Viele der großartigen Lehrer, die Daniel Graves ausgebildet haben, wurden in den 1970er Jahren im American Artist vorgestellt, während er und seine Schüler in neueren Ausgaben vorgestellt wurden. Anlässlich des 70-jährigen Jubiläums des Magazins untersuchen wir die akademische Kunstausbildung, die Graves in seinem beruflichen Werdegang der Erhaltung gewidmet hat.
von M. Stephen Doherty
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| Der Bräutigam
2005, Öl, 48 x 32. Mit freundlicher Genehmigung der Grenning Gallery, Sag Harbor, New York. |
Viele der wichtigsten Realisten des 20. Jahrhunderts wurden in American Artist vorgestellt, und diese Artikel hatten einen starken Einfluss auf Maler, die nach Informationen suchten, die ihre kreativen Bemühungen informieren und anleiten konnten. Daniel Graves hatte das Glück, bei mehreren dieser einflussreichen Künstler zu studieren, darunter Joseph Sheppard, Frank Russell, Richard Serrin, Richard Lack, Pietro Annigoni und Nerina Simi. und er wurde in der Dezember 1988 Titelgeschichte profiliert. Seitdem hat Graves die großartige Ausbildung, die er erhalten hat, an neue Künstlergenerationen weitergegeben, und in der Zeitschrift wurden einige seiner ehemaligen Schüler vorgestellt, von denen einige heute in den USA und in Europa unterrichten.
Da Graves eine der wichtigsten Verbindungen zwischen Vergangenheit und Gegenwart ist, halten wir es für angebracht, ihn in diesem Jubiläumsjahr erneut zu besuchen. Glücklicherweise hat er ausführlich über den aktuellen Stand der gegenständlichen Künste, seinen eigenen Hintergrund und die Mission geschrieben, die ihn als Künstler und Lehrer weiterhin antreibt. Das Folgende ist ein Auszug aus dem von Graves verfassten Aufsatz, der die Tradition, die er fortführt, und die Methodik, mit der er neue Künstlergenerationen mit dieser Tradition verbindet, erklärt.
Nachdem ich einen Großteil meines Lebens als Künstler und Lehrer der gegenständlichen Kunst gewidmet habe, bin ich sehr erfreut zu sehen, dass immer mehr Menschen Bilder finden, die traditionell für sie bedeutungsvoller sind. Die Tradition, auf die ich mich beziehe, ist die des humanistischen Geistes in der westlichen Kunst.
| Eine Ausstellung von Graves 'Arbeiten wird gezeigt
im Eleanor zu sehen sein Ettinger Gallery in New York City, ab 8. März 2007 Weitere Informationen zu Graves finden Sie unter Besuchen Sie seine Website unter www.danielgraves.com. Den vollständigen Text von ihm zu lesen Essay oder um mehr zu erfahren Die Kunstakademie von Florenz, Besuchen Sie die Website der Schule unter www.florenceacademyofart.com. Für eine Auflistung anderer Kunstschulen Beibehaltung der Tradition, die Graves beschreibt, Besuchen Sie die Website des Art Renewal Center. |
Als ich 1968 mein Studium bei Joseph Sheppard und Frank Russell am Maryland Institute College of Art in Baltimore begann, waren die meisten, wenn nicht alle, der wertvollen Traditionen der Kunstausbildung mit den Ateliers Europas im 19. Jahrhundert verbunden. Die Informationen, die die Studenten erhielten, wurden seit der Renaissance weitergegeben, zunächst durch einzelne Künstler, die Auszubildende wurden, und dann durch die Akademien, deren Aufgabe es war, Künstler auszubilden und eine handwerkliche Tradition aufrechtzuerhalten. Da es in den USA nur wenige solcher Einrichtungen gab, reisten die meisten amerikanischen Maler zu diesen europäischen Ateliers, um die für ihre Berufung wichtigen Prinzipien und Techniken zu erlernen.
