und mit so wenig Überarbeitung wie möglich. “Außerdem malt Karnes Aquarelle mit vollem Spektrum, so dass seine Leichtigkeit mit dem Medium für ihn von Vorteil ist. Er kann Dutzende dieser kleinen Studien machen, bevor er die Idee für das Gemälde festigt. Dies sind nicht nur schöne Werke für sich, sondern sie dienen auch als Kompass während des gesamten Malprozesses und stellen sicher, dass er nie von der ursprünglichen Idee abweicht.
Die Annahme des Künstlers, dass die visuelle Welt am besten in Schwarz-Weiß analysiert werden kann, zeigt, dass Karnes ein inhärenter Tonalist ist. Wenn es darum geht, glaubt Karnes, dass der Wert - mehr noch als die Farbe - den grundlegendsten Aspekt des visuellen Erlebens ausmacht. Davon abgesehen
Karnes ist auch ein exquisiter Kolorist, ein Mann, dessen Farbgedanken raffiniert und elegant sind. Im Gegensatz zur farbenfrohen Flutwelle des 20. Jahrhunderts versteht er, dass es bei Farbe nicht nur um Volumen, sondern um Beziehung geht. Seine natürliche Tendenz geht in Richtung Winter, wenn die Natur abgeschwächt ist und sich die Bildwelt um ein weicheres Zentrum versammelt.
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| Interieur Mit
Segelboot 1989–2005, Öl, 24 × 36. |
Er malt oft Studien in Öl und gelegentlich auch in Acryl, und diese sind gleichermaßen beeindruckend in ihrer Unmittelbarkeit und in der Genauigkeit, mit der sie das Gesichtsfeld untersuchen. Diese Studien werden der reinen Beobachtung überlassen. In ihnen hört er auf zu überlegen, was die Objekte sind, und kümmert sich nur darum, wie sie aussehen und wie diese Erscheinung am besten in die Sprache der Malerei übersetzt werden kann. Striche, Schrägstriche, Dellen - alles perfekt berechnet und platziert - werden erstaunlicherweise zu Gebäuden, Stühlen und Lichtstrahlen.
Karnes wurde 1948 in Astoria, New York geboren. Er besuchte das Philadelphia College of Art, wo er beim Maler Larry Day studierte. Er traf auch den bekannten Realisten Sidney Goodman, der einen großen Einfluss auf ihn hatte. Obwohl er nie Unterricht bei sich hatte, kritisierte Goodman seine Arbeit und lud ihn in sein Studio ein, um zu sehen, woran er arbeitete. "Goodman war der erste wirklich ernsthafte Künstler, den ich jemals von innen gesehen habe", sagt Karnes. "Er war großzügig zu mir - freundlich und bodenständig."
Ganz anders war die Situation, als er nach New Haven ging, um sein MFA in Yale zu bekommen. Die Atmosphäre war härter und umstrittener, und sein Mentor William Bailey war zerebral, wohingegen Goodman intuitiv gewesen war. Nach seinem Abschluss reiste er mit einem Fulbright-Stipendium von 1979 bis 1980 nach Italien. Obwohl es für Karnes zweifellos fruchtbar war, in Italien zu sein und all seine Reichtümer zu sehen, blieb sein Herz letztendlich zu Hause und er kehrte nie zurück.
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| Interieur Mit
Zuckerschüssel 2000, Acryl an Bord, 25 x 26. Sammlung Mary White. |
Ein großer Teil der Arbeit in seinem Zuhause bestand darin, sich an eine Vielzahl unterschiedlicher Beleuchtungssituationen anzupassen. „Mein Haus hat 30 Fenster“, bemerkt Karnes. „Das bedeutet, dass man extrem flexibel sein und sich den wechselnden Bedingungen anpassen muss.“Abgesehen von den Auswirkungen, die diese Fenster auf seine Innenanstriche haben, bieten sie ihm auch eine Vielzahl von Luftbildern seiner Nachbarschaft. Die Ansichten selbst - vollgepackt mit der wechselnden Konfiguration von Telefonleitungen und Spielen im Hinterhof
Sets - gehören zur alltäglichen vorstädtischen Realität. In Karnes 'Händen wird der Quotidian jedoch magisch. Es ist seine feste Überzeugung, dass es auf die Qualität des sich verändernden Lichts ankommt.
