Der Kalifornier Dennis Doheny kreiert atemberaubende Öllandschaften, indem er die atmosphärischen Bedingungen betont, das Muster aus Licht und Schatten dramatisiert und mit Farben spielt, während er Details schärft.
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| Doheny legte eine Fome-Cor-Matte um sein Plein-Air-Arbeitszimmer, damit Lakeside Reflections seine Sicht isolieren konnte. |
von M. Stephen Doherty
Dennis Doheny weiß innerhalb von ein oder zwei Tagen nach Beginn eines neuen Gemäldes, ob es erfolgreich sein wird oder verworfen werden muss. Obwohl es auf der ölgrundierten Leinwand nur dünne Farbschleier geben mag, weiß der Künstler, ob er eine wirksame Komposition von Formen und Atmosphäre hat, die für seine Landschaften so entscheidend sind. „Wenn das Potenzial nicht vorhanden ist, lege ich das Gemälde beiseite und gehe zu einem anderen über“, erklärt er. „Wenn mir eine Lösung einfällt, kann ich später zum Bild zurückkehren, aber oftmals reiße ich einfach die Leinwand von den Keilrahmen. Ich habe auf die harte Tour gelernt, dass es sinnlos ist, mit einem zum Scheitern verurteilten Gemälde zu kämpfen. “
Das Ausgangsmaterial, aus dem Doheny diese weitläufigen Landschaften entwickelt, umfasst Freilichtstudien, Fotografien und sein Gedächtnis. Obwohl er es schätzt, direkt von der Natur aus zu arbeiten, glaubt er nicht, gut im Freiland zu sein, wahrscheinlich, weil er immer die Art von Detaillierung geschätzt hat, die in drei oder vier Stunden vor Ort schwierig zu erreichen ist, und weil die Nachfrage nach seiner Atelierbilder sind so großartig, dass er selten Zeit hat, sich weit weg von seinem Zuhause in Santa Barbara zu wagen. "Ich gehe aufs Feld und mache eine sehr lockere Ölskizze oder eine Graphitzeichnung, normalerweise, wenn ich auf Campingausflüge gehe", erklärt er. „Ich arbeite nicht unter einem Regenschirm, also schiele ich und das macht es schwieriger, mich auf die Details zu konzentrieren. Es neigt auch dazu, die Farbtemperatur zu verzerren, und ich bekomme Bilder, die mir zu cool erscheinen, wenn ich sie ins Studio bringe. Ich erwärme die Farben, wenn ich größere Studiobilder aus diesen Studien entwickle. Aus all diesen Gründen verkaufe ich normalerweise keine Freilichtbilder.
„Wie Sie auf dem Foto sehen können, finde ich es hilfreich, eine Fome-Cor-Matte um das Panel zu legen, nachdem ich ein paar Stunden daran gearbeitet habe, da dies mir hilft, meine Sicht von allem anderen in meinem Sichtfeld zu isolieren. Fügt Doheny hinzu. „Ich habe Fome-Cor-Matten in den Größen 9" x 12 "bis 50" x 50 ", die ich sowohl vor Ort als auch im Studio verwende. Wenn sie um die Leinwände oder Tafeln herum platziert werden, studiere ich die Komposition und mache mir Gedanken über die Änderungen, die dazu beitragen, das Bild zu einer besseren Auflösung zu bringen. Manchmal setze ich den Kontrast in Werte um oder verringere den Kontrast, je nachdem, was meiner Meinung nach das Bild verbessert. “
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| Annäherung an die Schneegrenze
2006, Öl, 24 x 24. Alle Kunstwerke dieses Artikels mit freundlicher Genehmigung von William A. Karges Fine Art, Beverly Hills und Carmel, Kalifornien, sofern nicht anders angegeben. |
Fotografien dienen auch als nützliches Ausgangsmaterial im Studio, obwohl Doheny betont, dass er sie nur zum Auflösen von Details verwendet - nicht für Gesamtkompositionen. „Eigentlich ist das nützlichste Bild das, das ich mir vorstelle, nachdem ich über einen Ort nachgedacht habe, den ich bemerkt und erinnert habe oder den ich skizziert oder fotografiert habe“, erklärt er. „Ich male gerade dünne, warm getönte Töne auf die Oberfläche, während ich darüber nachdenke, wie mich die Site beeindruckt hat, und passe die Formen an, bis ich eine Komposition bekomme, die gut funktioniert. Ich orientiere mich eher an Intuition und Erfahrung als an spezifischen Regeln der Komposition, bin mir jedoch bewusst, dass ich den Betrachter in die Bilder einführen kann, indem ich einen Wertekontrast verwende, um ein Zentrum des Interesses zu etablieren und harte und weiche Kanten zu kontrollieren.