Einige der Amerikaner, die versuchten, die europäischen Akademien zu emulieren, wie RH Ives Gammell und Richard Lack, eröffneten ihre eigenen Akademien. Gammell bildete Lack in seinem Bostoner Atelier aus, und Lack eröffnete dann das Atelier Lack in Minneapolis, das weiterhin unter der Leitung seiner Studenten betrieben wird. Andere Ateliers in Vergangenheit und Gegenwart, die mit Gammell oder einem seiner Studenten in Verbindung stehen, sind unter anderem die von Allan Banks, Charles Cécil, James Childs, Robert Cormier, Stephen Gjertson, Gary Hoffman, Don Köstner, Robert Douglas Hunter, Richard Whitney und Andrea geleiteten Smith, Ryan S. Brown und Juliette Aristides.
Mein eigener Wunsch, mit der Tradition in einer Zeit verbunden zu sein, in der sie nicht mehr ganz war, als sie als passé galt und in der ihre Sprache vergessen wurde, brachte mich 1978 nach Florenz. Ich habe mit ihr studiert Mangels Entscheidung, 1982 eine Kunstschule mit Cecil zu eröffnen (die bis 1990 als Cecil-Graves-Studio fungierte), gründete ich 1991 die Florence Academy of Art und bin weiterhin deren Direktor. Mein Ziel war es, Lacks Lehren mit denen anderer Künstler / Lehrer zu vermischen, die mich stark beeinflusst haben. Dieses Bildungsprogramm und die Tradition, auf der es basiert, haben Hunderte von Studenten zur Florence Academy of Art geführt, von denen einige später ihre eigenen Ateliers gegründet haben.
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| Selbstporträt
2005, Öl, 15 3/4 x 19 3/4. Privatsammlung. |
Zu sagen, dass wir alle in dieser akademischen Tradition arbeiten, bedeutet nicht, dass unser Fach und unsere künstlerischen Interessen gleich sind. Wie ich hoffe, geht aus den Zeichnungen und Gemälden der erwähnten Künstler und ihrer Schüler hervor, dass jeder von uns versucht, ein einzigartiges Werk zu schaffen, das auf seinem individuellen künstlerischen Weg basiert. Wir sprechen jedoch alle mit der gleichen visuellen "Sprache". Das heißt, wir haben alle soweit wir können die Sprache der Tradition gelernt, mit der wir unsere Visionen ausdrücken. Ich bin davon überzeugt, dass es unsere Mission ist, Fragmente der humanistischen Tradition zusammenzufügen, um aussagekräftige Bilder beizusteuern, die zukünftige Generationen inspirieren werden.
Mein frühes Streben nach der Tradition
Mein eigener künstlerischer Weg begann am Maryland Institute College of Art und setzte sich mit meinem Studium in Florenz in der Villa Schifanoia fort, wo ich Richard Serrin kennenlernte, einen der großen Einflüsse auf mein Leben. Er brachte mir bei, wie man ein Gemälde "liest" und öffnete damit eine Tür, die für die Entwicklung eines intensiven und kontinuierlichen Dialogs mit früheren Meistern von entscheidender Bedeutung ist. Er zeigte ein tiefes technisches Verständnis von Rembrandt und der Malerei des 17. Jahrhunderts, aber ebenso wichtig war, dass er sich mit der Welt der Malerei "verband" und mit mir über die Bedeutung dessen sprach, was er sah.
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| Der Entdecker
2003, Öl, 35 ½ x 27 ½. Alle Kunstwerke dieser Artikelsammlung der Künstler, sofern nicht anders angegeben. |
Später ging ich mit Serrin nach Minneapolis, um ihm bei einem Wandbildprojekt zu helfen, und dort traf ich Richard Lack, bei dem ich fast ein Jahr lang studierte. Durch Lack lernte ich viele der akademischen Traditionen der Boston School, die Gammell an ihn weitergegeben hatte, und die Methode des visuellen Zeichnens und Malens, die von vielen Porträtmalern des 19. Jahrhunderts verwendet wurde, einschließlich John Sänger Sargent. Ich kehrte dann nach Florenz zurück und lernte bei Nerina Simi oder "Signorina Simi", wie wir sie nannten. Die Tochter von Filadelfo Simi - einem florentinischen Maler im Macchiaioli-Stil, der bei Jéan-Léon Gérome studiert hatte -? Signorina Simi unterhielt das Atelier ihres Vaters von seinem Tod im Jahr 1923 bis zu ihrem eigenen 1987 im Alter von 97 Jahren. Ich kehrte nach Florenz zurück mit ihr zu studieren, weil die Arbeit aus ihrem Studio Stärken hatte, die ich erwerben wollte.
