Tipps Zur Landschaftsmalerei

Während der fast 30-jährigen Befragung von Landschaftskünstlern für amerikanische Künstler hat M. Stephen Doherty Hunderten von Malern bei der Verwendung verschiedener Materialien und Techniken zugesehen. Hier nutzt er das Beste aus dem gesammelten Wissen und formuliert daraus sieben hilfreiche Tipps für Freilichtmaler.

von M. Stephen Doherty

Misty Morning, Trinchera von M. Stephen Doherty, 2006, Öl, 11 x 14. Sammlung des Künstlers.

Ich frage Abonnenten oft, an welche Artikel sie sich erinnern, wenn sie sie gelesen und genossen haben, weil ihre Antworten mir dabei helfen, Funktionen in Auftrag zu geben, die die gleiche positive Reaktion hervorrufen. Als ich diese Frage zum ersten Mal stellte, erinnerten sich 1979 mindestens ein Dutzend Menschen an einen Artikel in der Juli-Ausgabe 1972 von Susan E. Meyer, der Herausgeberin des Magazins, in dem sie beschrieb, wie die elf Mitglieder der Fairfield Watercolor Group malten ihre individuellen Ansichten einer Connecticut-Farm an einem Oktobertag. Die klaren Erinnerungen an diesen informativen Artikel veranlassten mich, mich für Freilichtmaler zu interessieren und Künstlergruppen zu organisieren, die ihre eigenen Wege finden würden, auf ein gemeinsames Landschaftsthema zu reagieren.

In den nächsten 29 Jahren folgte ich Künstlern auf Bergpfaden, entlang felsiger Küsten, auf Dächer, neben historischen Gebäuden, in üppigen Gärten und auf schneebedeckten Wegen mit meiner Kamera und meinem Notizblock. Ich versuchte herauszufinden, was sie an den Orten anzog, wie sie ihre Malmaterialien auswählten und vorbereiteten, warum sie ihre Bilder auf bestimmte Weise entwickelten und welche Ratschläge sie anderen anbieten würden, die sich für die gleiche Beschäftigung interessierten. Einige zeigten Künstler, die in Aquarell gemalt waren, andere in Acryl, einige in Kasein und Pastell, viele in Öl, und etliche schossen Fotografien, während sie skizzierten und malten. Ich habe von jedem dieser Künstler etwas Wertvolles gelernt, und meine Absicht ist es, das, was ich gelernt habe, mit anderen zu teilen, während ich den Lesern versichere, dass der Prozess, ein kompetenter Maler zu werden, ebenso schwierig und langsam wie angenehm und lohnend ist. Selbst nach fast 30 Jahren des Studiums bei den besten Künstlern habe ich noch viel zu lernen über den Prozess der Schaffung von Kunstwerken aus dem, was meine Augen beobachten, mein Verstand interpretieren und meine Hände ausführen. Obwohl die Empfehlungen, die ich hier vorstelle, wohl überlegt und ein wenig tiefgreifend erscheinen, stehen sie für meinen ständigen Kampf, die Qualität meiner Bilder zu verbessern.

Sonnenuntergang über dem Hudson Valley von Frederic Edwin Church, 1870, Graphit und Öl auf dünnem, cremefarbenem Karton, 11 1/8 x 15¼. Sammlung National Museum of Design, New York, New York.

Die Künstler, die wahrscheinlich den größten Einfluss auf meine Herangehensweise an die Ölmalerei hatten, sind die zeitgenössischen Künstler Thomas S. Büchner, Clyde Aspevig, Joseph McGurl und Jack Beal; sowie die großen Maler des 19. Jahrhunderts Jean-Baptiste-Camille Corot (1796–1875) und Frederic Edwin Church (1826–1900). Büchner zeigte mir, wie man Freilichtmalerei in einen arbeitsreichen Zeitplan einfügt, Aspevig half mir, wertvolle Motive an unerwarteten Orten zu identifizieren, McGurl zeigte, wie man mit Farbe umgeht, um die Illusion von Details zu erzeugen, und Beal öffnete meine Augen für dynamische Kompositionen. Und als ich die Gelegenheit hatte, mit einem Gemälde von Corot oder Church auf der Leinwand zu stehen, war ich demütigt über die Fähigkeit des Künstlers, das Gefühl zu erzeugen, mit ihm in einer Landschaft zu stehen und die gemachten Erfahrungen zu teilen durch das Licht und die Atmosphäre.

