Jane Paul Angelhart hat mehr als 400 Aquarellporträts von Kindern angefertigt und weiß, wie man potenzielle Probleme mit schmutzigen Farben, ungewöhnlichen Posen, nervösen Kindern und überheblichen Müttern vermeidet.
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von M. Stephen Doherty
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| Ballerinas
1998, Aquarell, 30 x 22. Sammlung der Künstler. |
„Ich warne andere Künstler davor, dass das Malen von Kinderporträts in Aquarell ein sehr einträgliches Unterfangen sein kann, aber auch ein schwieriges Unterfangen, insbesondere für einen Maler, der wirklich seine eigene Agenda verfolgen möchte“, sagt Jane Paul Angelhart. „Für die meisten Kunden stellt die Provision eine große finanzielle Verpflichtung dar und bindet sie in einen ungewohnten Prozess ein. Sie sind sich nicht sicher, was sie erwarten sollen, und sie sind es gewohnt, ihre Kinder auf Schnappschüssen oder Schulfotos zu sehen - beides repräsentiert nicht wirklich die Persönlichkeit, die ein Künstler in einem Gemälde einfangen möchte. Infolgedessen müssen die Maler viel Zeit darauf verwenden, den Kunden zu erklären, wie der Prozess am besten funktioniert und warum er möglicherweise nicht den Erwartungen entspricht.
„Ich konnte niemanden finden, der mir beibrachte, wie man in den tückischen Gewässern von Auftragsporträts navigiert, und es dauerte eine Weile, bis ich sowohl die technischen Aspekte der Verwendung von Aquarellfarben als auch die professionelle Seite der Arbeit mit zahlenden Kunden herausgefunden hatte“, erinnert sich Angelhart. „Ich habe jahrelang experimentiert, um eine Palette von Pigmenten zu finden, die leuchtende, naturgetreue Hauttöne ergeben. Als ich anfing, in Aquarellfarben zu malen, hatte das Standard-Set, das man kaufen konnte, die Grundlagen (schwarz, chinesisch weiß, gelb ocker, gebrannte Siena, gebrannte Umbra, Viridian, Ultramarinblau, Cadmiumgelb und Cadmiumrot). Diese Pigmente eignen sich zum Malen mit Öl, waren aber für meine Aquarellbilder von Kindern nicht transparent und lebendig genug. Ich habe auch bewertet, warum einige Aufträge schwieriger zu erledigen sind als andere, damit ich meine Fehler nicht wiederhole. Irgendwann habe ich herausgefunden, wie ich eine profitable und befriedigende Karriere aufrechterhalten kann, und dann habe ich angefangen, andere Künstler zu unterrichten, um sie davor zu bewahren, dieselben Kämpfe zu bestehen. “
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| Betty Jean
1990, Aquarell, 22 x 18. Sammlung der Künstler. |
Angelhart befasst sich in ihren Kursen, Workshops und auf ihrer neuen DVD mit allen Aspekten der Porträtmalerei. Die wichtigste Komponente ist jedoch die Auswahl der Tubenfarben und die Reihenfolge der Anwendung auf Aquarellpapier. „Nachdem ich die Gesichtszüge des Kindes sorgfältig kartografiert habe, gehe ich direkt zu den so genannten Zirkusfarben über“, erklärt sie. „Zu diesen Pigmenten gehören reine Chinacridon- und Grüntöne - helle, lebendige Farben, die ich später abschwächen kann, wenn ich die folgenden Waschungen vornehme. Es ist leicht, eine Farbe zu betäuben, aber es ist schwierig, eine stumpfe Farbe in Aquarellfarben lebendiger zu machen. Die leuchtenden Farben verleihen dem Gemälde Tiefe und Interesse, durchscheinen die Ebenen und erzeugen Komplexität. Ich vermeide Blues und Purpur in den frühen Stadien, da diese die Farben trüben und die Haut blutig oder müde erscheinen lassen können. “
Um dieses Stadium des Aufbringens von „Zirkusfarben“zu erreichen, durchläuft Angelhart einen Prozess, bei dem Hunderte von digitalen Fotos ihres Motivs aufgenommen, die besten dieser Schnappschüsse ausgewählt, eine Zeichnung in Originalgröße entwickelt und die wichtigen Linien der Zeichnung übertragen werden Zeichnen und Auslegen ihrer Palette. Jeder Schritt ist wichtig, um ein Gefühl für die wahre Persönlichkeit des Kindes sowie für dessen Ähnlichkeit zu entwickeln. „Ich habe in all den Jahren, in denen ich Porträts gemacht habe, gelernt, dass ich von Anfang bis Ende die Kontrolle über die Situation haben muss, um ein Gemälde zu schaffen, das mich und den Kunden zufriedenstellt“, erklärt sie. "Jeder kann eine exakte Kopie eines Fotos anfertigen, aber es bedarf viel sorgfältiger Planung und Kontrolle, um ein Aquarell zu entwickeln, das wirklich die Persönlichkeit eines Kindes einfängt."