Sowohl Lack als auch Simi boten mir eine Verbindung an, die für mich von Bedeutung war. Lack erbte seine durch Gammells Abstammung, während Signorina Simi ihre durch die Arbeit mit ihrem Vater im Studio erlangte. Beide gingen auf Gerome zurück und hatten viele Ähnlichkeiten in dem, was sie lehrten, aber auch einige Unterschiede.
Italien - mit seinen Museen, Kirchen und Naturschönheiten und als Ort, an dem die Künste traditionell blühten - war schon immer ein Magnet für Künstler. Die Anwesenheit von Signorina Simi und Pietro Annigoni in Florenz zog viele junge Maler (einschließlich mich) an, die nach den ausgefransten Fäden der realistischen Tradition suchten. Wir wollten uns unbedingt mit der Tradition verbunden fühlen, und anscheinend arbeiteten nirgendwo anders Künstler so wie in der Vergangenheit - mit dem Augenmerk auf das Handwerk, selbst auf der grundlegendsten materiellen Ebene. In Florenz nannte man sich nicht Künstler, sondern Maler; und wenn man, wie Annigoni, den Respekt anderer verdiente, erhielt man den Titel "Maestro". Diese Dinge gaben uns das Gefühl, dass Malen ein edler Beruf ist, der tief in Handwerk, Kultur und Gemeinschaft verwurzelt ist. Einige von denen, die kamen, blieben nur ein paar Monate; andere, wie ich, blieben, weil Florenz sie mit seiner Schönheit und Kultur faszinierte.
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| Hans
2005, Öl, 27½ x 23 x. |
Obwohl ich nicht bei Annigoni studierte, der 1988 im Alter von 78 Jahren starb, lernte ich ihn ziemlich gut kennen. Er war, wie manche ihn nannten, der "Patriarch des Realismus". Er setzte Maßstäbe für das Zeichnen und gab uns Hoffnung, denn er konnte zeichnen und malen, wie es die Künstler in den vergangenen Jahrhunderten getan hatten.
Ich habe sein Atelier oft besucht, um ihm meine Bilder zu zeigen. er war immer aufmunternd, hat aber nie viel gelobt. Nicht viel für Smalltalk, er diskutierte gerne über die tieferen Bedeutungen des Lebens. Kunst stand natürlich immer im Vordergrund unserer Diskussionen. Da ich nach seinem Besuch das Studio verlassen würde, würde er mich immer ermutigen. "Buon lavoro. Forza e coraggio"? ("Arbeite hart und gut. Stärke und Mut"), sagte er in dem Ton, den ich mir vorstelle, eines römischen Kriegers.
Lehrmethode an der Florence Academy of Art
"In einer Schule der schönen Künste ist es unsere Pflicht, nur unbestrittene Wahrheiten zu lehren, oder zumindest jene, die auf den besten Beispielen beruhen, die seit Jahrhunderten akzeptiert werden." Die Worte von H. Flandrin, die in unserer Broschüre abgedruckt sind, kommen der Formulierung eines Leitbilds an der Florence Academy of Art am nächsten. Mit Flandrin - und so vielen anderen, die wir zitieren könnten - unterrichten wir das Handwerk der Arbeit in der realistischen Tradition, ähnlich wie es in den Ateliers Westeuropas im 19. Jahrhundert gelehrt wurde - nicht unbedingt, um Werke des 19. Jahrhunderts zu produzieren, sondern Wie ich bereits erwähnte, weil diese Ateliers unsere direkteste Verbindung zu den traditionellen Werten und Lehren der Vergangenheit herstellen, von denen bekannt ist, dass sie Künstler auf professionellem Niveau in der realistischen Tradition hervorgebracht haben. Weil ich Stücke der Tradition von vielen verschiedenen Leuten aufgegriffen habe, ist das, was wir an der Florence Academy of Art unterrichten, eine Mischung aus dem, was ich von vielen der zuvor erwähnten erhalten habe, auf meine eigene Weise interpretiert.