Ich habe es immer abgelehnt, mein eigenes Kunstwerk in American Artist zu reproduzieren, weil ich die Mission des Magazins nicht mit meiner persönlichen Agenda verwechseln wollte. Obwohl ich den Inhalt der Publikation gestalten kann, versuche ich, mich auf die Interessen der Leser zu konzentrieren. Die Leute haben mich jedoch aufgefordert, mein Kunstwerk zu diskutieren, um das Magazin zu personalisieren und den Lesern mitzuteilen, dass ich ihre Leidenschaft teile. Ich stimme dieser Sichtweise zu.

Herbst in der Kent Baptist Church von M. Stephen Doherty, 2006, Öl, 11 x 14. Sammlung des Künstlers.

Ich sollte auch gestehen, dass ich, wie viele von Ihnen, hoffe, dass mein Kunstwerk als Aufzeichnung einer Person über mich hinausleben wird, die die Dinge in einem bestimmten Moment kreativ und vielleicht auch ergreifend gesehen hat. Zum Beispiel gibt es viele Gründe, warum ich den Herbst in der Kent Baptist Church gemalt habe. Einige haben mit der Schönheit der Herbstszene zu tun, andere mit dem Kirchengebäude, dem Friedhof und den fallenden Blättern als Symbol für Leben, Tod und Erneuerung. Was Sie beim Betrachten des Gemäldes nicht wissen können, ist, dass ich 2006 an dieser Stelle einen kleinen Autounfall hatte. Sieben Monate später bin ich zurückgegangen, um genau an der Stelle zu stehen, an der mein Auto auf eine Eisfläche stieß und in die Straße flog Wald neben der Einfahrt der Kirche. Ich ging unverletzt davon, war mir aber bewusst, wie viel Leben sich in Sekundenbruchteilen ändern kann.

Warum belaste ich Sie mit diesen Details? Ich möchte betonen, dass ich, während ich über die besten Verfahren zum Malen von Bildern schreibe, gemeinsam mit Ihnen nach einer visuellen Sprache suche, die dabei hilft, Einsichten klarer auszudrücken. Ich hatte das Glück, Zeit mit Künstlern zu verbringen, die genau das hervorragend können, und ich hoffe, ich kann einiges von dem teilen, was sie mir großzügig geschenkt haben.

Hier sind einige Ratschläge, die mir beim Malen geholfen haben:

Aspen Road von William Hook, 2004, Acryl, 24 x 36. William Hook malte diese Landschaft während eines Kurses in der ersten Ausgabe von Workshop.

John Singer Sargent war möglicherweise in der Lage, an einem beliebigen Ort oder zu einer beliebigen Tageszeit zu malen, aber der Rest von uns muss einen Malort auswählen, der auf der Tageszeit, der Jahreszeit und den vorherrschenden Bedingungen basiert. Ein Ort kann morgens inspirierend und nachmittags langweilig sein, oder der Ort benötigt mehr Zeit zum Malen, als verfügbar ist. Es ist daher wichtig zu berücksichtigen, wie wahrscheinlich die Lackierbedingungen an den verschiedenen Standorten sind, die Sie in Betracht ziehen. Die meisten Fachleute notieren sich die Orte, an denen sie vorbeikommen, und versuchen, sich den besten Aussichtspunkt und den optimalen Zeitpunkt für die Rückkehr zu merken.

Thomas S. Buechner, einer der am meisten zitierten Künstler, den ich getroffen habe, sagte: „Je älter ich werde, desto attraktiver wird das Thema, das dem Badezimmer am nächsten kommt.“Er scherzte natürlich, aber er versucht zu vermeiden, dass zu viel Zeit für die Suche nach dem „perfekten“Malort aufgewendet wird, da immer eine Vielzahl von Optionen zur Verfügung steht, von denen einige bequemer sind als andere. Matthew Daub und William Hook hatten fast den gleichen Rat, als sie vor der Erwartung warnten, dass die Landschaft auf der anderen Seite des Hügels grüner oder malerischer sein würde. Clyde Aspevig, ein Mann mit intensiver persönlicher Motivation, sucht sich Orte aus, an denen er mehrere gute Gemälde erstellen kann, ohne seine Ausrüstung packen und bewegen zu müssen.

BERÜCKSICHTIGEN SIE DIE RICHTUNG DES LICHTS AN IHREM AUSGEWÄHLTEN STANDORT

Wald von Fontainebleau von Jean-Baptiste Camille Corot, 1834, Öl. Sammlung National Gallery of Art, Washington, DC.

Die meisten Plein-Air-Malereien dauern mehrere Stunden, daher ist es hilfreich zu überlegen, was mit dem Winkel und der Intensität des Lichts passiert, wenn Sie an einem bestimmten Ort malen. Wird das Sonnenlicht die Malfläche durchdringen und unerwünschte Blendung verursachen? Werden sich die Wolken auflösen und einen scharfen Kontrast zwischen Sonnenlicht und Schatten erzeugen? Wird sich die Unterscheidung zwischen warmen und kühlen Farben bei Sonnenuntergang verstärken?

