Das Zeichnen ist für Gary Akers 'kreativen Prozess von entscheidender Bedeutung, da es ihm hilft, das Thema zu kennen, die Wertestruktur und -zusammensetzung zu bestimmen und den Schwerpunkt zu definieren.
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von Lynne Moss Perricelli
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| Der weiße Eimer
2007 wasserfarben 12¼ x 18¼. Courtesy Hammer Galleries Früher New York, New York. |
Gary Akers beginnt jede Aquarellmalerei mit einer Zeichnung, was unter den Praktikern des Mediums üblich ist. Was Akers auszeichnet, ist seine Beteiligung an dieser Phase, da er manchmal fast ein Dutzend Skizzen für ein großes Gemälde anfertigt. Andere Arbeiten erfordern nicht so viel Planung, aber fast alle beginnen mit einer Graphit- und Aquarellstudie als eine Art Probelauf für das letzte Stück. "Es gibt keine wirklichen Gründe dafür", sagt der Künstler. „Ich tue nur das Notwendige, um herauszufinden, wie man das endgültige Gemälde komponiert.“Er glaubt jedoch, dass das Zeichnen für seinen Prozess von grundlegender Bedeutung ist. „Sie müssen zeichnen können, um malen zu können, und ich liebe das Zeichnen. Das mache ich in meinem Bild. “
Auf diese Weise bedeutet der Künstler, dass das Zeichnen nicht nur in den frühen Phasen eines Gemäldes von entscheidender Bedeutung ist, sondern auch am Ende, wenn er häufig Trockenpinsel verwendet, um den Brennpunkt zu definieren oder wichtige Details zu schärfen. Drybrush ist eine Technik, bei der der Künstler einen geladenen Pinsel mit meist trockenen, gespreizten Borsten verwendet, um feine Details auf kleine Bereiche aufzutragen. Akers Interesse an der Technik rührt von seiner Arbeit mit Eitempera her, bei der er mit einem nadelförmigen Pinsel ein Gemälde mit schraffierten Linien entwickelt. "Die lineare Qualität von Eitempera ist wie das Zeichnen mit Graphit", beschreibt er. "Die Verwendung von Drybrush in den Aquarellen ist eine Erweiterung des Zeichnens auf die gleiche Weise, aber ich gehe nicht so detailliert vor."
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| Beerenkorb
2005, Aquarellzeichnung, 13¾ x 9¼. Privatsammlung. |
Akers lebt fünf Monate im Jahr in Midcoast Maine und den Rest im ländlichen Kentucky. Die meisten seiner Motive findet er "zufällig", sagt er. „Sie kommen unerwartet zu mir. Ich sehe, wie das Licht auf ein Objekt trifft, und ich mag das Gefühl der Tiefe oder Textur, die erzeugt wird. “Auf diese Weise sucht er nach dem, was er als„ entscheidenden Moment “im Spiel des Lichts über die Formen und Aufzeichnungen beschreibt Ideen in Skizzen und Fotografien sowie in seiner Erinnerung. Ebenso wichtig ist jedoch die emotionale Bindung, die der Künstler an das Thema empfindet. Kellerlicht zum Beispiel stieg der Künstler eine Treppe in einem alten Kellerhaus hinunter und fand mehrere Körbe mit Äpfeln, Kartoffeln und Rüben, die im sanften Schein des Lichts über ihm gebadet waren. „Der kleine Raum hatte keine Fenster“, erinnert sich der Künstler. „Das einzige Licht kam von der offenen Tür im Boden. Wenn die Sonne auf die weiß getünchte Gipswand traf, leuchtete der Raum auf, als wäre eine Glühbirne eingeschaltet worden. Ich konnte es gar nicht glauben. Für kurze Zeit jeden Nachmittag tauchte dieses wunderschöne Dreieck aus strahlendem Licht auf. Es war wie Magie und der Ort hat mich wirklich fasziniert. Es erinnerte mich an die Farm meiner Großeltern und erinnerte mich an meine Kindheitstage. “
Akers beginnt jedes neue Gemälde im Atelier, wo er zunächst mehrere Graphitskizzen anfertigt, um die Wertstruktur und Komposition fertigzustellen. Anschließend fertigt er eine Zeichnung in Originalgröße in Graphit an - was bis zu 10 Stunden dauern kann - und zwar auf der endgültigen Oberfläche, bei der es sich in der Regel um Strathmore 500 Series Bristol Board handelt. Die glatte, harte Oberfläche nimmt kein Pigment und Wasser auf, sondern lässt die Wäsche aufschwimmen und sorgt für kräftigere, tiefere Farben. „Was Sie am Anfang auf die Tafel legen, hat am Ende die gleiche Intensität“, beschreibt der Künstler. „Bei kaltgepresstem Papier werden die Wäsche abgewaschen und Sie verlieren ein oder zwei Werte, wenn die Farbe im Papier verschwindet.“Ein weiterer Vorteil der Platte besteht darin, dass die glatte Oberfläche der Gipskartonplatte ähnelt, die er normalerweise für Eier verwendet Tempera.
