Joseph McGurl wuchs unter der künstlerischen Anleitung seines talentierten Vaters auf und pflegte gleichzeitig die Leidenschaft für das Bootfahren und die Liebe zum Meer. Dieser frühe Einfluss, gepaart mit jahrelanger harter Arbeit und Praxis, hat ihn zu einem der bedeutendsten Landschaftsmaler von heute gemacht. In diesem Interview teilt er sein Wissen, seine Erfahrung und seine Einsichten in die Kunst der Naturmalerei.
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Sonne Hauptküste |
Interview von Allison Malafronte
Amerikanischer Künstler: Bitte sprechen Sie ein wenig über Ihre künstlerische Ausbildung, insbesondere über die einflussreiche Rolle, die Ihr Vater bei der Inspiration für Ihre Karriere als Künstler gespielt hat.
Joseph McGurl: Vorab sollte ich sagen, dass viele Künstler mit einigen meiner Aussagen nicht einverstanden sind. Das ist gut und so wie es sein sollte. Wenn alle meinen Ansichten zustimmen würden, würden alle so malen wie ich, und Kunst wäre sehr langweilig.
Seit ich ungefähr 5 Jahre alt war, wusste ich, dass ich Künstler werden wollte. Das lag wahrscheinlich daran, dass mein Vater einer war, und es schien natürlich zu sein, und ich malte gern. Mein Vater war nicht nur ein Vorbild, sondern half mir auch, meine Zeichnungen zu korrigieren, wenn ich nicht sehen konnte, warum sie nicht richtig aussahen. Als Teenager half ich ihm bei seiner Arbeit, die das Malen von Wandgemälden, Marmorieren, Schablonieren, Bemalen von Statuen, Malen mit Holzmaserung, dekoratives Malen, architektonisches Rendern, Entwerfen von Denkmälern und so ziemlich alles, was mit Farbe zu tun hatte, umfasste. Ich habe meistens im Hintergrund gemalt, Pinsel gereinigt, Farbe gemischt und andere damit verbundene Aufgaben ausgeführt. Schon in jungen Jahren habe ich es verstanden, mit Farbe umzugehen und die damit verbundenen Qualitäten auszunutzen. Der wahrscheinlich tiefgreifendste Einfluss, den mein Vater auf mich hatte, war seine engagierte Arbeitsmoral. Er musste einen Weg finden, eine siebenköpfige Familie zu ernähren, und konnte dies durch sein Talent und seine harte Arbeit tun. Wir haben lange Tage gearbeitet.
Während meiner Teenagerjahre besuchte ich Samstagsklassen im Museum of Fine Arts in Boston bei Ralph Rosenthal. Er war ein weiteres Vorbild, das mich unter anderem lehrte, das, was ich zeichnete oder malte, zu analysieren, um es besser zu verstehen und überzeugender darzustellen, was mir wichtig war. Ich besuchte das Massachusetts College of Art and Design und schloss mein Studium mit einem dualen Hauptfach in Erziehung und Malerei ab. Die akademische Betonung der Grundlagen des Zeichnens und Malens war nicht sehr ausgeprägt, und ich hatte das Gefühl, dass meine Ausbildung unvollständig war. Später erfuhr ich von den Schülern der Boston School und ihrer Herangehensweise an das Zeichnen, die auf den Lehren der French Academy beruhte. Diese Herangehensweise an das Zeichnen entwickelte sich über Hunderte von Jahren zu einer sehr effektiven Methode, um die Schüler darin zu schulen, klar zu sehen und genau zu zeichnen. Ich habe Figurzeichnen bei Robert Cormier studiert und es wurde wirklich ein Wendepunkt in meiner Fähigkeit, auszudrücken, was ich wollte.
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| Vorbei am Steg |
AA: Was hat Sie nach dem Studium des Figurenzeichnens bei Robert Cormier zum Landschaftsgenre geführt?
JM: In meinen jüngeren Jahren habe ich gemalt, gemeißelt, Drucke gemacht und alle Arten von Kunstprojekten gemacht. Allmählich übertrafen die Arten von Kunst und Materialien, die mich am meisten befriedigten, diejenigen, die ich weniger interessant fand. Ich habe die emotionalsten Rückmeldungen von Landschaften erhalten und beschlossen, keine Zeit mit weniger spannender Arbeit zu verbringen. Wenn ich mich nicht ganz dem widme, was ich male, verliert es seine Aufregung, und ich denke, der Mangel an Leidenschaft wird offensichtlich. Obwohl ich es mag, Figuren zu zeichnen, war es wirklich ein Mittel zum Zweck. Ich wollte besser zeichnen, und die von den Künstlern der Boston School gelehrte Methode ist der beste Weg, dies zu tun.
AA: Wie lange hast du in England und Italien Kunst studiert? War es in dieser Zeit, dass Sie sich für die traditionelle, altmeisterliche Herangehensweise an die Malerei interessierten?