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| Cloud-Studie
2006, Öl, 35½ x 51¼. |
In Bezug auf das Ateliersystem der Ausbildung als Modell unterscheidet sich die Florence Academy of Art von den meisten anderen Kunstschulen, an denen die Schüler verschiedene Klassen besuchen und oft von vielen Menschen unterrichtet werden. Wenn die Studierenden durch die Tür der Florence Academy eintreten, wird ihnen ein Atelier zugewiesen, in dem sie sich in einen Arbeitsrhythmus versetzen, der während ihrer gesamten Studienzeit konstant bleibt. Fordern Sie sie auf,, wie John Constable sagte, "geduldiger Schüler der Natur" zu werden. Der halbe Tag wird damit verbracht, von der Figur aus und die andere Hälfte des Tages in ihren Ateliers an bestimmten Übungen zu arbeiten. Wir entmystifizieren die Ausbildung eines Künstlers und brechen die äußerst komplexe Aufgabe, das Zeichnen, Malen und Formen aus dem Leben heraus zu lernen, in allmähliche Schritte. Im Allgemeinen verbringen die Schüler ihre Tage damit, genau das zu sehen und niederzuschreiben, was vor ihnen liegt, denn wie Leonardo sagte: "Der Maler wird Bilder von geringem Verdienst produzieren, wenn er die Werke anderer als Standard nimmt; aber wenn er sich bemüht, von den Gegenständen der Natur zu lernen, wird er gute Ergebnisse erzielen."
Dies zu tun ist jedoch nicht einfach: ein schrittweiser Fortschritt durch den Lehrplan der Schule, von dem Lernen, genau zu zeichnen, bis zu dem Lernen, präzise Farbwerte in Öl zu verwenden - oder für die Skulpturenschüler, das Lernen, die richtige Struktur in Öl zu verwenden Ton - dauert in der Regel vier bis fünf Jahre. Mit wenigen Ausnahmen konzentrieren sich die Schüler ausschließlich auf das Zeichnen ihres ersten Jahres. Sobald sie Vertrauen in ihre Genauigkeit gewonnen haben, werden sie gebeten, in der Vorbereitung auf ihre Arbeit als Maler ein ausgefeiltes Verständnis für Wertabstufungen zu entwickeln - daher die Verwendung von Holzkohle, deren Reichweite sie zu einem wirksamen Medium für die Erforschung des Lichts macht und dunkel. Fortgeschrittene Schüler erhalten eine solide Grundlage im Zeichnen, sowohl in Graphit als auch in Kohle. In der Regel beginnen sie zu Beginn ihres zweiten Schuljahres mit Kohle und weißer Kreide auf getöntem Papier zu zeichnen, was der Malerei einen Schritt näher kommt. Die Gipszeichnungen der Schüler sehen allmählich aus wie die tatsächlichen Gipszeichnungen, und ihre Figurenzeichnungen haben das Gewicht und das Gleichgewicht einer lebenden Person. Mit diesen handwerklichen Zeichenfähigkeiten werden die ersten Malprojekte beauftragt.