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| Tänzer
1998, Aquarell, 15 x 11. Sammlung der Künstler. |
Ein wichtiger Aspekt beim Aufbau der Kontrolle ist das Gespräch mit einem Kunden, um die Parameter der Provision zu klären. „Im Allgemeinen sind meine Kunden bürgerliche Familien, keine großen Unternehmen oder wohlhabenden Erben. Die Kosten für ein Porträt sind für sie also eine erhebliche Summe“, erklärt Angelhart. „Sie neigen dazu, sich auf die Kosten zu begeben, ohne zu wissen, ob sie das fertige Gemälde wirklich mögen werden. Deshalb beruhige ich sie und gebe mir den nötigen Spielraum, indem ich ihnen sage, dass ich ihr Kind als Gegenstand eines Gemäldes verwenden werde, und Wenn sie das Bild kaufen wollen, ist das großartig. aber wenn sie es nicht kaufen wollen, behalte ich es für mein Portfolio. Am Ende werden 99 Prozent von ihnen das Porträt kaufen, aber indem ich ihnen Optionen gebe, lasse ich ihre Angst los und vermeide, dass die Kunden die Kontrolle über den Prozess übernehmen. Ich möchte wissen, welche Größe das Gemälde hat, wo es aufgehängt werden soll und ob es bereits Porträts von anderen Familienmitgliedern enthält. aber ich möchte nicht, dass die Mutter die Kinder posiert, mir beim Fotografieren über die Schulter schaut oder das Kind zum Grinsen auffordert. Ich mache deutlich, dass ich mit dem Kind allein sein möchte, damit es mich kennenlernen und wissen kann, was ich tun werde. und ich lasse sie wissen, dass sie nichts sehen werden, bis das Bild fertig ist. “
Angelhart reist zum Haus der Klientin, damit sie Kinder in einem Raum fotografieren kann, in dem sie entspannt und bequem sind. Wenn das Wetter es zulässt, fotografiert sie die Kinder in ihrem Garten oder auf einem Spielplatz. Wenn eine Außenhaltung nicht möglich ist, arbeitet der Künstler in der Nähe eines Fensters in der Wohnung, vorzugsweise in einem Schlafzimmer oder einem Spielbereich, in dem sich das Kind wohlfühlt. „Es geht darum, auf die körperliche und geistige Ebene der Kinder zu gelangen und ein Gefühl des Vertrauens und des Wohlbefindens zu entwickeln, das es ihnen ermöglicht, sich zu entspannen und sich selbst zu sein“, erklärt der Künstler. „Ich versuche, sie dazu zu bringen, mir von sich zu erzählen - ihren Lieblingsplätzen, den Aktivitäten, die sie am liebsten mögen, ihren Haustieren und so weiter. und ich beantworte alle Fragen, die sie zu meinem Interesse am Malen ihres Porträts haben könnten. “
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| Beth Mit Schnorchel
1998, Aquarell, 20 x 28. Privatsammlung. |
Während Angelhart das Kind am frühen Morgen oder am späten Nachmittag trifft, wenn das Sonnenlicht warm und niedrig am Himmel ist, macht er Hunderte von Fotos an verschiedenen Orten, mit und ohne Requisiten und in verschiedenen Winkeln (Profil, Dreiviertel- und Vollgesicht)). In den meisten Fällen steht Angelhart in einiger Entfernung zum Kind und verwendet ein langes Objektiv, damit der Junge oder das Mädchen weniger selbstbewusst in das Objektiv blickt und die resultierenden Fotos mit weniger Objektivverzerrungen genauer sind. „Obwohl sich manchmal die allerersten Fotos als die besten herausstellen, sind es in den meisten Fällen die letzten Bilder, die die wahre Persönlichkeit des Kindes einfangen, da diese aufgenommen werden, wenn der Junge oder das Mädchen die Kamera vergessen und völlig entspannt sind.”Erklärt der Künstler. "Bis dahin machen sie sich keine Sorgen mehr um das Posieren oder ihre Haltung, ihren Gesichtsausdruck oder ihre Gesten."
