Aquarell: Shanna Kunz: Tonalismus Und Zeitgenössisches Design In Aquarell

Eine elegante Kombination aus traditionellem Tonalismus und zeitgenössischem Design ermöglicht es der Utah-Künstlerin Shanna Kunz, mit sanft verführerischer Stimme zu ihren Zuschauern zu sprechen.

von Jennifer King

Weihnachtswiesen 2003, Aquarell, 20 x 24. Privatsammlung.

„Alle Ihre Bilder sprechen mich irgendwie an“, schrieb ein Sammler kürzlich in einem Brief an die Landschaftskünstlerin Shanna Kunz. „Die Auswahl und Kombination von Farben, die fortschreitend verringerte Fokussierung, die Präsenz der physischen Atmosphäre und die Lichtstreuung - sie sind alle wirklich wunderschön. Und alles von Menschenhand! “Diese Gefühle ließen Kunz das Herz höher schlagen, denn wie sie sagt:„ Es gibt nichts Schöneres, als zu wissen, dass Sie jemanden berührt haben, indem Sie erfolgreich mit Ihrer eigenen Stimme gesprochen haben. “

Kunz 'Stimme kombiniert Konzepte, die sowohl in traditionellen als auch in zeitgenössischen Kunstwerken zu finden sind, während sie die westliche Landschaft malt, die ihr so am Herzen liegt. Die subtilen Tonabstufungen gehen auf die Tonalisten des späten 19. Jahrhunderts zurück, während ihre starken Horizontlinien und interessanten Zuschnitte dafür sorgen, dass ihre Gemälde gleichermaßen modern aussehen. "Das einzige, worüber ich mir Sorgen mache, wenn ich traditionelle Klangarbeit mache, ist banal", erklärt sie. "Deshalb versuche ich, einige zeitgenössische Qualitäten in meine Stücke einzubringen, damit sie nicht allzu großartig aussehen."

Ballade 2004, Aquarellzeichnung, 14 x 16. Privatsammlung.

Ihrer Stimme treu zu bleiben - ihren einzigartig persönlichen Interpretationen ihrer Motive und ihrer emotionalen Reaktion darauf - ist eine der höchsten Prioritäten von Kunz. Von dem Moment an, als sie im Alter von 29 Jahren zum ersten Mal einen Aquarellpinsel in die Hand nahm, wusste sie, dass Malen das beste Mittel sein würde, um ihre Liebe zur Natur zu kommunizieren, die sie in ihrer Kindheit bei Familienausflügen und Campingausflügen pflegte. Tatsächlich bewahrt Kunz ihre Stimme so sehr, dass sie sehr sorgfältig wählte, mit wem sie studierte, um die Kunst der Aquarellmalerei zu erlernen. „So viele Künstler nehmen an Workshops teil und malen im Stil des Lehrers“, warnt sie. „Ich wollte meinen eigenen Stil finden. Für einen Künstler ist es so wichtig, seine eigene Stimme zu finden. “

Obwohl sie an offiziellen Kursen im US-Bundesstaat Utah teilgenommen und bei einer Reihe regional bekannter Künstler studiert hat, darunter Adrian Van Suchtelen, Carl Purcell, Osral Allred, Dave Dornan und Paul Davis, hat sich Kunz wiederholt den großen amerikanischen Landschaftskünstlern der letzten Zeit zugewandt 19. und frühes 20. Jahrhundert, um ihre Ausbildung und ihr Kunstverständnis zu fördern. „Künstler aus einer anderen Zeit als unserer zu studieren, ist wie den wertvollsten Workshop zu besuchen“, sagt sie mit einem Ausdruck von Ehrfurcht und Staunen in ihrer Stimme. Zu ihren Favoriten zählen große Namen wie Winslow Homer, James McNeill Whistler, John Singer Sargent, George Inness und John Henry Twachtman sowie weniger bekannte Künstler wie Sanford R. Gifford von der Hudson River School und der kalifornische Aquarellist Percy Gray.

Früher Frühling 2005, Aquarellzeichnung, 12 x 16. Privatsammlung.

Kunz glaubt, dass das Studium ihrer Lieblingskünstler der Vergangenheit es ihr ermöglicht, in ihren Geist einzudringen und die Quelle ihrer größten Errungenschaften zu entdecken - einen authentischen Ausdruck von Emotionen. „Das Wichtigste“, erklärt sie, „ist zu verstehen, was die Leidenschaft eines jeden Künstlers war. Natürlich ist es auch eine großartige Möglichkeit, technische Fähigkeiten zu erlernen, aber diese sollten den zweiten Platz einnehmen, den man in großartigen Gemälden findet. “