Natürlich müssen Künstler keine Sklaven der Wetterbedingungen sein. Sobald ein gutes Gemälde im Gange ist, können Erfahrungen sie zu seinem erfolgreichen Abschluss führen. "Liegen, betrügen und stehlen", sagt Jack Beal mit einem Lachen. Damit meint er, dass Künstler nicht verpflichtet sind, genau das zu malen, was sie beobachten. In der Tat geht es bei der Komposition darum, die dreidimensionale Welt auf eine zweidimensionale Oberfläche zu abstrahieren. „Wenn Corot und Albert Bierstadt Ihnen helfen können, lassen Sie sie auf jeden Fall“, rät Beal.

VERBALISIEREN SIE, WAS SIE WISSEN MÖCHTEN

Viele erfahrene Lehrer bitten die Schüler, aufzuschreiben, was sie den Zuschauern vermitteln möchten, und das Blatt Papier auf ihre Staffeleien zu kleben. Es geht darum, sich auf den wichtigsten Aspekt Ihres Bildes zu konzentrieren. Lesen Sie die Nachricht bei jeder Pause erneut und prüfen Sie, ob Sie Ihr zentrales Ziel erreichen. „Normalerweise empfehle ich den Schülern, diese Nachrichten auf eine 3" -x-5 "-Karte zu schreiben, damit sie kurz, einfach und spezifisch sind“, sagt Sondra Freckelton. „Wenn ich vorbeischaue, um die Fortschritte der Schüler zu überprüfen, frage ich sie, ob sie ihre Bilder so entwickeln, dass sie die Botschaft auf der Karte vermitteln. Wenn nicht, sprechen wir über Elemente des Kunstwerks, die die Botschaft verwirren könnten. Ich spreche lieber über Materialien und Techniken im Kontext dieses fokussierten Ziels. “

PLANEN SIE DIE ZUSAMMENSETZUNG, DIE WERTE, DIE LINIEN, DIE FORMEN UND DIE FARBEN

Paramount View of Mt. Blanca von M. Stephen Doherty, 2006, Öl, 11 x 14. Sammlung des Künstlers.

Es gibt viele wichtige Aspekte der Malerei, aber diejenigen, die am häufigsten in Zeitschriftenartikeln, Kunstkursen und Malworkshops behandelt werden, betreffen die kompositorischen Arrangements abstrakter Elemente. Ausbilder sprechen über den relativen Wert und die Farbtemperatur, da diese einen Baum vom anderen trennen, den Vordergrund vom Hintergrund und das Sonnenlicht von den Schattenbereichen. Sie bitten die Schüler auch zu überlegen, wie die von Straßen, Zäunen, Flüssen und Wegen vorgegebenen Richtungen die Aufmerksamkeit des Betrachters auf ein Bild lenken. und sie zeigen auf, wie die Wiederholung von Farben und Mustern ein Gefühl der Einheit und Harmonie in einem Bild herstellen kann.

Jack Beal spricht über Komposition, wann immer er die Gelegenheit hat, Studenten anzusprechen, und ich wünschte, seine Ideen würden breiter verbreitet und verstanden, weil sie Künstlern helfen können, aufregendere und aufregendere Bilder zu schaffen. Er geht über den offensichtlichen Rat hinaus, den Brennpunkt eines Gemäldes von der Mitte fernzuhalten und den gerichteten Fluss von Formen und Linien darzustellen. Er zeigt den Schülern, wie sie den positiven und negativen Raum effektiver nutzen, wie sie Formen ausbalancieren, die den Betrachter in ein Bild hinein- und wieder herausholen, und er ermutigt Künstler, Formen zu biegen, zu verdrehen und zu schlanken, damit die Komposition effektiver wird. Beispielsweise verweist er auf Renaissance- und Barockkünstler, die zugrunde liegende dreieckige, kreisförmige oder trapezförmige Formen festlegten und die Figuren, Objekte und natürlichen Formen in ihren Gemälden so anordneten, dass sie lose in diese geometrischen Formen passen. Ich dachte zum Beispiel über Beals Rat nach, als ich in der Kent Baptist Church mein Bild Autumn komponierte und eine Reihe dreieckiger Formen verwendete, um den Betrachter zu lenken und ihm ein Gefühl des Unbehagens über eine ansonsten angenehme Szene zu hinterlassen.

