Pastell: Das Selbst in zeitgenössischen Selbstporträts

von Ephraim Rubenstein

Mary Beth McKenzie steht offen und schlicht vor dem Spiegel und zeigt eine faszinierende Mischung aus Fragen und Aussagen zu ihrer Person. Sie strahlt ein Gefühl langmütiger Vertrautheit aus, vermischt mit genügend Zweifeln, um ein paar Fragen über sich selbst zu stellen. Sie beschäftigt sich mit einem vertrauten Selbstporträt - sie stellt sich vor eine Reproduktion einer Arbeit, die sie bewundert. In diesem Fall handelt es sich um Matisse's The Studio, Quai St. Michel, Paris. Das Matisse-Gemälde ist eine Art Selbstporträt ohne das Selbst, der Künstler ist aufgestanden und hat das Studio für einen Moment verlassen. Das Modell hat sich aber nicht bewegt. Sie hat immer noch die Pose, und Matisses Stuhl und Zeichnung warten wie ein treuer Hund auf seine baldige Rückkehr - aber nicht, bevor McKenzie in dieses Bild des Künstlers bei der Arbeit in seinem Atelier eingedrungen ist und sich auf Matisses Platz eingeschlichen hat.

McKenzie ist jedoch mehr als ein Teil von Matisses Malerei geworden. Das Gemälde des französischen Meisters ist ein Teil von ihr geworden. Matisses lyrisches Bild wurde von McKenzie verinnerlicht, verdaut und neu arrangiert, diesmal jedoch zu ihren eigenen Bedingungen. Wie Gedankenblasen in einem Comic scheinen die Elemente von Matisses Welt aus McKenzies Kopf zu kommen. Die Diagonale der Fensterbank schießt aus ihrer Stirn, während das Aktmodell praktisch aus ihrem Ohr spritzt. Außerdem hat McKenzie mit enormer Bildintelligenz jeden Ton in ihrem Bild mit denen in der Matisse in Beziehung gesetzt. Die allgemeine Grauheit, die an den Winter in Paris erinnert, wird durch die Ockerfarben auf der Schattenseite ihres Gesichts unterbrochen, die McKenzie von den Vorhängen und Stühlen genommen hat, während das rosarote unter ihrem Auge ebenfalls aus dem Stoff unter dem Modell entlehnt ist .

McKenzie - wie Rembrandt und Käthe Kollwitz vor ihr und wie Harvey Dinnerstein und Sigmund Abeles heute - hat sich während ihrer gesamten Karriere kontinuierlich selbst gemalt. Dieses Werk ist eine bewegende Chronik ihrer künstlerischen und persönlichen Entwicklung, in der sie ihre persönlichen Transformationen nachzeichnet und den Verlauf ihres Lebens von ihren Anfängen als Künstlerin bis zur Gegenwart archiviert.

Selbstporträt von Ephraim Rubenstein, 1970er Jahre, Öl auf Leinen, 24 x 20. Sammlung Amelia und Madeleine Rubenstein.

Diese kontinuierliche Rückkehr zum Selbstporträt ist jedoch eine ungewöhnliche Verpflichtung zu diesem Unterfangen. Die Selbstporträts der meisten Künstler scheinen sich entweder um ihre Jugend oder ihr Alter oder nach Shakespeares Worten, um ihre Eingänge und Ausgänge zu versammeln. In der Regel sind Künstler, die sich für Selbstporträts interessieren, in jungen Jahren sehr aktiv. Dies stellt oft einen jungen Versuch dar, herauszufinden, wer sie sind - oder wichtiger, wer sie sein möchten. Keiner war romantischer als Courbets oder Fantin-Latours Bilder, die den Wunsch ausstrahlen, die verzückten Helden ihrer Träume zu sein. Ich erinnere mich lebhaft daran, dass ich gerade eine Goya-Ausstellung gesehen hatte, als ich mein Selbstporträt malte, und ich erinnere mich, dass ich als junger spanischer Adliger viel besser zu mir passte als als ein handballspielendes Kind aus Brooklyn. Alternativ nimmt David Kassan in seinem frühen Selbstporträt eine unheimlich egolose Rolle ein. Mit abgewendeten Augen und dunklen Taschen, die ein Gefühl der Erschöpfung hervorrufen, vermeidet er es absichtlich, sich aktiv auf den Betrachter zu projizieren. Tatsächlich scheint es, als könnte er das Gemälde komplett verlassen, wahrscheinlich würde er es tun. Aber wie sie sich auch auslegen, junge Menschen sind für die Zeit, die sie vor Spiegeln verbringen, berüchtigt. Selbstporträts sind für viele Künstler eine Möglichkeit, Identitäten anzunehmen, Rollen auszuprobieren, wobei jeder Mann in seiner Zeit viele Rollen spielt.

