Künstler, die mit Pastellfarben arbeiten möchten, können wertvolle Techniken und Tipps erlernen, indem sie Künstler studieren, die sich zuerst mit dem Medium auseinandergesetzt und die Möglichkeiten des Mediums entdeckt haben.
von Naomi Ekperigin
Obwohl die Arbeit von Ölmalern und Zeichnern bekannt und umfassend dokumentiert ist, ist die Geschichte des Pastells nicht so gut dokumentiert. „Das Medium wurde ursprünglich als Studie für größere Werke verwendet und war nicht für die Vervollständigung einer Idee gedacht“, bemerkt der Künstler Kim Casebeer. „Pastell wird bis vor kurzem als würdiges Medium an und für sich akzeptiert.“Obwohl Pastellfarben nicht so beliebt sind wie Ölgemälde, ist das Medium aufgrund seiner Beschaffenheit eine ausgezeichnete Wahl für diejenigen, die Portabilität bevorzugen. Pastellmalerei erfordert wenig Vorbereitung, es werden keine Lösungsmittel benötigt und es müssen keine Pinsel gereinigt werden. Aus diesem Grund arbeiten viele Freilichtmaler in Pastellfarben, und viele Porträtisten des 19. Jahrhunderts haben in Pastellfarben gearbeitet, um eine rasche Ausführung zu ermöglichen.
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| Sechs Freunde bei Dieppe
von Edgar Degas, 1885, Pastell, 45¼ x 28. Sammlung des Kunstmuseums, Rhode Island School of Design, Providence, Rhode Island. |
La Toilette (Frau kämmt sich die Haare)
von Edgar Degas, ca. 1886, Pastell auf Karton, 21 x 20 ½. Sammlung der Eremitage, St. Petersburg, Russland. |
Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834-1917) war ein französischer Maler, Bildhauer, Grafiker und Zeichner der impressionistischen Bewegung. Obwohl er als einer der Gründer der Bewegung angesehen wird, lehnte er das Label ab und zog es vor, als Realist betrachtet zu werden. Im Gegensatz zu impressionistischen Malern interessierte er sich weniger für das Spiel des Lichts über Formen hinweg und sprach sich nicht für die impressionistische Tendenz aus, im Freien zu malen. Sein Thema war jedoch eindeutig impressionistisch, und seine Freundschaft mit namhaften Impressionisten wie Mary Cassatt und Edouard Manet verband ihn eng mit der Bewegung.
Die reinen Pastelltöne machten es zusammen mit seiner direkten Anwendung zum perfekten Medium für impressionistische Künstler, die schnell arbeiten und die Essenz ihrer Motive einfangen wollten. Degas gilt als der Künstler, der am meisten für die Umwandlung von Pastell zu einem wichtigen Medium verantwortlich ist. Als er anfing, in Pastellfarben zu arbeiten, wurden sie hauptsächlich für Porträts und oft als Vorläufer für die Fertigstellung von Ölgemälden verwendet. Degas schuf jedoch eine große Anzahl fertiger Pastellbilder, von denen viele Künstler gelernt haben. „Die Pastellistin des Alten Meisters, die mir sofort einfällt, ist Edgar Degas“, sagt die Künstlerin Liz Haywood-Sullivan, die von seiner Arbeit als Student tief beeinflusst war. „Seine Markierungen vermitteln ein Gefühl von Bewegung und Intentionalität, aber was mich an seiner Arbeit am meisten fasziniert, sind seine dynamischen Kompositionen und ungewöhnlichen Blickwinkel. Einer meiner Favoriten ist Six Friends bei Dieppe. Das Gemälde ist im Wesentlichen ein Gruppenporträt, aber die Dynamik der Komposition erzeugt eine Spannung und Intrige, die den Betrachter fragen lässt, was wirklich los ist. Die Posen sind nicht statisch und die sichtbaren Pastellstriche setzen das Bild fast in Bewegung. “