SCULPT MIT FARBE

Der Pietra Santa Weinberg von Randall Sexton, 2006, Öl, 11 x 14. Sammlung des Künstlers. Oben sehen Sie eine Demonstration, die Sexton in einem Workshop abgeschlossen hat, der in der Herbstausgabe 2006 von Workshop vorgestellt wurde.

Randall Sexton hat mich gelehrt, mehr auf die Menge der Farbe zu achten, die ich auf ein Gemälde auftrage, und Matt Smith hat mir die Vorteile gezeigt, die es mit sich bringt, die Richtungsbewegung von Ölfarbe mit einem Pinsel zu „formen“. Beide Künstler gaben den gleichen Rat, den die meisten Ausbilder gaben: Arbeiten Sie von dünn bis dick, lassen Sie die Schatten dünn und die Lichter dick und bewegen Sie den Pinsel so, als ob er der Topographie der Landschaft folgt.

Bei all diesen Ratschlägen geht es darum zu erkennen, dass die Dichte, Textur und Transluzenz von Öl die Wahrnehmung der Objekte oder Orte beeinflusst, die wir in unseren Gemälden darstellen. Dieser Punkt wurde mir nie klarer, als ich im Oktober 2006 eine Ausstellung von Jacob Collins 'atemberaubenden Figurengemälden in den Hirschl & Adler Galleries in New York City sah. Die warmen, rotbraunen Schatten auf den Körpern der Liegen Die Akte waren so dünn, dass ich die Graphitlinien sehen konnte, die der Künstler gezeichnet hatte, um die Kanten dieser Formen zu identifizieren, und die dunklen Hintergrundfarben hinter den Figuren wurden dünner und wärmer, als sie bis an die Kanten der dicken Flecken auf dem Fleisch reichten. Diese subtilen Manipulationen des Volumens und der Temperatur der Ölfarben erzeugten ein strahlendes Licht in den Bildern.

Garten Squeteague Hafen von Joseph McGurl, Öl, 9 x 12. Privatsammlung. Joseph McGurl leitet nur zwei Landschaftsworkshops pro Jahr, und eine dieser Klassen wurde in der Frühjahrsausgabe 2007 von Workshop vorgestellt.

Am selben Tag, an dem ich mir die Collins-Ausstellung ansah, besuchte ich Joseph McGurls Landschaften in den Hammer Galleries, ebenfalls in New York, und war fasziniert zu sehen, wie er die Textur der Farbe aufbaute, die die Vordergrunde seines Neuenglands beschreibt Szenen. In einigen Fällen verwendete er eine grob gewebte Leinwand, die entweder mit dicken Ölfarben glatt oder in rauem Zustand belassen werden konnte. In anderen Situationen texturierte er das darunter liegende Acryl-Gesso auf den Paneelen, so dass selbst ein dünner Auftrag von Ölfarbe eine pinselige Textur ergab. Und ein Teil der Farbe, mit der die Vordergrundfarbe hergestellt wurde, wurde entweder mit einem Spachtel aufgetragen, mit Sand oder Bimsstein vermischt oder kurz bevor sie vollständig trocken war, verschrottet, damit die Pinselstriche weniger auffällig waren.

GEHEN SIE DIE EXTRA MILE

Jemand hat mir einmal gesagt, dass es besser ist, klug als hart zu arbeiten, was bedeutet, dass die Nutzung des Gehirns in der Regel effizienter und effektiver ist als die Nutzung der Muskeln. Aber ich habe oft bemerkt, dass das, was ein Gemälde außergewöhnlich und ein anderes ziemlich durchschnittlich macht, die Zeit und Mühe ist, die der Künstler dem Bild gewidmet hat. Das heißt, Bilder können dramatisch besser werden, wenn die Schüler bereit sind, von vorne zu beginnen, wenn sich herausstellt, dass ihre zugrunde liegende Zeichnung ungenau ist. zusätzliche Zeit damit zu verbringen, den richtigen Wert zu mischen, anstatt das aufzunehmen, was gerade auf ihrer Palette ist; oder um einem Bild mehr Details hinzuzufügen, insbesondere in der Nähe des Brennpunkts. Manchmal ist Effizienz keine bewundernswerte Eigenschaft, und Ungeduld ist ein Stolperstein. Ich weiß, weil ich die Angewohnheit habe, sehr ungeduldig zu sein, aber ich erinnere mich, dass es keinen Sinn macht, ein weiteres mittelmäßiges Gemälde auf den Stapel in meinem Keller zu stapeln. Wenn ich mir nicht die Zeit nehme, um ein außergewöhnliches Bild zu machen, macht es keinen Sinn, ein neues zu beginnen.

Traktoren und Lastwagen, Trinchera von M. Stephen Doherty, 2006, Öl, 11 x 14. Sammlung des Künstlers.