Die Kalifornierin Patricia A. Hannaway betont, dass die besten Zeichnungen von Lebewesen die Handlungslinie und Geste ehren und ihre Bewegungen in der jüngsten Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft andeuten. Dieser dynamische, filmische Ansatz ist sinnvoll für jemanden, der sich als erfolgreiche Animatorin einen Namen gemacht hat.
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von Bob Bahr
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2006, Pastell auf getöntem Papier, 21 x 12. Alle Kunstwerke dieses Artikels Sammlung des Künstlers. |
Als Patricia A. Hannaway einige der dynamischeren Gemälde von Tintoretto sieht, sieht sie die Arbeit eines Animators. „Sie hätten schwören können, dass ein Tintoretto-Gemälde bewegt wurde, wenn Sie es nicht direkt betrachteten“, ruft sie aus. „Die Figuren wechseln von einem Satz zum nächsten; Sie platzen vor Energie! Ich bin von dieser Energie angezogen. “
Hannaway ist in gewisser Weise voreingenommen - sie ist am bekanntesten für ihre Arbeit auf dem Gebiet der Animation. Die in Kalifornien lebende Künstlerin war die leitende Figurenanimatorin für die Figur von Gollum in Der Herr der Ringe: Die zwei Türme. Sie arbeitete auch an den Animationsfilmen Shrek und Antz. Sie schnitt ihre Zähne in der Animationsabteilung von Walt Disney Feature Animation, wo sie an Mulan arbeitete. Ihre künstlerischen Bemühungen haben auch ihre Anerkennung verdient; Sie wird von Kathleen Avery Fine Art in Palo Alto, Kalifornien, vertreten. Aber als Hannaway sieht, dass einige der akademischen Zeichnungen von zeitgenössischen realistischen Künstlern erstellt werden, ist sie bestürzt. "Das Ausfüllen der Außenkontur, die als" Umschlag "bezeichnet wird, ist nicht die Art und Weise, wie viele der alten Meister überhaupt gezeichnet haben", versichert sie. „Der Umschlag versteift die Zeichnung - deshalb können viele akademische Zeichnungen ruhig und gelassen sein. Sie sind nur Modelle auf einem Ständer. Sie atmen nicht und bewegen sich nicht. Aber das Leben ist in ständiger Bewegung. “
| Beginnen Sie mit der Aktionslinie
Hannaway ist der festen Überzeugung, dass die
Der beste Weg, um eine Zeichnung zu beginnen, besteht darin, zuerst die Aktionslinie festzulegen - eine Linie, die Form, Kraft und Richtung der Bewegung der Figur angibt. "Die Aktionslinie ist nicht die äußere Kontur", sagt sie. "Sie müssen einen konzeptuellen Sprung machen und überlegen, was die Aktion ist." Zeichnen Sie die Form der Bewegung, nicht das Ding, sagt der Künstler. Sie plädiert dafür, beim Skizzieren den Stift oder Bleistift auf der Oberfläche zu halten und von der Schulter zu zeichnen, nicht von der Hand. Wenn Sie den Punkt vom Papier heben, wird Ihr Gedankengang unterbrochen und Sie verlieren Ihren Platz, und Hannaway sagt, dass alles in einem Durchgang auf die Seite geschrieben werden muss. „Wenn Sie die Action-Linie besser darstellen können, werden Sie feststellen, dass sie als eine Art Kleiderbügel dient und alle Details hängen einfach daran“, erklärt sie. „Die Perspektive wird drin sein, alles. Es ist wunderbar."
