Qiang Huang: Mythos Buster

Dieser texanische Ölmaler zerstört mehrere Mythen - einschließlich der Vorstellung, dass Künstler kurzsichtig und zielstrebig sind. Qiang Huang hilft den Workshop-Teilnehmern dabei, mit moderner Technologie und traditionellen Malmethoden zu zeichnen, zu malen und ihre Kunstwerke zu verkaufen.

von Kim Carlton

Qiang Huang half einem Studenten verstehen, wie man Elemente misst von einem Stillleben während seiner Werkstatt im Artists Retreat & Learning Center, in Magnolia, Texas.

Rudyard Kipling schrieb einmal: "Oh, Ost ist Ost und West ist West, und niemals werden sich die Zwillinge treffen." Das stimmt nicht mehr: Wir haben Qiang Huang (ausgesprochen "Chong Wong"), geboren und aufgewachsen in China, jetzt a Der stolze Amerikaner und in ihm trifft der Osten wirklich den Westen.

Aber das ist nicht alles. Wissenschaft trifft Kunst, Abstraktion trifft Realismus und Geschäft trifft Freude an der Arbeit des Ölmalers. In diesen Zeiten, in denen der Gürtel enger wurde, verkauften sich Huangs Gemälde wie heiße Kuchen, Galerien bewarben ihn und seine Werkstätten waren voll. Workshop nahm an einem seiner kürzlichen Stillleben-Malworkshops teil, um herauszufinden, warum.

Als Huang sein Wissen während einer dreitägigen Veranstaltung im Artists Retreat & Learning Center in Magnolia, Texas, weitergab, verfolgte er einen dreigliedrigen Ansatz. Erstens lieferte er am Morgen des ersten und zweiten Tages gründliche PowerPoint-Präsentationen. Er folgte jeder dieser Sitzungen mit einer Demo, die die Lektionen illustrierte, die er gerade unterrichtet hatte. Drittens erlaubte er den Schülern während der Nachmittagsstunden, das zu üben, was er predigte, und führte sie akribisch an, vom Entwurf des Aufbaus bis zur Unterzeichnung des Gemäldes. Am dritten Tag unterrichtete er als praktisches Nachskript eine Klasse über seine Online-Geschäftstechniken, um den Schülern zu zeigen, wie sie eine Verkaufsstelle für ihre Arbeiten einrichten können.

Die PowerPoint-Präsentation des ersten Tages konzentrierte sich auf die Komposition. Huang betonte, dass das Thema eines Stilllebens nicht die verschiedenen Gegenstände im Setup seien, sondern das Licht. Er erklärte verschiedene Lichteffekte, darunter Spotlighting, Silhouettierung und andere, und er beschrieb die dargestellten Gegenstände als „abstrakte Lichtmanipulatoren“. Huang erklärte, dass diese Teile des abstrakten Ganzen strategisch platziert sein müssen, damit der Betrachter das Gemälde lesen kann. Sie können in einer linearen oder gekrümmten Richtung lesen; Sie können schnell oder langsam lesen. Der Künstler muss diese Dinge während der Planungsphase eines Gemäldes entscheiden. Das abstrakte Konzept der Arbeit muss vollständig formuliert und der Schwerpunkt im Voraus festgelegt werden, damit das Stück ein visuelles Ereignis und nicht nur eine „Sammlung von Artefakten“ist.

Die Vorlesung am zweiten Tag behandelte Malelemente: Zeichnung, Wert, Farbe, Kanten und Pinselführung. Das Zeichnen, das Fundament jeder gegenständlichen Kunst, setzt ein Verständnis der linearen Perspektive, des Maßes und der Proportionen sowie der Struktur und Anatomie voraus - und ein geschultes Auge, so Huang. Er zeichnet mit einfachen, geraden Linien, die meist nur Grenzen markieren. "Sie dürfen keine Kopie Ihres Setups rendern", wies der Künstler an. "Der Zweck der Zeichnung ist die Platzierung."

Value ist das Designwerkzeug, das Formen durch den Kontrast von Hell und Dunkel zeigt. Huang ermutigte seine Schüler, so wenig Werte wie möglich zu verwenden, um die Aussage stark zu halten.