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| Reflexionen in
Rote Studie 2006 aquarell, 10¼ x 15¼. Privatsammlung. |
Der Künstler verwendet Grundmaterialien, die keine Präferenzen für Farben und Pinsel zeigen. Seine Palette, die auf einer John Pike Palette, die er in den 1970er Jahren am College gekauft hat, von kühl bis warm arrangiert wurde, besteht aus Ceruleanblau, Kobaltblau, Ultramarinblau, Saftgrün, Olivgrün, Cadmiumrot, Cadmiumgelb und tiefgelbem Ocker, rohe Siena, rohe Umbra und gebrannte Siena. Seine Pinsel bestehen hauptsächlich aus runden Sable- und Mischfarben sowie einem Malerpinsel und einem 3-Zoll-Seehecht, die er zum großflächigen Verlegen verwendet. „Ich missbrauche meine Pinsel und bekomme in der Regel ein Gemälde oder weniger daraus.“Der Künstler sagt: „Ich gehe in die Zeitung, in die Bewegungen und mache viel Scrubbing und Scrumbling.“Er verwendet nur selten Maskierungsflüssigkeit und malt lieber einfach um die Weißen.
Akers legt sich zuerst in die breiten Wäschen, entwickelt zuerst die dunkelsten Dunkelheiten und achtet darauf, die Weißen zu konservieren. Anschließend baut er die Farben und Formen mit mehr Schichten auf und behält dabei stets die Wertestruktur bei, die er in den ersten Skizzen geplant hat. Wenn er entscheidet, dass das Stück mehr Textur und Details benötigt, verwendet er Drybrush, eine von zwei Techniken. Um das Gefühl der Textur zu verbessern, z. B. bei Haut, Rinde oder Gras, drückt er mit einem alten Kunststoffpinsel in die Farbe seiner Palette, hebt den Pinsel mit den in verschiedene Richtungen gespreizten Borsten heraus und trägt ihn auf das Brett auf. "Dieser Ansatz behält ein gewisses Gefühl der Spontanität, da ich den Farbauftrag nicht steuern kann", sagt Akers. Bei der anderen Methode taucht der Künstler einen Marderpinsel in die Farbe ein, wringt sie mit den Fingern aus, um eine scharfe Spitze zu erzielen, und legt dann feine Linien auf, die er für die genauesten Details kontrolliert. "Wenn ich zu viele Details erstellt habe", sagt er, "gehe ich die Bereiche mit einer Wäsche durch, um sie mit den umgebenden Bereichen zu verschmelzen." Er gibt zu, dass Trockenbürste nicht jedermanns Sache ist, vor allem, weil es mehr Planung und Geduld erfordert, aber er fordert die Künstler nachdrücklich auf, es in Bereichen zu versuchen, die sie als Schwerpunkt festlegen möchten. „Ich persönlich bin der Meinung, dass die Kombination aus losen Waschungen und engen Details ein starkes Bild ergibt“, sagt er.
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| Keller Licht
2006 aquarell, 10¼ x 15¼. Privatsammlung. |
Als Akers in den 1970er Jahren nach seinem College-Abschluss mit Aquarell zu arbeiten begann, studierte er die Gemälde und Techniken vieler Künstler und fühlte sich besonders von Andrew Wyeth, Winslow Homer und Edward Hopper angezogen. Alle diese Künstler haben ihn maßgeblich beeinflusst, obwohl sich Akers jetzt weniger von anderen Künstlern angezogen fühlt. „Am Anfang habe ich, wie viele Künstler, alles angeschaut. Jetzt möchte ich mein eigenes Ding machen, und ich verfolge die Arbeit anderer Künstler nicht mehr so wie früher. “
Seinem eigenen Kurs zu folgen, hat zum beachtlichen Erfolg und der Anerkennung des Künstlers geführt, mit vielen Auszeichnungen und bedeutenden Sammlern zu seinem Verdienst. Akers schreibt sein Glück seiner Praxis zu, Ziele zu setzen, die auf jeder vorausgegangenen Leistung aufbauen. „Als ich anfing“, erinnert er sich, „habe ich mir zum Ziel gesetzt, ein Mitglied der American Watercolor Society zu werden. Ein weiteres Ziel war es, in American Artist vorgestellt zu werden. In letzter Zeit lag mein Ziel darin, die New Yorker Galerie zu repräsentieren. “Akers 'jüngste Einzelausstellung in den New Yorker Hammer Galleries bestätigt seine diesbezügliche Leistung. „Durch meine Arbeit in regionalen und dann in nationalen Ausstellungen wurde ich Galeristen und Magazinen bekannt, was zu mehr Galerien und Ausstellungen führte“, stellt er fest. "Natürlich bringt das alles mehr Termine und mehr Stress mit sich, weil ich keine der Shows leicht nehme, aber sie haben aufeinander aufgebaut."
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| Maine Erinnerungen
1999, Aquarell, 19 x 29. Privatsammlung. |
Bei all seinen Leistungen als Maler ist Akers in erster Linie ein Zeichner, wobei der Akt des Zeichnens jeden Schritt seines kreativen Prozesses beeinflusst. Er ermutigt andere Künstler, so viel wie möglich zu zeichnen, und schlägt vor, „zu zeichnen, wovon Sie wissen und worauf Sie sich beziehen können“, so wie er es getan hat. Es ist ein Rat, den man immer wieder hört - und der sich dennoch immer wiederholen muss.