Für diesen Artikel zeichnete der Künstler die Aktionslinie für drei Stufen eines Baseball-Werfers, der einen Ball wirft. In der Skizze ganz links wickelt sich der Krug zum Werfen auf, und Hannaway begann am rechten Fuß des Krugs, wo sie spürte, wie die Aktion einsetzte, und zog die Aktionslinie durch das Bein, durch den Rücken und in die Rolle Arm. "Die Energie steigt von den Füßen auf und die Spannung steigt in diesem Wundarm", versichert sie. Die nächsten beiden Skizzen zeigen Aktionslinien, die die Kraft angeben, die den Körper durch die Wurfhand verlässt. Die Geste ist übertrieben, aber Hannaway würde sie später einschränken, als sie die Zeichnung entwickelte. Die Skizze rechts zeigt, wie Aktionslinien nicht nur die Richtung, sondern auch die Kraft anzeigen. Beachten Sie, dass eine nach oben gebogene Linie entlang des Rückens der Figur eine relativ geringe Kraft suggeriert, während die nach außen gebogene Linie einen starken Druck impliziert. „Wenn Sie mit der Aktionslinie beginnen und in dieser Stimmung bleiben, bleiben Sie im Suchmodus“, sagt Hannaway. „Wenn Sie sich auf die Kontur konzentrieren, werden Sie feststellen, dass Sie über die Notwendigkeit nachdenken, das eine oder andere Teil auf eine bestimmte Art und Weise aussehen zu lassen. Die Idee ist die Handlung, und diese muss kommuniziert werden. “ |
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| Männliche Figur Studie
2007, Pastell auf getöntem Papier, 18 x 11. |
Die Ausbildung des Künstlers war im Traditionellen verwurzelt. Sie studierte Kunstgeschichte am Smith College in Northampton, Massachusetts, und erwarb ein MFA an der New York Academy of Art. Aber ein zweites MFA, dieses in Computeranimation, das an der School of Visual Arts in New York City erworben wurde, deutete auf ihre gegenwärtige Karriere hin, und als Hannaway für Disney arbeitete, hatte sie das Gefühl, eine Art Grenze zu überschreiten kommerzielle Illustration. Hannaway ist jetzt der Meinung, dass der Umzug genau umgekehrt war. "Ich kann alles rendern, ich kann alles wie ein Foto aussehen lassen, aber ich fand, dass das eine Sackgasse ist", sagt sie. „Ich war überrascht, durch Animation ein Gefühl der Verbundenheit mit den Alten Meistern zu finden.“In Zeichnungen von Michelangelo und Rubens bemerkte sie die herausragende Handlungslinie. Sie sah, wie Kollwitz und Degas ihre Zeichnungen auf der größeren Geste der Figur aufbauten. Sie bemerkte die schwingenden Hämmer, die Aufzucht von Pferden und das heftige Ringen, die in Leonardos Notizbüchern abgebildet waren, und die flüchtigen Momente, die in der Arbeit von Velázquez festgehalten wurden. Und sie staunte über die Dynamik in Tiepolos Fächern. „Seine Figuren drehen sich und drehen sich und sind stark übertrieben, aber irgendwie wirken sie immer noch in seinen Gemälden“, sagt Hannaway. „Sie werden wahrscheinlich nie jemanden sehen, der sich so stark dreht oder anzieht wie einige seiner Figuren. Wenn Sie es versuchen würden, würden Sie sich wahrscheinlich den Rücken brechen. Aber wen kümmert's?"
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| Studie für Sturm
2006, Kohle und Kreide auf getöntem Papier, 24 x 18. |
Der Punkt ist nicht die Übertreibung. So wird die Handlungslinie, die Geste, verwendet, um die größere kompositorische Idee voranzutreiben. "Manchmal verzerre ich die Körperformen, um die Aktionslinie zu betonen", sagt sie. „Was auch immer das Zeichnen zum Funktionieren bringt und richtig auf Papier liest, das versuche ich zu erreichen. Ich kopiere nicht, was ich sehe; Ich schiebe die Pose nach dem Vorbild. “Hannaway betont, dass ein Künstler sie immer abschwächen kann, wenn die Aktionslinie zu extrem ist. "Aber gehen Sie immer bis zum Äußersten und ziehen Sie es dann zurück", rät sie. „Es ist sehr schwierig, eine gedämpfte Haltung dynamischer zu gestalten. Ich mache die Action-Linie extremer als im echten Leben, sodass beim Rendern etwas Bewegung übrig bleibt. “
Figuren, die dramatische Bewegungen ausführen, sind nicht die einzigen mit einer Aktionslinie. Jeder Körper, der Gewicht hat, hat eine Aktionslinie. In einer stehenden Figur beschreibt die Aktionslinie, wie der Körper mit dem Gewicht umgeht: Welches Bein trägt am meisten, welche Hüfte ist geneigt, welche Schulter reagiert mit leichtem Eintauchen, wie sich die Wirbelsäule krümmt - selbst wie der Kopf gehalten wird am Hals. „In stehender Haltung ist die Kraft der Aktion das Gewicht, das auf den Boden fällt“, sagt Hannaway. Die Bestimmung, wo sich das Gewicht, die Kompression oder die Streckung in einer Pose befindet, gibt einer solchen Zeichnung die Richtung und bestimmt den Mittelpunkt des Interesses.