Huang diskutierte viel über die Rolle der Farbe in der Malerei. Der Künstler glaubt, dass ein Gemälde besser kommuniziert, wenn es eine dominierende Farbe hat. Manchmal ist diese dominante Farbe das, was Huang als „Nicht-Farbe“- eine gedämpfte Farbe - bezeichnet. In diesem Fall werden gesättigte Farben im Mittelpunkt des Fokus unterstützt. Um die Farbkontinuität zu gewährleisten, verwendet er die Farbtonsequenzierung, um den Fluss zu beschreiben, z. B. die Sequenz von Gelb über Orange bis Rot, die der Kurve eines Apfels folgt.

Huang beriet einen Studenten im Wichtigkeit des Hintergrunds Wert und Farbton.

Huang bevorzugt transparente Farben für Schatten und begrenzt die sichtbaren Pinselstriche, indem er die Farbe mit großen, flachen Synthetikpinseln aufträgt. Er verwendet deckende Farben für Bereiche im Licht, die mit einem Borstenpinsel für eine ausgeprägte Textur geliefert werden.

Kanten sind die Geheimwaffe eines Künstlers für die Erstellung dynamischer Gemälde. „Kanten orchestrieren das Bild mit Prioritäten: Scharfe Kanten ziehen die Aufmerksamkeit auf sich, weiche und verlorene Kanten zeigen Kontinuität“, erklärte er. Später, als er den Malfortschritt der Schüler verfolgte, benutzte Huang oft seinen Finger, um einen Fleck zwischen den Objekten zu streichen und eine harte Kante zu schmieren. Die Schüler stellten fest, dass eine Bewegung eine pedantische Anstrengung in ein stimmungsvolles und dramatisches Kunstwerk verwandeln kann.

Einer der bestimmenden Aspekte von Huangs eigenen Gemälden ist seine starke Pinselführung. „Benutze große Pinsel. Benutze viel Farbe “, betonte er. „Mischen Sie die Farbstapel mit einem Spachtel. Andernfalls werden Sie geizig und verschwenden zu viel Zeit mit dem Mischen. “Die Strichorientierung steuert das Lesetempo und erzeugt abstrakte Muster, die der Oberfläche Stimmung und Energie verleihen. Abschließend stellte er fest: "Brushwork liefert die Kraft des Gemäldes."

Huang beim Malen zuzusehen, ist wie vor einer wichtigen Produktion hinter der Bühne zu stehen. Er weiß bereits, was passieren wird, aber er sammelt sich und probt in Gedanken, wobei er das Stillleben sorgfältig orchestriert und gründlich überprüft. Er tritt zurück, tritt dann vor und lässt ein Blütenblatt in den Vordergrund fallen. Er stellt einen Stiel ein und spielt mit dem Licht.

Für eine Demonstration in der Magnolia-Werkstatt klemmte Huang einen Blaufilter an einen Scheinwerfer, der sein Setup in einem 45-Grad-Winkel beleuchtete, und arrangierte dann einen anderen für den Scheinwerfer auf seiner Leinwand und Palette. Er wählte Blau, damit die Schüler ein Licht sehen konnten, das dem Nordlicht ähnelte. Huang macht das in seinem eigenen Studio, wie er es normalerweise nachts malt. Er diskutierte die Auswirkungen unterschiedlicher Lichttemperaturen auf Gemälde. Seine Bilder sind im Allgemeinen warm, so dass kühleres Licht einen Kontrapunkt darstellt und eine subtile Fadheit der Bilder verhindert. Für sein kühles Licht bevorzugt er eine Philips 60-Watt-Natural Light Plus-Lampe. Huangs Atelier ist bis auf diese beiden Scheinwerfer dunkel. In den Workshops des Lehrers gibt es auch das Licht einer großen Projektionsfläche, die es dem Publikum ermöglicht, seinen Prozess und seinen Fortschritt aus der Nähe zu betrachten.

Der Ausbilder erinnerte einen Schüler daran Denken Sie an das Setup als Komposition eingerahmt von den Grenzen des Gemäldes Oberfläche.