Als Beispiel dafür, wie sie von historischen Meistern lernt, beschreibt Kunz ihre Erfahrungen, als sie in die Freer Gallery in Washington DC ging, um die Sammlung der Originale eines ihrer Helden, Dwight W. Tryon, persönlich zu beobachten. „Was ich aus seiner Arbeit gelernt habe, ist, wie man ein Gemälde organisiert, um Tiefe und räumliche Beziehungen zu entwickeln“, sagt sie. „Die‚ Realität 'seines Gemäldes ist ziemlich dunkel, also begann ich auch zu sehen, wie er diesen Realismus ohne alle technischen Details oder Korrektheit erreicht. Außerdem verstößt er gegen alle Regeln und lässt seine Bilder trotzdem funktionieren. Vor allem entdeckte ich, wie er die Subtilität von Farbe, Wert und Licht einsetzt, um seinen Gemälden einen emotionalen Aspekt zu verleihen. Das war wertvoll, denn diese Emotion ist das, was ich in meinen Gemälden am meisten erreichen möchte. “

Laguna Mountains 2006, Aquarell, 8 x 10. Mit freundlicher Genehmigung der Kneeland Gallery, Ketchum, Idaho.

Um eine dieser emotional aufgeladenen Aquarelllandschaften in Angriff zu nehmen, heftet Kunz ein Blatt kaltgepresstes Papier der Größe 140 Pfund von Arches auf ihren Karton. Wenn sie Heftklammern ohne Klebeband verwendet, kann sie das Papier später bei Bedarf neu streichen, was häufig der Fall ist, weil sie in den ersten 90 Prozent der Ausführung ihrer Bilder so viele nasse, saftige Waschungen und Lasuren aufträgt. Auf dem sauberen, weißen Papier erstellt sie dann eine sehr leichte Graphitzeichnung, um nur die Hauptelemente der Komposition zu positionieren.

Weber Valley Fülle 2006, Aquarell, 8 x 10. Mit freundlicher Genehmigung der Meyer Gallery, Park City, Utah.	Pappeln in High Key 2004, Aquarell, 14 x 16. Privatsammlung.	Millcreek Pines 2003, Aquarell, 9 x 14. Privatsammlung.

In Kunz 'Kopf tut sich viel, als sie sich auf diese Vorstufe begibt. „Ich plane die Komposition, organisiere im Allgemeinen die Farbpalette und plane die Logistik für die Fertigstellung des Gemäldes, bevor ich anfange“, erklärt sie. „Mit den technischen Dingen, die im Voraus geplant wurden, kann ich ruhig sein und offen bleiben für das, was das Gemälde zu mir sagt und wie es mich auf meinem Weg lenkt. Ich kann die Überraschungen kommen sehen, und mit Aquarell gibt es immer Überraschungen. “

Über der gestischen Linienzeichnung legt Kunz eine leichte bis mittelschwere Waschung ab. "Diese Wäsche ist wichtig", bemerkt der Künstler, "weil sie anfängt, meine allgemeine Gesamttemperatur zu bestimmen, auf meine Farbpalette hinweist und mein Raumgefühl auf Anhieb entwickelt."

Arie in Aquarell 2004, Aquarell, 8 x 10. Privatsammlung.

Gerade als der Glanz dieser ersten Wäsche das Papier verlässt, fängt Kunz an, sich in lokaleren Farben aufzuladen, was auch dazu beiträgt, die Werte aufzubauen, auf die sie abzielt. Es wird der erste in einer langen Reihe von Schichten sein, was ein Prozess ist, der fachmännisches Timing erfordert. Sie muss unbedingt genau wissen, wie feucht das Papier ist, damit sie ihre Kanten kontrollieren und Schlammbildung vermeiden kann.

Dazu Kunz: „Als Aquarellist müssen Sie Ihre Werkzeuge, einschließlich des Wassers, genau kennen. Sie müssen Ihr Papier kennen und in der Lage sein, das Aussehen jedes Grades von Nässe auf diesem Papier zu erkennen. Deshalb verwende ich jedes Mal dieselbe Papiersorte - es ist mir so vertraut, dass ich genau weiß, wie es in jeder Situation reagieren wird. Gleiches gilt für Ihre Pigmente. Man muss wissen, welche transparent und welche undurchsichtig sind, welche fleckig und welche hebend sind und welche viel Sediment enthalten. “Kunz glaubt, dass sie ihre Werkzeuge beherrscht und vorhersagen kann, wie sie zusammenarbeiten werden, um einige davon zu eliminieren der Kampf mit den technischen Aspekten der Malerei, damit sie mehr Energie in die Vermittlung emotionaler Qualitäten in ihrer Arbeit stecken kann.

Bergwiese 2005, Aquarell, 12 x 16. Privatsammlung.

Von diesem Punkt an bis fast zum Ende des Gemäldes konzentriert sich Kunz auf das wörtliche „große Bild“, wie alle Elemente zusammenwirken, um ihre emotionale Reaktion auf die Szene, die sie malt, auszudrücken. Besonders wichtig sind räumliche Beziehungen, und sie verwendet häufig Wertänderungen und zunehmend weichere Kanten, um die Tiefe der verschiedenen Ebenen und den Sinn für Atmosphäre in ihren Motiven anzuzeigen. Ein feines Gleichgewicht von Wärme und Kühle sowie ein außerordentlich harmonisches Farbempfinden sind ebenso wichtig, um die verschiedenen Stimmungen in ihrer Arbeit zu erzeugen.