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| Studieren Sie für das Geschenk
2006, Kohle und weiße Kreide, 53½ x 47½. |
Die Kontrolle über dieses neue Medium zu erlangen, erfordert Zeit und Erfahrung, und wie beim Zeichnen bewegen wir uns Schritt für Schritt. Wir weichen den Übergang vom Zeichnen ab, indem wir die Schüler mit Malen en grisaille beginnen - das heißt mit Malen in Grau. Dies gibt den Schülern die Möglichkeit, sich mit der Verwendung von Farbe vertraut zu machen, um Werte ohne die zusätzliche Komplexität von Farben zu untersuchen. Nur wenige Projekte werden en grisaille vergeben (in der Regel zwei Abgüsse und ein fünfwöchiges Figurenbild), bevor ein Projekt in begrenzter Farbe vergeben wird. Wir beginnen die Schüler mit drei Farben, ohne Weiß: Gelb-Ocker, Englisch-Rot und Schwarz. Dies ist die traditionellste und grundlegendste Palette, die es gibt - die Schüler haben jahrhundertelang damit begonnen, und viele große Maler wie Tizian haben damit vermutlich einige ihrer schönsten Werke geschaffen. Sobald die Schüler das Potenzial dieser Grundfarben entdeckt haben, werden bei Bedarf weitere Farben hinzugefügt: Neapelgelb, Zinnoberrot, Kobaltblau usw.
Im dritten Studienjahr erhalten die Schüler Zeit, das ihnen im zweiten Studienjahr erteilte Material zu vertiefen und zu üben, wobei der Schwierigkeitsgrad des Fachs zunimmt. Die Porträtmalerei wird zuerst in die Zeichnung, dann in die Malerei eingeführt. Viele Schüler zeigen eine gewisse Neigung zu bestimmten Themen und verbringen möglicherweise mehr Zeit damit, ihre Fähigkeiten in dem Bereich zu entwickeln, der sie am meisten fasziniert.
Im vierten Jahr beherrschen die Schüler das Zeichnen in zwei Medien und sind mit den Methoden und Materialien der Ölmalerei vertraut, wobei letztere für das Studium eines Malers ebenso wichtig sind wie die ersteren. Jetzt ist es an der Zeit, die Fähigkeiten zu verfeinern, verbleibende Schwächen zu identifizieren und zu beheben und das technische Wissen auf den Prüfstand zu stellen. Eine der vorteilhaftesten Maßnahmen, die wir in den letzten 10 Jahren ergriffen haben, ist die letzte Kritik. Am Ende eines jeden Trimesters bringen die Schülerinnen und Schüler alle Arbeiten, die sie produziert haben, einzeln ihren versammelten Lehrern vor. Ziel der Kritik ist es, die Teilnehmer über ihre Fortschritte zu informieren, ihre Stärken und Schwächen klar zu benennen und ihnen individuelle Verbesserungsvorschläge zu unterbreiten. Sie erhalten eine Bestehen- / Nichtbestehen-Bewertung basierend auf ihren Ergebnissen in fünf verschiedenen Kategorien: Fortschritt, Leistung, Einstellung, Anstrengung und Teilnahme.
Ich vermute, dass für einige Studenten die Tage manchmal langsam und langweilig erscheinen, aber wenn sie nach ein paar Jahren hier weggehen, wissen sie, wie man ein Verfahren befolgt, das funktioniert. In jeder Kunst geht es um Kontrolle: Wenn Sie bestimmten Bewegungen des Balletts nicht folgen können, können Sie kein Ballett tanzen. Sie können keine klassische Musik spielen, wenn Sie nicht die Kontrolle über alle Tonleitern und Fingersätze haben. Sie können nicht auf traditionelle Weise malen und formen, wenn Sie nicht die erforderlichen Prinzipien und Techniken wie Bewegung, Geste und Proportionen erlernt haben.
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| Studieren Sie für das Geschenk
2006, Kohle und weiße Kreide, 52¼ x 50. |
Im Allgemeinen gibt es zwei Arten von Schülern: diejenigen, die eine besondere Begabung dafür zu haben scheinen, schnell und flüssig aus drei Dimensionen in zwei zu übersetzen, und diejenigen, die um jede neue Fähigkeit kämpfen, die sie erwerben. Beide sind aus verschiedenen Gründen hervorragende Maler und Bildhauer sowie hervorragende Lehrer. Erstere sind oft bewunderte Vorbilder; Sie erkennen schnell die Fehler der Schüler und den Grund, warum sie sie gemacht haben. Auf der anderen Seite haben diejenigen, die gekämpft haben, ein scharfes Verständnis für die Schwierigkeiten; Sie dienen als Beispiele für Fortschritt und können mit der Frustration derer sympathisieren, die Probleme haben.