Der Maler Pissarro sprach oft davon, verschiedene Hotelzimmer zu durchsuchen, aus den Fenstern zu schauen und die perfekte Aussicht zu finden. Im Laufe der Jahre ist Karnes 'Vision rücksichtslos demokratisch geworden und hat die Idee aufgegeben, dass es die perfekte Sicht gibt. Er hat gelernt zu akzeptieren und
schätze genau das, was vor ihm liegt, um der Dichter zu werden, den Rilke verlangte. Er ist zu dem Schluss gekommen, dass es egal ist, wie die Aussicht ist. Um so frei wie möglich von Vorurteilen und Erwartungen zu sein, ist er der Ansicht, dass das gesamte Unternehmen offener und willkürlicher sein muss. „Ich gerate in Schwierigkeiten, wenn ich versuche, zu wählerisch zu werden, was es ist.“Wie Billy Collins, der über das Leben in seiner unmittelbaren Umgebung schreibt - Fahrräder, die vor den Türen der Drogerie stehen oder morgens auf Milch und Papier aus dem Haus gehen -, Karnes Die Arbeit ist geprägt von dem Gefühl und dem Aussehen des Alltags.
Karnes 'Offenheit spiegelt sich auch in der Verwendung seiner Materialien wider. Seine Arbeitsweise hat sich im Laufe der Jahre weiterentwickelt und ist immer offen für Überarbeitungen und Experimente. Manchmal malt der Künstler auf Leinen, manchmal auf Musselin und manchmal auf Masonite-Tafeln, die mit einer fein geraspelten Walze gessoed sind. Er malt hauptsächlich in Öl, wechselt aber gelegentlich zu Acryl, wenn er die Farbe sofort während der Arbeit trocknen muss. Er verwendet alles, was er braucht, genauso wie er alles akzeptiert, was er sieht, und besteht nicht darauf, das zu finden, von dem er bereits glaubt, dass es dort sein wird.
Karnes 'Skizzen werden in der Regel vorerst gemalt, während sich die fertigeren Bilder langsamer entwickeln. Für sie beginnt er normalerweise mit einer Oberfläche, die mit einer neutralen Roh-Umber-Wäsche getönt ist. Selbst mit den kompliziertesten Stücken wie Interior With Sailboat beginnt der Künstler mit fast keiner vorbereitenden Zeichnung. Was ihn am Anfang interessiert, ist die große Trennung von Hell und Dunkel. Dann beginnt er, Temperaturänderungen vorzunehmen und überlegt, welche Teile des Lichts warm und welche kühl sind. Zu einem bestimmten Zeitpunkt zeichnet er nur so viel, wie er zum Platzieren der Farbe benötigt. Erst gegen Ende macht er die genauen Einzelheiten der Zeichnung fest. Dies stellt sicher, dass es beim Bild immer in erster Linie um Ton, Farbe und Licht geht und nicht um das scheinbare Thema.
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| Fenster mit
Französische Staffelei Schwarzes aquarell 2007, 8 x 8. |
Karnes hält an diesem Glauben an das Primat des Lichts fest, auch wenn er das Objekt malt, das er am besten kennt und das am nächsten ist: sich selbst. Vor kurzem hat er eine Reihe von Selbstporträts gemalt, in denen er das gleiche Maß an Distanz zum Ausdruck bringt. In den meisten Selbstporträts der Künstler ist die
Der Maler benutzt den Spiegel lediglich als Hilfsmittel, um das Objekt zu sehen, das er wirklich malen möchte: sich selbst. Denken Sie an Rembrandts monumentales spätes Selbstporträt in der New Yorker Frick Collection, in dem Rembrandt auf wundersame Weise vor Ihnen steht und dessen Form so greifbar ist, dass Sie das geliebte Gesicht berühren können. Aber bei Karnes bekommt man diese greifbare Realität nicht; Sie erhalten das schattige Spiegelbild seines Bildes im Spiegel. Die meisten Künstler verzichten auf den Spiegel, um an sich selbst heranzukommen. Karnes möchte Ihnen den Spiegel geben, die flüchtige Welt der Reflexionen und Schatten. Es ist nur so, dass er gerade im Spiegel ist. Dies ist eine Treue zum Sehen auf höchstem Niveau. Es spricht von der Verpflichtung eines Lebens, den Primat der Beobachtung zu respektieren, auch wenn es um das privateste Selbst geht.
Über den Künstler
Mark Karnes erhielt seinen BFA in Malerei vom Philadelphia College of Art (jetzt The University of the Arts) und seinen MFA von der Yale University in New Haven, Connecticut. Er erhielt Auszeichnungen und Stipendien der National Endowment for the Arts, des Fulbright-Programms, der Ford Foundation, des Maryland State Arts Council und des Baltimore Museum of Art. Karnes 'Arbeiten befinden sich in mehreren bedeutenden Sammlungen, darunter in der National Gallery of Art in Washington, DC. Er hat
war über 30 Jahre lang Professor am Maryland Institute College of Art in Baltimore.