„Allmählich beginne ich, die Farbe aufzubauen und eine größere Auswahl an Farben einzuführen“, fährt Doheny fort. „Ich spiele mit den warmen und kühlen Farben, bis sie richtig aussehen, und verwende kleinere, weichere Haarbürsten, wenn ich mich auf kleinere Formen und Details konzentriere. Wenn man sich der Leinwand annähern würde, würde es offensichtlich werden, dass ich viele verschiedene Farben manipuliere, um die Details zu vermitteln, aber ich möchte, dass all diese Farben miteinander verschmelzen, je weiter man vom Bild entfernt ist. Ich bin kein Impressionist, der offensichtliche, kühne Farbstriche hinterlässt, aber ich ändere und ändere die Farben ständig, während ich arbeite. Zum Beispiel sieht die große Felsformation in der Annäherung an die Schneegrenze in der Reproduktion wie ein großes Gebiet von bläulich-grauer Farbe aus, aber es handelt sich tatsächlich um ein Konglomerat vieler eng verwandter Farben, von denen einige mehr Rot, Gelb oder Weiß aufweisen blau als die in der Nähe. „Vor kurzem habe ich in Santa Fe eine Ausstellung mit Gemälden von Malern aus dem frühen 20. Jahrhundert gesehen, und ich war beeindruckt von der Tatsache, dass sie auf ähnliche Weise eine breite Palette von Pigmenten verwendeten, um ihre Gemälde zu bereichern.“
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| Silent Sierra
2008, Öl, 24 x 24. |
Doheny zitiert Kevin Macpherson, wenn er die allmähliche Entwicklung seiner Ölgemälde beschreibt. „Kevin redet davon, ein Bild anzufangen und dann zu korrigieren, was nicht richtig aussieht, und ich finde mich oft dabei, genau das zu tun“, erklärt er. „Für mich ist es ein Prozess der Beseitigung, in dem ich mich weiter auf die Elemente konzentriere, die nicht gut funktionieren, sie korrigiere und das Bild neu bewerte, nachdem ich diese Änderungen vorgenommen habe. Ich höre auf, sobald ich mich endlich gefreut habe. Das ist alles, was ein Maler tun kann, weil es einfach keine Möglichkeit gibt, mit dem Ziel zu malen, den Anforderungen eines Sammlers, Händlers oder eines anderen Künstlers gerecht zu werden. “
Gelegentlich experimentiert Doheny mit neuen Themen, Techniken oder Materialien. „Die meisten meiner Landschaften zeigen weite, offene Räume, aber manchmal erstelle ich ein Bild wie Silent Sierra, in dem ich versuche, eine neblige, flache Landschaft mit im Wesentlichen denselben Farbpaletten und Maltechniken einzufangen. Ich habe mich nie dafür interessiert, kleine, intime Räume zu malen, weil die Menge an Details, die ich einem Bild hinzufüge, diese Art von Thema in ein unrealistisches Bild verwandeln würde. Das heißt, ich muss das extreme Detail mit Bereichen von weichen, verallgemeinerten Formen abwägen, um eine überzeugende Sicht der Natur zu präsentieren. “
Über den Künstler
Dennis Doheny ist ein Kalifornier in dritter Generation, der mit Liebe zur Kunst aufgewachsen ist, seinen Abschluss an der Pacific Palisades High School gemacht und 10 Jahre als Illustrator gearbeitet hat, bevor er sich als professioneller bildender Künstler etablierte. 1998 gewann er den ersten Platz beim Carmel Art Festival Plein Air Competition. der Frederick Remington Award beim Prix de West 2006 und 2008; den Grandville Redmond Memorial Purchase Prize während des ersten Frühlingssalons in der heutigen California Art Academy und dem Museum in Pasadena, Kalifornien; und der Kaufpreis bei der Eröffnungsquest des Eiteljorg-Museums für die Westshow im Jahr 2006. Er ist Mitglied des California Art Club und wird von William A. Karges Fine Art in Beverly Hills und Carmel, Kalifornien, vertreten. Weitere Informationen zu Doheny finden Sie unter www.dennisdoheny.com.
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| Kalifornische Farbe
2008, Öl, 20 x 24. |
Wächter des Sees
2006, Öl, 34 x 34. Sammlung des Eiteljorg Museum für Indianer und westliche Kunst, Indianapolis, Indiana. |
Gebirgslicht
2008, Öl, 24 x 30. |
