Eines der Ziele von Carla O'Connor in einem Workshop ist es, die Schüler davon zu überzeugen, sich nicht mehr mit den Werkzeugen der Wassermedienmalerei - den Pinseln, Farben und Papier - auseinanderzusetzen und sich auf den Ausdruck zu konzentrieren. Sich auf Materialien zu konzentrieren, ist für sie wie sich zu fragen, ob ein großer Schriftsteller einen Bleistift Nr. 2, einen Kugelschreiber oder einen Computer verwendet hat, um seine tiefsten Gedanken preiszugeben.
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von M. Stephen Doherty
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| New Yorker Modell
2007, Aquarell und Gouache, 30 x 20. Alle Kunstwerke dieses Artikels Sammlung des Künstlers wenn nicht anders angegeben. |
Schüler in meinen Workshops können sich sehr darüber aufregen, wie ich mich kontinuierlich bewerbe und dann Gouacheschichten abwasche “, sagt Carla O'Connor. „Sie denken, ich sollte bewusster sein. Was ich erklären muss, ist, dass der Prozess ein wesentlicher Bestandteil meiner Ausdrucksweise ist. Außerdem, wen interessiert es, ob ich die Materialien sparsam verwende, wenn ich ein Gemälde bekomme, das mir nichts bedeutet? “
Dieser scheinbar ziellose Prozess ermöglicht es O'Connor, meisterhafte Gemälde zu schaffen, die mit anderen Künstlern, Ausstellungsrichtern, Kuratoren und Sammlern in Resonanz stehen. Alleine im letzten Jahr wurde sie eingeladen, 15 Workshops durchzuführen, vier internationale Ausstellungen zu beurteilen, an drei Gruppenausstellungen teilzunehmen und bei der Beurteilung der Preise für die Ausstellung 2008 der American Watercolor Society mitzuwirken. Eine dieser Gruppenausstellungen, die Invitational Exhibition of Contemporary International Watermedia Masters, reist weiterhin durch China und Taiwan und wurde in einem 76-seitigen Buch dokumentiert.
O'Connor hat die bemerkenswerte Fähigkeit, darstellende Figuren in abstrakte Bildräume zu integrieren, ein Ansatz, an dem sie in ihrer Karriere hart gearbeitet hat. „Auf der einen oder anderen Ebene beschäftigt sich jede Künstlerin mit den abstrakten Qualitäten von Bildern und der Illusion einer dreidimensionalen Realität auf einer zweidimensionalen Oberfläche“, kommentiert sie. „Für mich muss ich fast immer das, was ich tue, mit einer menschlichen Form in Verbindung bringen, und meistens ist diese Form eine Frau. Ich male manchmal Männer und Kinder, aber ich erlebe die Welt als Frau, und das ist der beste Bezugspunkt für mich. “
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Der Künstler führt Figuren auf zwei Arten ein, entweder zu Beginn des kreativen Prozesses oder nachdem eine reiche Oberfläche aus Farben, Formen, Linien und Texturen etabliert ist. „Ich kann nicht erklären, warum ich den einen oder anderen Ansatz verfolge, aber manchmal beginne ich mit einer Figur, die der Schlüssel zum Bild wird. In anderen Fällen verfolge ich eine intuitivere Methode, um eine Figur aus einem Gemälde herauskommen zu lassen und mich zu überraschen “, erklärt O'Connor. „Die Figuren basieren normalerweise auf Zeichnungen oder Gemälden eines Modells, das für einen Workshop posierte, oder einer Person, die ich angeheuert habe, um sie in Schwarzweiß zu fotografieren. Wenn die Pose des Modells oder der Ausdruck auf ihrem Gesicht etwas für mich bedeuten, beginne ich mit dem Malen, indem ich ihre Form auf dem Papier feststelle und dann das Gemälde um sie herum baue. Ich kann auf Vorschläge von ihrem Körper antworten, der sich dreht, biegt, streckt oder sich hockt; oder ich kann mich in die Emotionen einfühlen, die in ihrem Gesicht, ihrer Stimme oder ihren Gesten zum Ausdruck kommen, und diese werden zum Grund, das Bild zu malen.