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| Streik!
2005, Kohle auf cremefarbenem Papier, 24 x 18. |
Der Künstler hat einige einfache Ratschläge für Zeichner, die lernen möchten, wie man die Aktionslinie schnell und genau aufstellt: Gehen Sie in den Zoo und zeichnen Sie Affen. Sie werden Sie dazu zwingen, einfach die Art und Weise zu erfassen, in der sie sich bewegen - sie werden nicht still genug für ein sorgfältiges Rendern sein. "Man kann ihre Konturen nicht erfassen", sagt der Künstler. „Aber Sie können die Handlungslinie und folglich die Essenz des Affen erfassen. Beobachten Sie die Gewichtsverlagerung, die typischen Aktionen, wie es sitzt. Lerne den Charakter des Tieres. Sehen Sie, wie es hängt und wie die Spannung in seinem Körper wirkt. Sie können sich keine Sorgen um die Fliege im Ohr oder andere Details machen. “Hannaway betont die Handlungslinie bis zu dem Punkt, an dem sie bereit ist, auf anatomische Korrektheit zu verzichten, und sie nennt Goya als überzeugendes Beispiel für dieses Konzept, insbesondere die hochwirksamen Zeichnungen aus seiner Serie The Disasters of War. "Niemand kümmert sich darum, dass die Anatomie eines Arms oder einer Schulter in einem von ihnen nicht richtig ist", erklärt der Künstler. „Die Art und Weise, wie der Arm gezeichnet wird, dient der kraftvollen Idee hinter dem Design der Zeichnung.“In den meisten Fällen mag es schwierig sein, die Technik zu ignorieren, aber Hannaway dient einem anderen Meister. Sie verfolgt unermüdlich die Idee, und diese Idee drückt sich mehr in den Aktionslinien der Figuren in ihren Stücken als in ihren Oberflächeninformationen aus. In ihrer Kunst geht es um Dinge, die geschehen, Ereignisse, die eintreten oder gerade eintreten werden. Sie vergleicht es mit dem Filmemachen - mit der Ausnahme, dass sich ein Maler auf nur einen Frame beschränkt. Dieser Künstler schätzt die Kinästhetik über die bloß genaue.
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| Weg
2006 Pastell und Kreide auf getöntem Papier, 20 x 10. |
Sieg!
2007 wurde Holzkohle auf cremefarbenes Papier, 24 x 18 |
Tatsächlich ist die Essenz von Hannaways Ansatz in einem Motto zusammengefasst, das ihr Mentor Jim Smyth formuliert hat: „Zeichne, was das Modell tut, und nicht, wie es aussieht.“Sie erklärt, dass diese Art des Denkens den Dialog zwischen den Künstlern fördert und das Modell, das es der Künstlerin ermöglicht, die größeren Beziehungen einzufangen und die Pose in ihrem eigenen Körper zu „fühlen“, während sie zeichnet. „Mein Denkprozess beim Zeichnen ist: Das Modell tut dies und das auch. Ich beschäftige mich mit dem, was das Modell tut, und nehme die Pose mental selbst ein und spüre die Bewegung in meinem eigenen Körper. Dies wird über eine aktivierte Leitung auf die Seite übertragen. Die Zeichnung geht von einem inneren Gefühl nach außen aus. Im Gegensatz dazu wird dieser Dialog beendet, wenn der Fokus auf dem Aussehen des Modells liegt. Plötzlich dreht sich in der Zeichnung alles um die Oberflächendetails und das Skizzieren einer Außenkontur. Es wird eine Kontur „aufgefüllt“, anstatt die größeren Beziehungen und das Gewicht „herauszufühlen“. Nichts tötet eine Zeichnung schneller als dieser Denkprozess! Ich rendere nur das, was die Geste verstärkt. “Hannaway erwähnt ausdrücklich, dass das Wort„ animieren “vom lateinischen animatus kommt -„ Leben geben “.