Obwohl Angelhart es den Kindern ermöglicht, ihre natürlichste Position zu finden, versucht sie, sie zu posieren, damit sie kein breites, zahnartiges Grinsen im Gesicht haben. Sie achtet auch darauf, dass das Sonnenlicht nicht über ihre Gesichter fällt und seltsame Schatten wirft, und sie macht ein paar Fotos mit dem Sonnenlicht hinter dem Kopf des Kindes. „Sobald die Kinder meine Vorschläge annehmen, fordere ich sie auf, an verschiedenen Stellen im Hof oder zu Hause zu sitzen und zu stehen.“
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| Chase und Summie
2006 aquarell, 22 x 30. Privatsammlung. |
Zurück in ihrem Studio lädt Angelhart alle digitalen Fotos auf ihren Computer herunter und überprüft jedes Bild sorgfältig, um die drei oder vier zu identifizieren, mit denen das ansprechendste und charakteristischste Porträt des Motivs erstellt werden kann. Sie macht Farbdruckvergrößerungen dieser Fotografien, um sie als Referenz zu verwenden, und entwickelt eine ziemlich detaillierte Graphitzeichnung auf einem Blatt Papier, das der Größe des beabsichtigten Gemäldes entspricht. Sobald sie mit dieser Zeichnung zufrieden ist, überträgt sie vorsichtig eine minimale Anzahl von Linien auf ein sauberes Blatt kaltgepresstes Aquarellpapier von 300 Pfund Arches oder ein ähnliches Gewicht von Fabriano-Papier. „Ich möchte die Menge an Graphit auf dem Aquarellpapier so gering wie möglich halten. Deshalb benutze ich nur Punkte oder kurze Linien, um die Position von Orientierungspunkten wie Augenbreite, Nasenboden und Rändern des Papiers anzuzeigen Mund und so weiter “, erklärt der Künstler. Das meiste Zeichnen auf dem Aquarellpapier erfolgt mit dem Pinsel mit sehr blassen, nicht fleckigen Farben. Angelhart nennt dies den Entwurf oder die Karte für ihr Gemälde.
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| Mona Lisa Augen
2004, Aquarellzeichnung, 22 x 15. Privatsammlung. |
Mit ihren Referenzfotos, die auf einem nahe gelegenen Computerbildschirm beleuchtet sind, beginnt Angelhart, die Gesichtszüge mit Rundpinseln der Serie Loew-Cornell 7020 (Nr. 4 bis 12) und hellen, transparenten Farben wie Chinacridongold, Chinacridonbrandorange und Chinacridonkoralle abzubilden, Anthrachinonrot, Perinonorange, Gelborange, Grüngold, Olivgrün (Holbein), Phthalocyaningrün, Manganblau, Ultramarinblau, Kobaltblau, Kobaltviolett und Oper. „Die Erdfarben, wie gelber Ocker, gebrannte Siena und rohes Umbra, können im Ölgemälde großartige Fleischtöne erzeugen, sind aber für Aquarellfarben zu körnig und schlammig“, sagt sie. „Ich habe einige Cadmiums für spezielle Situationen zur Verfügung, aber ich bevorzuge es, mit den hellsten und lebendigsten Farben zu beginnen, die ich finden kann, und diese dann zu modulieren, wenn ich die Schatten male oder wenn ich Farbwäschen über die ersten Schichten von gleite Farbe."