Degas arbeitete während seiner gesamten Karriere in Pastell und 1880 wurde es sein Hauptmedium. Der Künstler kombinierte Pastellfarben oft mit anderen Medien wie Aquarellfarben, Ölfarben und Monotypien und schuf reiche Oberflächen mit einer Vielzahl von Farbqualitäten, die in komplexen Schichten aufgetragen wurden. "Das Studium der verschiedenen Arten, wie er Pastellfarben auftrug, ist besonders lehrreich", sagt der Künstler Alan Flattmann, der 2006 in die Hall of Fame der Pastel Society of America aufgenommen wurde gebrochene Farbe durch Schraffur und Überlappung breiter Malerschläge. Er verwendete Fixiermittel ausgiebig, um Pastellschichten aufzubauen, und hatte auch keine Angst, mit der Kombination von Pastell mit anderen Medien zu experimentieren, um einzigartige Effekte zu erzielen. “
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| Mutter und Kind vor grünem Hintergrund (Mutterschaft)
von Mary Cassatt, 1897, Pastell auf beigem Papier auf Leinwand aufgezogen, 22 x 18. Sammlung Musée d'Orsay, Paris, Frankreich. |
Schläfriges Baby
von Mary Cassat, ca. 1910, Pastell, 25 ½ x 20 ½. Sammlung Dallas Kunstmuseum, Dallas, Texas. |
Mary Cassatt
Mary Cassatt (1844-1926) gilt als eine der einflussreichsten Künstlerinnen der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Cassatt wurde in Pittsburgh geboren und studierte an der Pennsylvania Academy of Art. 1865 ließ sie sich in Paris nieder, wo sie Privatunterricht bei Künstlern wie Jean-Léon Gérôme und Thomas Couture nahm und Teil der impressionistischen Bewegung wurde. Sie freundete sich eng mit Edgar Degas an, der sie zu Pastellarbeiten inspirierte. Cassatt übernahm viele seiner Techniken und begann bald, eine große Menge an Arbeiten im Medium zu produzieren.
Cassatt verdiente ihren Lebensunterhalt als Figurenmalerin und Porträtistin, und das Malen von Porträts in Pastellfarben verschaffte ihr während ihres Aufenthalts in Paris ein stabiles Einkommen. Für viele Künstler zu dieser Zeit war Pastell die bevorzugte Wahl für Porträtarbeiten - insbesondere für Kinderporträts -, da sie schneller und einfacher manipuliert werden konnten, keinen Geruch hatten und häufige Unterbrechungen zuließen. In den 1880er Jahren begann sie, das Familienleben als ihr Hauptfach zu betrachten, und schuf mit ihren Betreuern eine Reihe von Pastelltönen für Kinder. In diesen Pastellbildern zeigte Cassatt nicht nur Emotionen hervorzurufen und ihre eigenen Ansichten über Mutter-Kind-Beziehungen zu teilen, sondern auch eine innovative Technik, von der die heutigen Künstler lernen können. „Ich denke, dass Mary Cassatt eine großartige Künstlerin ist, um für ihre großartige Verwendung von Pastellstrichen zu lernen“, sagt Flattmann. „Es ist besonders interessant zu sehen, wie sie kühne lineare Pastellstriche in ihre Figuren und Porträts weben und dennoch solide, überzeugende und einfühlsame Formen schaffen kann.“Dies ist in Mutter und Kind vor einem grünen Hintergrund (Mutterschaft) zu sehen Die Striche geben der Szene ein Gefühl von Vitalität und Bewegung und verbinden den Hintergrund mit der Mutter und dem Kind.