JM: Das waren Sommerprogramme, die ich am College absolviert habe. Die Englandreise fand an der University of London statt. Leider war die Kunstabteilung nicht gut geführt und enttäuschend. Die Kunstgeschichte war besser. Der wahre Wert bestand darin, in die Museen zu gehen und die Constables und Turners zu sehen. Ich ging auch nach Holland, um die niederländischen Meister zu sehen. Da wurde mir klar, dass ich durch das Studium der Kunst in den Museen noch viel mehr lernen kann. Die Reise nach Italien wurde von der Boston University durchgeführt und war ausgezeichnet. Der Professor für Kunstgeschichte, Sam Edgerton, war einer der besten Lehrer, die ich je hatte. Ich war wieder einmal von den Kunstwerken in den Museen fasziniert. Dies lehrte mich, dass der beste Weg, an meine Kunst heranzugehen, darin bestand, von denen zu lernen, die vor mir standen, und zu versuchen, sie ein wenig voranzutreiben und gleichzeitig meine eigene Identität zu entwickeln.
AA: Künstler bewundern Ihre Kunstwerke oft, weil Sie Licht einfangen und Leuchtkraft und Atmosphäre erzeugen können. Können Sie zusammenfassen, wie Sie dies sowohl aus technischer als auch aus mentaler Sicht tun?
JM: Die technischen Aspekte des Malens von Licht und Atmosphäre sind ziemlich einfach. Es kommt wirklich darauf an, die richtige Farbe und den richtigen Wert für einen bestimmten Ort im illusionären Raum des Gemäldes zu mischen. Manchmal modifiziere ich eine Passage mit einer Glasur oder einem Schaum. Ich benutze auch Textur oder deren Fehlen, um Raum und Licht zu definieren. Eines der Dinge, die ich von den Meistern gelernt habe, ist, dass dicke Farbe dazu beiträgt, Objekte nach vorne zu bringen und helle Objekte heller erscheinen zu lassen. Daher werde ich diesen „Trick“ häufig anwenden. Dünne, transparente Farbe verleiht einem Gemälde Tiefe. Die Wichtigkeit der Genauigkeit von Farbe und Wert wird mir klar, wenn ich eine Reproduktion eines meiner Gemälde sehe. Manchmal wird eine bestimmte Farbe oder ein bestimmter Wert nicht korrekt reproduziert und springt aus seiner Position im Raum heraus.
Geistig ist es wirklich wichtig, sich die Szene in drei Dimensionen vorzustellen. Ich habe Jahre damit verbracht, die Landschaft zu studieren und zu verstehen, was passiert und warum. Beispielsweise ändert sich die Farbe eines Objekts, wenn es bei Sonnenuntergang anders in die Ferne rückt als am Mittag. Wenn Sie verstehen, wie sich Raum und Licht auf Farbe und Wert auswirken, können Sie Farben übertreiben oder minimieren, um die Tiefe noch weiter zu steigern. Denken Sie daran, dass Sie versuchen, einen dreidimensionalen Raum auf einer ebenen Fläche und das Licht der Sonne nur mit Pigmenten zu malen, damit Sie nicht nur das malen können, was Sie sehen. Sie müssen auch malen, was Sie wissen, um alle Möglichkeiten zu nutzen.
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| Über das Meer |
AA: Bitte beschreiben Sie Ihre Verbindung zum Meer, einschließlich Ihres „schwimmenden Ateliers“.
JM: Ich bin am Wasser aufgewachsen und habe meine Sommer damit verbracht, zu schwimmen, Boot zu fahren und die nahe gelegenen Inseln und Buchten zu erkunden. Es gibt wahrscheinlich psychologische Gründe, warum ich eine so starke Verbindung zum Ozean habe, aber es gibt auch künstlerische. Das Meer und die Küste haben so viele Aspekte dessen, was mich intellektuell und visuell an unserer Welt interessiert. Es gibt unendlich viel Raum und wundervolles Licht, die Hauptthemen meiner Kunst sind. Es ist keine statische Umgebung. Die Sonnen-, Gezeiten-, Windmuster und Wolkenformationen ändern sich von Minute zu Minute. Ich bin auch angetan von der Herausforderung, die Tiefe, die Reflexion, die Transparenz, das Gewicht und die Bewegung des Ozeans zu malen.
Ich male seit meiner Jugend von Booten aus. In meinen frühen 20ern arbeitete ich als Yachtkapitän und habe seitdem Malschiffe benutzt. Das Atelier ist das Neueste. Es ist ein 44 Fuß langes Segelboot mit Ketch-Takelage. Es wurde 1965 erbaut und hat schöne, klassische Linien. So viele moderne Boote sind hässlich und sehen eher aus wie Küchengeräte als wie Boote. Meine Familie und ich segeln den größten Teil des Sommers durch Neuengland, und ich male sehr häufig an Bord, oder ich fahre mit dem Beiboot ans Ufer und male vom Land aus. Durch Segeln verstehe ich mein Thema besser.
AA: Was ist Ihr Plein-Air-Prozess? Wie wichtig ist es Ihnen, Studien und Skizzen vor Ort zu erstellen, anstatt Fotos als Referenz für Ihre Studioarbeit zu verwenden?