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| Heilige Steine
2006, Gouache, 30 x 22. |
„Die Motivation zum Malen kann so einfach sein wie die Form eines T-Shirts oder die elegante Ausdehnung ihrer Arme“, fährt die Künstlerin fort. „Wenn ich keine starke emotionale Verbindung zu der Person spüre, die zum Inhalt des Gemäldes werden soll, bewerte ich nur die Formen in Körper, Kleidung und Umgebung des Modells. Nicht jedes Gemälde strotzt nur so vor Inhalten, aber es gibt immer eine Botschaft, die durch die Körpersprache des Models und die Muster, die ich um sie herum erstelle, entdeckt und vermittelt werden kann, um dies zu unterstützen.
"Der zweite Ansatz ist, die Figur später im Malprozess hinzuzufügen und sicherzustellen, dass die menschliche Form nicht der dominierende Teil des Gemäldes ist", fügt O'Connor hinzu. „Ich habe nur eine Farbe aufgetragen, eine weitere hinzugefügt, die Farbe abgewaschen und diesen Vorgang wiederholt, bis ich mit den Formen, Mustern, Texturen und Farben zufrieden bin. In all diesen Phasen versuche ich zu vermeiden, das fertige Gemälde zu visualisieren, weil ich nicht möchte, dass meine Entscheidungen im Vorgriff auf das getroffen werden, was als nächstes kommen könnte.
"Da ich denke, dass es wichtig ist, im Moment zu bleiben und den kreativen Prozess nicht zu antizipieren, rate ich den Schülern, den offensichtlichsten Schwerpunkt in dem von ihnen in Betracht gezogenen Thema zu identifizieren und eine bewusste Entscheidung zu treffen, ihn zu ignorieren", sagt O'Connor. „Ich möchte, dass sie beim Malen etwas Unerwartetes entdecken und entwickeln. Deshalb beginne ich meine Bilder manchmal damit, Gouache aufzutragen und abzuwaschen und dann eine Figur an einer ungewöhnlichen Stelle einzuführen, damit sie die Komposition unterstützt, aber nicht überfordert.
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| Untermalen für Zeitreisende
Der ursprüngliche Entwurf für das Gemälde basierte auf Zeichnungen eines Modells. |
Zeitreisende im Gange
O'Connor trug Schichten von Gouache auf, wusch einen Teil der Farbe ab und baute zusätzliche Schichten auf. |
Zeitreisende
2007, gemischtes Wassermedium, 30 x 22. |
„Bei beiden Malmethoden versuche ich, mich darauf zu konzentrieren, den Prozess zu genießen und mir nicht das Ziel zu setzen, ein Produkt herzustellen“, betont O'Connor. „Zu oft behandeln Künstler den Malprozess so, als würden sie eine Aufgabe erfüllen, anstatt eine Erfahrung zu genießen. Ich verstehe, dass es schwierig ist, von einer lebenslangen Sorge um das Erreichen von Zielen und das Messen der eigenen Leistungen in Bezug auf Geld, Auszeichnungen oder Anerkennungen abzuweichen. Aber bedeutungsvolle Kunst zu schaffen hat nichts mit solchen Prozessen zu tun und kann auch nicht nach objektiven, quantifizierbaren Maßstäben gemessen werden. Das ist für viele Menschen schwer zu akzeptieren, aber wenn sie es einmal tun, können sie wirklich kreativ sein. “
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| Zweite Chance
2007, Aquarell und Gouache, 20 x 30. |
O'Connor hat viele klare Vorstellungen, wie sie anderen Künstlern helfen könnte, mehr Freude am kreativen Prozess zu haben, und das ist einer der Gründe, warum sie bereit ist, so viele Workshops durchzuführen und warum die Schüler mit ihrem Jahr wieder zur Arbeit zurückkehren nach einem Jahr. „Eine der besten Möglichkeiten, als Künstler zu wachsen und sich zu entwickeln, besteht darin, jemand anderem beizubringen, und ich habe mit Sicherheit etwas über mich gelernt, als ich versucht habe, anderen zu helfen“, erklärt sie. "Der kreative Prozess ist zu fast 80 Prozent mental und zu 20 Prozent physisch."