Einige Künstler werden jedoch das andere Ende des Lebens erforschen und untersuchen, was aus ihnen geworden ist, eine etwas verblüffte Darstellung dessen, was das Leben ihnen in die Quere gebracht hat. Sigmund Abeles konfrontiert uns eindringlich in seinem Porträt eines Parasomniac, der in den Drähten und den gefängnisähnlichen Netzen der modernen medizinischen Welt gefangen ist. Abeles muss sich sicherlich fragen, ob er derselbe Mann sein kann, der uns so hübsch und kraftvoll ansah wie in seinem Selbstporträt Measuring-Up [nicht gezeigt]. Burton Silverman überlebte auf ähnliche Weise einen medizinischen Albtraum - in seinem Fall einen Herzinfarkt - und porträtiert sich selbst in seinem Selbstporträt Survivor. Aber anders als Abeles ist Silverman auf der anderen Seite der Katastrophe. Mit Pinsel und Kamera in der Hand ist Silverman nun wieder an der Arbeit, aber für immer verändert. Sein Hemd ist offenkundig ausgezogen, eine Erinnerung daran, dass Chirurgen in seine nackte Brust schneiden mussten, um ihn am Leben zu erhalten, und dass Hemdlosigkeit für ihn niemals dieselbe Bedeutung haben kann.

Porträt eines Parasomniac von Sigmund Abeles, 2007, Pastell auf Papier, 31 x 41. Sammlung des Künstlers.

Für Silverman ist die medizinische Episode lediglich der Hintergrund; Was wirklich wichtig ist, ist, dass er wieder bei der Arbeit ist. Und bei der Arbeit zu sein, ist eine der wichtigsten Arten, wie sich Künstler selbst vorstellen. Für die meisten Künstler steht unsere Arbeit im Mittelpunkt unseres Selbstverständnisses. Ein Ausbilder der New Yorker Art Students League sagte dazu: „Ich habe zwei Arten von Hosen: die mit Farbe und die mit Farbe.“ Wir leben, um zu arbeiten und zu sehen wir stellen uns bei der Arbeit am deutlichsten vor. Was wäre vielleicht aussagekräftiger, wenn wir untersuchen, wer wir sind, als uns selbst an der Staffelei darzustellen?

Im Winter 2006 arbeitet Ellen Eagle mit roter Kreide in der Hand und ist in dem Bruchteil einer Sekunde zwischen Anschauen und Aufnehmen gefangen. Sie zeigt den Moment der grafischen Reaktion - ein entscheidender Moment für den Maler. Eagle hat den Moment zwischen dem Zeitpunkt erfasst, an dem wir sehen, wonach wir suchen, und dem Zeitpunkt, an dem wir den Schritt zur Aufzeichnung unternehmen. Es ist der Moment, in dem wir eine Beobachtung gerade lange genug im Gedächtnis behalten, damit wir unseren Lichteindruck in eine Passage aus farbiger Kreide verwandeln können.