Wenn es eine schwierige Aufgabe ist, die empfindliche Balance zwischen einer starken und einer unangemessen übertriebenen Handlungslinie zu finden, ist es für Hannaway noch schwieriger, wenn er sich gegen stark gerenderte Zeichnungen wehrt: zu wissen, wie viel Detail ausreicht - zu wissen, wann er aufhören soll. „Beim Zeichnen von Animationen - und meiner Meinung nach bei großartigen Kunstwerken im Allgemeinen - geht es darum, nur das zu erfassen, was für eine Figur oder Form wesentlich ist, anstatt die Oberflächenqualitäten einer Form wiederzugeben“, erklärt der Künstler. „Eine gute Zeichnung funktioniert von innen nach außen, vom Allgemeinen zum Besonderen.“Sie fasste es zusammen, indem sie einfach sagte, dass mehr Details nicht zu mehr Wahrheit oder Genauigkeit führen. „Die intellektuelle Unterscheidung, worauf es ankommt, ist die große Freude, eine engagierte und animierte Zeichnung zu erstellen“, erklärt Hannaway. „Eine zeichnungsbetonte Bewegung ist wahrhaftiger als ein Foto, das eine Figur in einem Augenblick einfriert. Großartige Künstler wollen die Essenz des Modells einfangen, und genau dafür setzen die Animatoren ein. “
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| Die Tänzer
2006, Kohle auf cremefarbenem Papier, 18 x 24. |
Die drei Grazien
2006 Holzkohle und Kreide auf getöntem Papier, 26 x 21. |
Sie erinnert sich gern daran, wie Disney dafür gesorgt hat, dass eine riesige Eidechse ihre Büros besucht, wenn die Animateure die Bewegung des Tieres studieren mussten, um eine Figur zu erschaffen, und wie die Künstler einen Tag damit verbringen würden, einen lebenden Falken zu zeichnen, um sich auf eine bestimmte Szene mit diesem Vogel vorzubereiten es. "Zeichnen ist wie Atmen bei Disney", sagt Hannaway. „Die Leute dort denken nicht einmal darüber nach, es ist so natürlich und sie sind so gut darin. Anstatt zu zeichnen, was Sie sehen, zeichnen Sie, um etwas zu verstehen. “Es ist nicht so, dass das Zeichnen nicht wichtig ist. Hannaway schöpft immer noch mindestens 10 Stunden pro Woche aus dem Leben, und ihre Idee eines guten Tages besteht darin, die Kunden stundenlang in einem Café zu skizzieren. In der Zeichnung geht es jedoch nicht darum, eine Technik darzustellen oder zu rechtfertigen oder eine fotografische Ähnlichkeit herzustellen. Es geht darum, eine Bank von mentalen Bildern aufzubauen; ihre Umwelt, ihre Physik und ihre Menschlichkeit beobachten und kennenlernen; und die wichtigsten Elemente von Posen und Formen zu verinnerlichen, damit sie ihren Zwecken dienen können. „Design in einer Komposition hat immer Priorität - ich werde alles für das Design opfern“, sagt der Künstler. „Dann ziehe ich basierend auf dem Design Dinge heraus, die ich hervorheben möchte. Es ist eine Auswahl, und es hat sehr wenig mit dem Malen zu tun, was ich sehe. Das Design wird von der Idee bestimmt, und die Idee möchte ich vermitteln. “
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| Zärtlichkeit
2007, Pastell auf getöntem Papier, 21 x 13. |
In letzter Zeit bedeutete dies großflächige thematische figurative Gemälde. Hannaway führt viele Holzkohle- und Gouachestudien zur Vorbereitung eines Gemäldes durch, dann malt sie kleine Ölstudien, um das Licht für das Stück zu erarbeiten und die Komposition zu klären. Aktuelle Ereignisse und zeitgenössisches menschliches Verhalten bilden das Thema. "Ich denke, es ist wichtig, dass Künstler das Gewissen ihrer Zeit haben", sagt sie. „Es ist gut, die Materialien und Fähigkeiten der vergangenen Jahrhunderte kennenzulernen, aber Kunst sollte von unserer Welt sein. Ich suche nach Sinn in der menschlichen Verfassung. “