Diese Klarstellung erfolgt in einem sehr strukturierten Workshop-Programm, das Mini-Demonstrationen, klare Empfehlungen, Gruppendiskussionen und Einzelgespräche umfasst. „Ich schlage den Leuten vor, dass sie eine neue Identität annehmen, wenn sie an einem meiner Workshops teilnehmen“, sagt O'Connor. „Ich möchte, dass sie bereit sind, etwas völlig Neues auszuprobieren. Ich nehme an, sie haben sich für einen Workshop mit Carla O'Connor oder jemand anderem angemeldet, weil sie von diesem Ausbilder lernen wollen. Warum all die Zeit und das Geld für einen Workshop aufwenden, wenn der Student nur zeigen will, was er oder sie bereits weiß? “
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| Spirit Pouch
2006, gemischtes Wassermedium, 30 x 22. Sammlung Herr Alan Long. |
„Mein Malprozess ist so offen, dass ich nicht einmal während einer der Demonstrationen, die ich in einer Klasse anbiete, versuche, ein Bild fertigzustellen“, fügt O'Connor hinzu. „Es ist ein Prozess des Versuchs und Irrtums - hin und her, hinlegen, abheben, experimentieren - bis der ganze Aufwand für die Herstellung des Gemäldes nicht mehr ersichtlich ist. Es finden so viele Veränderungen statt, dass die Schüler verwirrt, frustriert und manchmal gelangweilt werden können, wenn ich sie dazu brachte, alles durchzusitzen. Stattdessen führe ich nur kurze Demonstrationen spezifischer Ideen, Materialien und Ansätze durch, um einige der Punkte zu veranschaulichen, die ich im Gespräch behandele. Ich kann zurückgehen und an demselben Bild arbeiten, aber nur wenn ich einen Punkt ansprechen kann, der für die Teilnehmer hilfreich sein könnte.
"Wenn sich ein Model für den Workshop ausgibt, bestehe ich darauf, dass die Leute arbeiten und keine Zeit mit Chatten, Pausen für Snacks oder Ablenkung verschwenden", sagt O'Connor. „Wir zahlen für die Zeit des Modells und müssen eine Sammlung von Zeichnungen zur Verfügung haben, wenn wir mit dem Malen beginnen. Daher ist es unerlässlich, dass wir die Gelegenheit zum Zeichnen in vollem Umfang nutzen. Das Modell ist ein kostbares Gut, und das Zeichnen ist die Grundlage aller Kunst. “
O'Connor hat kürzlich mit Creative Catalyst Productions (www.ccpvideos.com) zusammengearbeitet, einem Produzenten von herausragenden DVD-Programmen für Kunstunterricht, in denen einige der besten Ausbilder des Landes vertreten sind. „Die Produzenten haben so großartige Arbeit geleistet, dass ich mir sicher bin, dass die Zuschauer glauben werden, dass sie gerade mein Studio betreten haben, als ich gearbeitet habe. Aber wie die meisten gefilmten Programme war es tatsächlich ein viel komplizierteres Verfahren, als sich irgendjemand vorstellen würde “, erklärt der Künstler. „Ich war in einem komplett schalldichten Studio mit fünf auf mich gerichteten Kameras unter heißem Licht und musste auf einer Markierung auf dem Studioboden stehen, ohne herumlaufen zu können. Nach einem langen Drehtag haben die Redakteure alles zusammengefügt, sodass es sich um ein nahtloses, schnelllebiges Programm handelte, das wertvolle Informationen für Medienkünstler enthält - insbesondere, weil sie mit der DVD-Technologie anhalten, einfrieren, zurückspulen und neu starten können das Programm; oder sie können die Kapitel auswählen, die sie am liebsten noch einmal sehen möchten. Es ist, als hätte man einen Privatlehrer, der alles wiederholt, was man sehen möchte, oder der aufhört zu malen, damit man sich ihre Arbeit so lange ansehen kann, wie man möchte. Es ist wirklich bezaubernd."
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| Reisende
2007, Aquarell und Gouache, 32 x 32. |