Sie legt die Schattenbereiche fest, indem sie den warmen Fleischfarben Komplementärfarben hinzufügt - zum Beispiel ein Kobaltblau oder Olivgrün, das in eine Pfütze aus Quinacridon-verbranntem Orange getropft ist. „Es ist wichtig, nicht zu früh mit kühlem Blau und Lavendel einzuspringen, damit die Schattenformen hart aussehen“, erklärt sie. „Diese starken Akzente sind gut für Erwachsene mit eckigen Gesichtsstrukturen, aber zu scharf für die glatte Haut eines Kindes. Es braucht sehr wenig Farbe, um eine Wange zu drehen oder einen Schlagschatten neben der Nase auf dem Gesicht eines jungen Menschen darzustellen. “
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| Candler Grands
2007 wasserfarben 22 x 30. Privatsammlung. |
Angelhart verbringt viel Zeit damit, die Gesichtszüge zu definieren, da diese für den Erfolg des Porträts entscheidend sind. „Im Gegensatz zu vielen anderen Künstlern setze ich die Glanzlichter sofort in der Nase, in den Augen und um den Mund, indem ich eine schwache Farbe um den Bereich male, der weiß bleiben soll. und ich stelle ganz vorne eine Menge anderer feiner Details fest. Ich kann diese später immer anpassen, aber ich finde es hilfreich, diese kritischen Bereiche festzulegen, bevor ich sehr weit in den Malprozess eintauche. Spätere Wäschen machen diese Details weicher. “
Sobald das Gesicht des Kindes klar definiert ist, blockiert Angelhart die Haarmasse des Kindes und den Hintergrund. "Ich muss ein Gefühl für eine ganze Reihe von Werten entwickeln, damit ich weiß, wie ich die Gesamtzusammensetzung ausbalancieren kann", sagt sie. „Ich male die Haare und den Hintergrund mit viel lockeren Pinselstrichen von nasser in nasser Farbe. Der Hintergrund ist der Ort, an dem ich Spaß mit Farbmischungen und zufälligen Waschungen habe. “
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| Phillip
2006 aquarell, 30 x 22. Privatsammlung. |
Sobald Angelhart die dunkelsten Bereiche der Komposition markiert hat, kann sie ins Gesicht zurückkehren und Farbschichten hinzufügen, um die Schatten zu vertiefen und abzukühlen, das Rosa auf den Wangen zu verstärken, die Form der Oberlippe abzudunkeln und die Ecken von zu punktieren der Mund. „In einem Workshop zeige ich den Schülern, wie man Farben eher auf der Oberfläche des Aquarellpapiers als auf der Palette mischt“, erklärt sie. „Je weniger Pigment aufgetragen wird, desto brillanter bleiben die Farben. Ich zeige ihnen, wie sie die Farbe auf das Papier legen oder in einen feuchten Bereich fallen lassen und dann die Farben zum Fließen bringen, wo ich sie haben möchte. “
Der letzte Schritt im Malprozess besteht darin, das Malen der Augen des Kindes aufzulösen. „Es gibt viele Dinge, die ich mache, bevor ich ein Bild für beendet erkläre“, erklärt sie. „Normalerweise mache ich Digitalfotos, während ich male, und wandle eine der Aufnahmen in einen Schwarzweißdruck um, damit ich die Werte erneut überprüfen kann. und ich schaue ständig auf die Rückseite des Gemäldes im Spiegel, um nach leichten Verzerrungen zu suchen. Die Augen sind die erste und letzte Überlegung im Malprozess, daher überprüfe ich sie ein letztes Mal, bevor ich dem Gemälde meine Unterschrift hinzufüge.
„Ein Porträt in Aquarell zu malen ist wie ein Kind großzuziehen“, schließt Angelhart. "Es ist eine gute Balance zwischen dem Wachsenlassen und Erblühen der leuchtenden transparenten Farben in unerwartete Richtungen und dem sorgfältigen und nachdenklichen Führen von Trainern und Beobachtern."
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| Kerry
2006 aquarell, 22 x 16. Privatsammlung. |