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| Selbstporträt
von William Merritt Chase, ca. 1884, Pastell, 17¼ x 13½. Sammlung der National Gallery of Art, Washington, DC. |
Saisonende
von William Merritt Chase, 1885, Pastell, 13¼ x 17¾. Sammlung Mount Holyoke College Kunstmuseum, South Hadley, Massachussetts. |
William Merritt Chase
Der amerikanische Maler William Merritt Chase (1849-1916) arbeitete in verschiedenen Medien wie Öl, Pastell, Aquarell und Radierung. Es sind jedoch seine Ölporträts, für die er am bekanntesten ist. Seine Sitter reichten von Mitgliedern seiner eigenen Familie bis zu den wichtigsten Männern und Frauen seiner Zeit. Chase, der an der National Academy of Design in New York City und an der Royal Academy in München ausgebildet wurde, begann Ende der 1870er Jahre mit der Arbeit in Pastellfarben, als der Münchner Stil, in dem er ausgebildet wurde, in Ungnade fiel. Die Arbeit des Künstlers in Pastellfarben wurde wahrscheinlich durch seine Erforschung der Freilichtmalerei veranlasst, als er verschiedene Teile Europas bereiste. Die Portabilität von Pastellfarben sowie die Fülle der Farben und die Geschwindigkeit, mit der Farben aufgetragen werden konnten, machten es perfekt für die Arbeit im Freien und um das Licht einzufangen, das impressionistische Künstler so sehr genossen.
1882 gründete er die Society of American Painters in Pastel, zu der Künstler wie John Henry Twachtman, Childe Hassam und Robert Reid gehörten. Die Gesellschaft bestand nur aus acht Jahren und veranstaltete vier Ausstellungen, machte jedoch auf Pastellfarben aufmerksam und verhalf ihr zu Respekt als Medium. Flattmann stellt in seinem Buch Die Kunst der Pastellmalerei (Pelican Publishing, Gretna, Louisiana) fest, dass Chase einer der einflussreichsten amerikanischen Pastellisten war. "Er verwendete Pastellfarben mit einer Frische und Vitalität, die mit der jedes europäischen Meisters mithalten kann", sagt Flattmann. „Einige seiner Pastelle waren sehr groß, bis zu zwei Meter hoch und auf Leinwand gemalt. Wie Degas hat er oft sein Pastell angefeuchtet und seine Stücke mit Pinseln bearbeitet. “Pastellkünstler können viel von Chase lernen, der in seinen Pastellbildern zeichnerische und malerische Qualitäten in unterschiedlichem Maße kombiniert. In einigen Stücken wird seine Hand als Zeichner hervorgehoben, mit sichtbaren Strichen, die die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich ziehen. Dies ist in seinem Selbstporträt zu sehen, in dem die Glanzlichter in seinem Gesicht nicht subtil miteinander verschmelzen. stattdessen wird jeder Schlaganfall in den Vordergrund gerückt. Die Arbeit von Chase entwickelte sich im Laufe der Zeit, und er experimentierte mit dem Medium, arbeitete mit einer begrenzten Palette und verwendete verschiedene Techniken. Eine Analyse der Pastellbilder von Chase zeigt alle Möglichkeiten, die das Medium nicht nur im 19. Jahrhundert, sondern auch heute bot.
Jean-Baptiste Siméon Chardin (1699 - 1779)
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| Selbstporträt Mit Brille
von Jean-Siméon Chardin, 1771, Pastell, 18 x 15. Sammlung Louvre, Paris, Frankreich. |
Selbstporträt Mit Eyeshade
von Jean-Siméon Chardin 1775, Pastell, 18 x 15. Sammlung Louvre, Paris, Frankreich. |
Jean-Baptiste-Siméon Chardin (1699 - 1779) war ein Ölmalermeister, der auf traditionelle realistische Weise arbeitete und Stillleben als sein vorherrschendes Thema ansah. Er war größtenteils Autodidakt und wurde stark von Low Country-Meistern des 17. Jahrhunderts beeinflusst. Wie diese widmete er sich einfachen Fächern und gemeinsamen Themen. Chardins Werk hatte wenig mit der Rokoko-Malerei zu tun, die im 18. Jahrhundert die französische Kunst beherrschte, und der Ruf des Künstlers war nach seinem Tod erfolgreicher. In einer Zeit, in der die Geschichte als höchste Kunst im öffentlichen Raum galt, erregten Chardins einfache Gemälde mit üblichen Haushaltsgegenständen und seine unheimliche Fähigkeit, die Unschuld von Kindern auf unsentimentale Weise darzustellen, das Ansehen des Künstlers in seiner Zeit und machten ihn verantwortlich zeitloser Reiz.