Was bei Erfolgreichen und Überlebenden gemein zu sein scheint, ist ihre Leidenschaft und harte Arbeit. Ich glaube, jeder kann Erfolg haben, egal wie talentiert er ist, wenn er absolut leidenschaftlich, engagiert und fleißig ist. Wie Michelangelo sagte: "Wenn die Leute wüssten, wie hart ich arbeite, würden sie nicht mögen, was ich tue."
Eine persönliche Aussage
Obwohl Stücke der Tradition gerettet und überliefert wurden, mache ich mir Sorgen über den aktuellen Stand dieses Wissens, was einer der Gründe ist, warum ich im Laufe der Jahre einen Teil meiner Zeit dem Unterrichten gewidmet habe. Bei der Entwicklung des Programms an der Florence Academy of Art habe ich die Aspekte der Tradition hervorgehoben, die mir wichtig erschienen. Dabei war es nicht mein Wunsch, die Tradition so zu manipulieren, dass sie zu meiner persönlichen Vision passt, sondern sie zu stärken, darauf aufzubauen und einer Generation von Schülern die Werkzeuge zu geben, die sie benötigen, um sich dem zu widmen, was ich für eine der größten und größten halte die herausforderndsten Berufe überhaupt: die Schaffung von Bildern, die emotionale Resonanz und technisches Können besitzen und in ihrer Wahrhaftigkeit und Schönheit Ideen von großer Bedeutung vermitteln. Zu diesem Zweck habe ich, wie ich bereits erwähnte, das, was ich von den einflussreichen Künstlern / Lehrern gelernt habe, die ich während meines eigenen Studiums kennengelernt habe, gemischt. Ich habe ihre Lehren notwendigerweise auf meine eigene Weise interpretiert und die Stücke so zusammengefügt, wie es mir am richtigsten erschien. Im Geiste, den Studenten das "Reine" weiterzugeben? oder "wahr"? - das heißt, um sicherzustellen, dass wir Prinzipien unterrichten und keine Stile, Manierismen oder Techniken auferlegen - konzentrieren wir uns auf die praktischen Aspekte des Handwerks in der Schule.
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| Das Geschenk
2006 Öl, je Platte 51½ x 53½. |
Um diese klassischen Techniken des Zeichnens, Malens und Bildhauens zu erlernen, muss man die Sprache kennen, damit sie auf eine verständliche Weise "sprechen" können. Ich möchte diese Sprache an die Schüler weitergeben, nicht damit sie dann in ihre Ateliers gehen und Arbeiten produzieren, die eine Nachahmung der Vergangenheit sind, sondern damit sie in die Welt gehen und Kunstwerke in einer Sprache schaffen können, die seit langem verwendet wird von Künstlern, und das ist seit langem von Menschen auf allen Ebenen der Gesellschaft verstanden worden - ob sie nun arbeitende Künstler sind oder nicht. Trotzdem ist mir am meisten bewusst, dass die Tradition viel größer ist als die Summe aller handwerklichen Elemente. Wir stehen tatsächlich auf den Schultern von Riesen.
John Ruskin wies darauf hin, dass wir Generationen von Menschen hinter uns haben, die uns helfen, Kunstwerke zu schaffen. Ich möchte hinzufügen, dass diese Künstlergenerationen die technische und psychologische Bedeutung des Malens auf ein so hohes Niveau gebracht haben, dass jeder, der den Staffelstab nimmt, der härtesten Konkurrenz gegenübersteht, die es gibt. "Warum können wir heute nicht Leonardos produzieren?" könnte man fragen. Ich glaube nicht, dass es uns nur an technischem Wissen und Fachwissen mangelt. Ich glaube, das liegt daran, dass es neben der Technik auch etwas gibt, das Teil der Tradition ist. Ich hoffe, dass die Schule in Florenz die Schüler mit ihren großartigen Meisterwerken und ihrer Kultur vertraut macht und dass sie mehr von der Essenz der Tradition aufgreifen und mehr als nur Technik hinter sich haben, um sie zu motivieren.