Mit ihrem griechisch-weißen Kleid, das in seinen Falten so einfach ist, dass es wie ein uraltes Gewand aussieht, und ihrem dunklen Haar, das mit üppigen Locken und Locken übersät ist, entpuppt sich Eagle als Göttin, die zuschlagen will. Sie ist Diana bei der Jagd, ihre rechte Hand hält ihre farbigen Pfeile. Sie ist dabei, ihre Beute zu fangen, nur diesmal bist du es, der Sitter.

Selbstporträt - das Ende des Tages von Joe Peller, 2003, Öl auf Leinen, 72 x 44. Privatsammlung.

Joseph Peller ist auch auf der Arbeit, aber er will nicht so sehr streiken, sondern überblickt, was er getan hat. Selbstporträt - Day's End ist ein aussagekräftiger Titel. Er schaut genau hin, aber auch mit offensichtlicher Freude, was er erreicht hat. Das Stirnband des Athleten / Kriegers spricht von der Arbeit, von Schweiß und Arbeit, von den vielen Stunden, die er an den Füßen verbringt. Und während Eagle Pfeile benutzt, schwingt Peller Schwerter. Aber Peller's ist ein sehr zivilisierter Kampf. Er hat sich mitten in seinem Atelier festgepflanzt, einem Raum voller wunderschöner Nordlichter und mit anderen Gemälden und Skulpturen, Belohnungen anderer fruchtbarer Tage.

Die Gegenwart von Gemälden anderer Künstler ist eine Möglichkeit, sich auf unsere künstlerische Linie zu beziehen. Indem wir die Werke von Künstlern, die wir bewundern, in den Hintergrund unserer Bilder aufnehmen, drücken wir nicht nur unseren Dank gegenüber diesen Meistern aus, sondern erheben auch Anspruch auf unsere eigenen Bestrebungen und Ambitionen. Anthony Panzera verstärkt diesen Begriff des kunsthistorischen Bezugs, indem er sich direkt in eine frühere Bildidee einfügt. In seinem Selbstporträt als Medusa huldigt Panzera Caravaggio, indem er die berühmteste der Gorgon-Schwestern durch sein eigenes Gesicht ersetzt.

Wenn Eagle eine Göttin ist, die zuschlagen will, dann ist Panzera diejenige, die brutal geschlagen wurde. Für das "Verbrechen", in ihrem heiligen Tempel vergewaltigt worden zu sein, machte Athena die schöne Medusa scheußlich. Wo einst üppige dunkle Locken ihr Gesicht umrahmten, ließ Athena sich windende Giftschlangen sprießen. Sie machte ihre Gesichtszüge schrecklich, halb schmelzend, wund geritten, so sehr, dass niemand Medusa ansehen konnte, ohne sich in Stein zu verwandeln. Erst als Perseus Medusa den Kopf abschnitt und Athene überreichte, wurde der Zorn der Göttin beseitigt. Dies ist der Moment, in dem Panzera sein eigenes tragisches Gesicht angedeutet hat. Der Kopf baumelt aus Perseus 'mächtigem Griff, das Fleisch schält sich von seinem Schädel ab, während sich die schrecklichen, aber eleganten Schlangen weiter in Erfüllung ihres grausamen Schicksals winden.

Panzeras Gorgon ist eine äußerst dramatische Art, sich auf die eigene künstlerische Linie zu beziehen. Costa Vavagiakis nimmt in seinem Selbstporträt von 1994 einen ebenso persönlichen Bezug zu seinen ästhetischen und kulturellen Wurzeln, jedoch auf subtilere Weise. Vavagiakis 'lebenslanges Interesse an der Porträtmalerei führte ihn früh zu den Faiyum-Mumienporträts - der Grabkunst der griechischen Einwanderer, die im ersten Jahrhundert in Rom lebten. Er spürte sofort, wie die meisten Betrachter, ihre unheimlichen paradoxen Qualitäten: die Kombination von Raffinesse mit naiver Unbeholfenheit, einer formalen Intensität mit einer unauffälligen Lässigkeit und einer unheimlich naturgetreuen Qualität gepaart mit ausgeprägter Stilisierung. Diese uralten Gesichter halten Sie auf, weil Sie jemanden gesehen haben, der genau so aussah, obwohl er seit 2000 Jahren tot ist.