Kunz baut und verfeinert all diese Eigenschaften durch Schichten auf Schichten von Glasuren, die häufig in bestimmten Bereichen und nicht auf der gesamten Oberfläche aufgetragen werden. In einigen Fällen lädt sie Farbe in eine noch feuchte Schicht auf, in anderen lässt sie die vorherige Anwendung vollständig trocknen. An verschiedenen Stellen stoppt sie, um etwas Farbe mit sauberem Wasser abzuheben, wenn etwas zu dunkel oder zu schwer geworden ist. Währenddessen arbeitet sie jedoch daran, alle Kanten weich zu halten, und sie bewertet ständig, wie die verschiedenen Elemente des Gemäldes zueinander in Beziehung stehen.

Kiefernwiesen 2005, Aquarell, 8 x 10. Privatsammlung.

Als das Bild vor ihren Augen zu materialisieren beginnt, beginnt Kunz darüber nachzudenken, das Bild zu orchestrieren. Sie erklärt: „Ich möchte Ihren Blick durch das Bild vom Brennpunkt bis zu den Vordergrundebenen und in die Ferne lenken und dann wieder zurück, als würde ich sagen:‚ Schau her, schau her, schau jetzt Hier.'"

Mit späteren Lasuren injiziert Kunz mehr Wertkontrast und ein paar härtere Kanten in den Fokusbereich, um die Aufmerksamkeit des Betrachters zu erregen, aber sie verfügt auch über verschiedene andere Techniken, um das Auge dorthin zu lenken. Eine besteht darin, schwerere opake Pigmente auf die Objekte im und um den Fokusbereich aufzutragen. „Erdfarben wie Ocker oder Raw Sienna treten aufgrund ihres Gewichts in der Regel nach vorne. Deshalb benutze ich sie, um einige wichtige Elemente nach vorne zu bringen.“Strategisch platzierte Gruppierungen von subtilen, kurzen, kleinen Strichen sorgen auch für einen rhythmischen Fluss von Akzenten in jedem Gemälde.

Erst wenn sie die letzten 10 Prozent des Gemäldes erreicht hat, beginnt Kunz, die feineren Details ihres Motivs und die Feinarbeiten zu berücksichtigen, die dazu dienen, die emotionalen Eigenschaften, die sie bereits in Bezug auf Wert, Farbe, Textur und dergleichen festgestellt hat, zu verstärken. „Ultrarealismus interessiert mich nicht“, sagt sie, „also je weniger ich sage, desto besser. Ich möchte dieses fröhliche Medium zum Einsatz bringen, um es mit möglichst wenig Detailgenauigkeit real wirken zu lassen. “Trotzdem bekennt sich Kunz zu einer Leidenschaft für das Zeichnen, weshalb sie im allerletzten Stadium häufig einen Rigger oder einen feinen Pinsel verwendet trocken, um ein paar lineare Details hinzuzufügen. Es ist paradox, dass dieselbe Strichzeichnung, die einen gewissen Grad an realistischen Details hinzufügt, auch dazu dient, die Tatsache zu betonen, dass es sich bei dem, was wir sehen, um eine gemalte Interpretation der Natur handelt, nicht um eine fotografische Reproduktion davon.

Mexikanische Skyline 2006, Aquarell, 12 x 16. Mit freundlicher Genehmigung der Meyer Gallery, Park City, Utah.

Auf den ersten Blick ist es offensichtlich, dass Kunz sich speziell von der Natur inspirieren lässt, von dem Land, das ihre Heimat in Utah umgibt. Darüber hinaus ist sie motiviert von dem Wunsch, mit einer künstlerischen Stimme zu sprechen, die so beredt ist wie die Künstler der Jahrhundertwende, die sie so bewundert. "Ich weiß, dass ich, wenn ich nur hart genug arbeite, in der Lage sein könnte, etwas Wesentliches zu tun, das diesen Arbeiten gleichkommt", sagt sie. „Wenn ich diese Bilder sehe, weiß ich, dass ich sie sowohl mental als auch emotional verstärken muss. Großartige Werke demütigen mich und machen mich so fertig wie nie zuvor. “

Gleichzeitig möchte Kunz sicherstellen, dass ihre Stimme nicht „so laut und deutlich ist, dass die Menschen ihre eigenen Interpretationen nicht in die Bilder einbringen können“. Ihre größte Hoffnung ist, dass ihre zurückhaltenden, subtilen Landschaften sprechen Zuschauer im Flüsterton, berühren sanft ihre Herzen in einer ruhigen Art und Weise.