Gegen Ende seiner Karriere begann Chardin, in Pastellfarben zu arbeiten und sich mit Themen zu beschäftigen, die über das Stillleben hinausgingen. Der Künstler griff das Medium auf, als sein Sehvermögen allmählich nachließ, was möglicherweise darauf zurückzuführen ist, dass er Farben in sichtbaren Strichen auftrug, anstatt sie zu mischen. Er verwendete blockige, einfache Formen, die perfekt im Raum organisiert waren, und seine Palette bestand hauptsächlich aus Erdtönen. Er war ein Meister der Texturen, Formen und der sanften Lichtstreuung. In Self-Portrait With Spectacles demonstriert seine Verwendung von Rosa und Blau auf Kopf und Jacke seine Bereitschaft, mit Farbe zu spielen und damit eine faszinierende Stimmung zu erzeugen. Die Verwendung breiter Striche, die die Hand des Künstlers bei der Arbeit zeigen, markiert ein Ende der sanften Mischung, die von traditionellen Pastellisten bevorzugt wird, und zeigte späteren Künstlern, in welche Richtungen sie mit dem Medium gehen könnten.
Jean François Millet
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| Bewässerung von Pferden, Sonnenuntergang
von Jean-François Millet, 1866, pastellfarbener und schwarzer Conte-Buntstift auf Velin, 15 x 19. Sammlung des Museum of Fine Arts, Boston, Massachusetts. |
Hirtin und ihre Herde
von Jean-François Millet, 1862, schwarze Kreide und Pastell, 14 5/16 x 18 11/16. Sammlung J. Paul Getty Museum, Los Angeles, Kalifornien. |
Der aus einer Bauernfamilie stammende französische Maler Jean-François Millet (1814-1875) war am meisten daran interessiert, das Alltagsleben der Bauern zu malen. Sein frühes Werk bestand aus Porträts und Hirtenszenen, aber es ist das Gemälde The Gleaners, für das er am bekanntesten ist. Das Gemälde zeigt zwei Frauen, die Reste der Ernte pflücken und sich tief bücken, um so wenig zu sammeln. Das, was von der Ernte übrig war, aufzunehmen, galt als eine der niedrigsten Aufgaben in der Gesellschaft, doch Millet bot diesen Frauen den heroischen Fokus des Bildes; Licht beleuchtet die Schultern der Frauen bei ihrer Arbeit. Während er dafür kritisiert wurde, dass er sozialistische Tendenzen in seiner Arbeit präsentierte, erschienen seine Bilder Jahr für Jahr im Pariser Salon.
Als seine Popularität in den 1860er Jahren wuchs, erhielt Millet stetig Aufträge, und 1865 begann ein Gönner, Pastelle in Auftrag zu geben. Von 1865 bis 1869 malte er fast ausschließlich in Pastellfarben für eine Sammlung, die schließlich 90 Werke umfassen sollte. Mit dieser Sammlung erkundete Millett die Möglichkeiten und Grenzen des Mediums. „Er war einer der Ersten, die wirklich mit dem Medium gezeichnet und gebrochene Farbstriche verwendet haben, anstatt die Farben wie viele frühe Pastellkünstler ausgiebig zu mischen“, sagt Flattmann. Viele seiner späteren Bilder sind Landschaften, die menschliche Figur fehlt völlig. Mit zunehmendem Alter bevorzugte der Künstler einfachere, direktere Verfahren wie die Verwendung von Graphit oder Pastell gegenüber der Malerei. Anstelle der kräftigen, dunklen Färbung vieler seiner Gemälde des Bauernlebens ließ Millet oft das getönte Papier durch und verwendete seine Farbe sparsam in seinen Pastellen, um seine handwerkliche Arbeit in den Vordergrund zu rücken.