Diese paradoxen Eigenschaften haben Vavagiakis enorm angesprochen, und in dem Versuch, seine eigene persönliche Geschichte mit der größeren Kunstgeschichte zu vereinen, hat er sich selbst zum Thema seines eigenen Mumienporträts gemacht. Obwohl Vavagiakis 'Porträt in Öl gemalt ist, ließ er den Aufbau seiner Pinselstriche wie die Enkaustik des Faiyum aussehen. Mit vorgestrecktem Gesicht bis zur Bildebene und ähnlich betonten Gesichtszügen, die den Betrachter auffordern, einen Moment innezuhalten und sich zu unterhalten, könnte dies eine ergreifendere Meditation über den Tod und das ewige Leben sein, als diejenige, die uns die Kunst verleiht ?

Nächtliche Reflexionen von Harvey Dinnerstein, 2008, Öl, 24 x 42. Mit freundlicher Genehmigung der Frey Norris Gallery, San Francisco, Kalifornien.

Die Betrachtung des Todes wird immer dringlicher, je älter wir werden, umso mehr bereiten wir uns auf unsere eigenen Exits vor. Harvey Dinnersteins nächtliche Reflexionen enthalten sowohl wörtliche Reflexionen - sein eigenes Schattenbild, das in einer dieser zylindrischen Metallsäulen komprimiert ist, die man in U-Bahnstationen und Bürolobbys über die Stadt sieht - als auch eine Reflexion über die Kürze des Lebens, wie sie von einer der Städte gesehen wird empfindlichste Reisende. Und ein Reisender ist er in der Tat - draußen unterwegs auf einer der vielen anonymen Bahnhöfe der Stadt, mit gelben Verkehrsmarkierungen als Hinweis auf seine Bewegung. Das Gemälde ist eine Meditation über die Reise, über den Mann, der im Begriff ist, dieses Spiegelbild in der Säule zu werden, diesen Lichtblitz, der so komprimiert ist, dass es sich anfühlt, als würde er aus dem Gemälde herausgequetscht und darin verschwindet die Finsternis.

Irgendwo auf seiner Reise hat Dinnerstein angehalten, um uns anzusehen. Seine Augen sind verblüffend - rot, geschwollen, rosafarben in den Sockeln, mit vollen Beuteln darunter, die von starken Falten umrandet sind. Seine Augen sind Augen, die viel gesehen haben. Seine Anwesenheit scheint eine Frage zu stellen. Was will er sagen, dieser mysteriöse nächtliche Reisende in seinem Mantel auf der Straße?

Der Künstler und Schriftsteller Ephraim Rubenstein ist Dozent an der New Yorker Art Students League und der National Academy of Design School, beide in New York City.

Selbstporträt von Costa Vavagiakis, 1994, Öl, 10 x 8. Sammlung New-York Historical Society, New York, New York.	Selbstporträt, Lebensmasken von Mary Beth McKenzie, 1990, Öl, 19 x 28. Sammlung National Academy of Design, New York, New York.	Selbstporträt um 30 von David Jon Kassan, 2007, Öl auf Holz, 35 x 25. Privatsammlung.

Überlebende von Burton Silverman, 2004, Öl, 56 x 40. Sammlung Columbus Museum, Columbus, Georgia.	Selbstbildnis als Medusa von Anthony Panzera, 1980, Graphit auf blauem Papier, 17 x 20. Sammlung des Künstlers.	Winter 2006 von Ellen Eagle, 2006, Pastell auf Bimsstein, 171/4 x 165/8. Mit freundlicher Genehmigung der Forum Gallery, New York, New York.	Selbstporträt in meinem Mantel von Ephraim Rubenstein, 1998, Öl auf Leinen, 38 x 28. Sammlung des Künstlers.