JM: Ich versuche, meine Reaktion auf die reale Welt darzustellen - keine flache visuelle Darstellung davon. Ich versuche, den ganzen Baum zu malen, auch die Seite, die Sie nicht sehen können. Ich versuche auch, einen lebenden Baum zu malen, der im Winter stirbt und im Frühling wieder blüht. Die Wissenschaft hat uns gelehrt, dass Raum und Zeit nicht statisch sind und dass es auf subatomarer Ebene einen rasenden Aktivitätsrausch gibt. Da ich das weiß, kann ich nicht von einem Foto malen, auf dem all diese Realitäten fehlen. Ich versuche auch, die Natur so vollständig wie möglich zu verstehen, und ich weiß, dass es am effektivsten ist, sie zu studieren, während ich sie in Farbe interpretiere. Die Herausforderung, nur mit meinen Farben ins Feld zu gehen und ein nützliches Bild zu erhalten, ist ebenfalls reizvoll. Manchmal habe ich nicht genug Zeit, um einen bestimmten Effekt einzufangen, aber so läuft das eben. Es ist schwierig, sich nur auf meine eigenen Beobachtungen zu verlassen, und es mag einfacher erscheinen, von Fotos zu malen, aber mein Ziel ist es nicht, es auf die einfachste, sondern auf die beste Weise zu tun. Wie jeder andere habe ich manchmal die Tendenz, faul zu sein, und wenn ich weiß, dass ich ein Foto habe, das mich stützt, kann es sein, dass ich nicht so lange an der Skizze arbeite, wie ich sollte.
AA: Für Künstler, die in einem Ihrer beiden jährlichen Workshops keinen begehrten Platz bekommen, geben Sie ihnen bitte einen Überblick darüber, worauf Sie sich in einem typischen Workshop konzentrieren.
In meinen Workshops beginne ich mit einem Überblick über meinen Malprozess und zeige den Schülern meine Malutensilien und Dinge, die den Ablauf etwas vereinfacht haben. Anschließend gehe ich anhand von Demos und Kritiken auf einige der Hauptprobleme ein, die die meisten Teilnehmer beim Malen der Landschaft haben. Ein Beispiel ist, dass sie die Tatsache aus den Augen verlieren, dass jedes Objekt eine bestimmte Form hat. Ein Stein und ein Baum haben ähnliche Grundformen. Die oberflächlichen Oberflächenstrukturen verwirren die Schüler. Ich diskutiere, wie wichtig es ist, die wahre Form des Objekts zu erkennen und dann kurze Wege zu finden, um die Textur dieses Objekts zu implizieren. Ich beschäftige mich auch viel mit linearen und atmosphärischen Perspektiven, um ihnen zu helfen, Tiefe in das Bild zu bringen. Normalerweise mache ich morgens eine Demo, und dann arbeiten sie am Nachmittag an ihren Gemälden. Ich verbringe mindestens eine Demo-Sitzung im Studio, in der der mechanische Prozess gezeigt wird, wie aus einer Skizze ein Studiomalerei gemacht wird. Ich zeige auch einige der einzigartigen Tools, die ich manchmal verwende, und diskutiere, wie ich das Studio eingerichtet habe. Diese Demonstration umfasst einige Methoden zum Bearbeiten von Farbe, z. B. Glasur, pastos und Scraffito.
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| Frieden |
AA: Denkst du, es ist möglich, Künstler zu lehren, wie sie malen können, auf dem Niveau von Können und Können, das du erreicht hast? Ist das übertragbar oder glaubst du, es ist etwas, mit dem du von Natur aus geboren wurdest?
JM: Ich denke, es ist ein bisschen von beidem. Man muss Talent haben und man muss trainieren. Man muss auch sehr lange daran arbeiten. Genau wie Ärzte oder Klempner ihre Beiträge bezahlen müssen, tun es auch Künstler. Wenn ich auf das Kunstwerk zurückblicke, das ich in meinen Zwanzigern gemacht habe, war es wirklich schlimm, aber es hat sich schließlich verbessert.
AA: Welche Landschaftskünstler aus Vergangenheit und Gegenwart bewundern Sie?
JM: Zu den früheren Künstlern zählen Frederic Edwin Church, Sanford Gifford, Worthington Whittredge, John F. Kensett, Arthur Streeton, John Singer Sargent und Hugh Bolton Jones. Für zeitgenössische Künstler Andrew Wyeth, Jamie Wyeth, Antonio López Garcia, Don Demers, William Davis, Matt Smith, Marcia Burtt, Ken Auster.
AA: Was inspiriert dich als Künstler am meisten? An wen wendest du dich zur kreativen Motivation?
Um mich kreativ zu motivieren, gehe ich einfach zur Arbeit. Manchmal habe ich die ganze Nacht über ein bestimmtes Problem nachgedacht, und wenn ich glaube, die Lösung gefunden zu haben, freue ich mich auf die Arbeit des kommenden Tages. Manchmal fühle ich mich nicht besonders kreativ, aber ich muss produktiv sein. Ich gehe meiner Arbeit nach und oft kommt die Inspiration nach einer Weile. Manchmal sind dies meine besten Tage, und der Tag vergeht zu schnell.
Weitere Informationen zu Joseph McGurl finden Sie auf seiner Website unter www.josephmcgurl.com.
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