Huang erklärte, dass er gerne sein Stillleben auf Augenhöhe hebt, weil er der Meinung ist, dass es auf diese Weise mehr visuelle Stabilität hat. Er vermeidet, dass eine horizontale Linie ununterbrochen über die Leinwand wandert, und sagt: „In einer Galeriesituation gleiten die Betrachter direkt durch Ihr Gemälde zum nächsten, wenn nichts das Auge abhält.“Er arrangierte seine Tischdecke und seine Artikel entsprechend.

Der Hintergrund für die Demo war ein selbstgemachtes Gerät, das aus zwei Sperrholzstücken bestand, die in der Mitte angelenkt waren, und Huang drapierte Stoff über den Hintergrund und den Vordergrund. Wie es seine Gewohnheit ist, kam das Licht von oben links und erzeugte ein Schattenmuster, von dem er sagt, dass es das wichtigste Gestaltungsmerkmal des Gemäldes ist. "Die Objekte sind den Formen und Farben untergeordnet, die ich für ihr Schattenspiel und ihre spektrale Interaktion manipulieren werde", sagte er. „Ein Gemälde ist ein Musikstück im räumlichen Bereich. Das Licht und die Farbe im Vordergrund stellen eine hohe Melodie dar, und der dunkle Hintergrund liefert einen tiefen Bass. “Man konnte fast hören, wie der Dirigent seinen Taktstock klopfte, als das Bild begann.

Huang begann damit, die Leinwand mit seiner typischen dunklen Farbe - französisches Ultramarin und gebrannte Siena (kühl und warm) - zu tönen, wie er es bei den meisten Gemälden tat. Er setzt diesen Ton gerne ein, um „die verheerende Perfektion der weißen Leinwand zu zerstören. Von da an wird Ihre Leinwand immer besser. “Um die Oberfläche zu tonisieren, trug er unverdünnte Farbe auf und wischte sie mit einem Papiertuch ab. Manchmal verdünnt er es mit ein wenig Terpentin, aber dies wird auf ein Minimum beschränkt - selbst wenn es um die Reinigung seiner in Gebrauch befindlichen Bürsten geht -, weil Terpentin schnell trocknet und das Finish matt macht. Huang wischt die Bürsten einfach sauber, während er arbeitet, und verwendet kein Medium.

Zu diesem Zeitpunkt nahm Huang seine Brille ab und blinzelte auf das Arrangement, das er vorbereitete, um es zu zeichnen. Während des Zeichnens zeichneten seine schnellen, geraden Linien nur große Formen, die der Lichtrichtung folgten. Er benutzte einen Borstenpinsel und unverdünnte Farbe - dieselbe Mischung, die er für den Ton verwendet hatte. Mit einem Papiertuch löschte er dann seine Lichter. Huang ist bestrebt, in jedem Stadium ein „fertiges“Gemälde zu haben, wobei niemals ein Punkt vor dem anderen überentwickelt wird. Sobald die Zeichnung zufriedenstellend war, ging Huang in die Dunkelheit und blockierte sie, immer noch mit nur einem neutralen Ton.

Als nächstes war die Farbe. Da er sich von der sklavischen Nachahmung der Szene abhält, befasste sich Huang nicht so sehr mit dem Aufbau wie mit dem Gemälde. Die Farbe wird bei Bedarf später angepasst. Huang mischte sorgfältig seine Dunkelheiten und nahm sich Zeit, um sie richtig zu machen. Er hielt einen Stapel seiner Hintergrundfarbe bereit, um ihn in seine anderen Farben zu integrieren und Harmonie zu schaffen. Reines Weiß war für das Ende reserviert. Zu diesem Zeitpunkt war das Gemälde noch ziemlich einfarbig, und das Hauptdesign war mit Formen und Werten erzielt worden.

Der Ausbilder hob den Pinsel auf Zeigen Sie einen Punkt auf einem Schüler Segeltuch.

Huang arbeitet normalerweise von links nach rechts, von hinten nach vorne. Aufgrund der Kühle des Scheinwerfers ist der größte Teil des hellen Bereichs kühler als der dunkle. Er wies darauf hin, dass dies normalerweise umgekehrt ist, wenn man im Freien malt, wo das Sonnenlicht warm ist und der blaue Himmel sich in den kühleren Schatten spiegelt. Er begann das Licht auf die gleiche Weise wie die Dunkelheit, wobei er die Farben sorgfältig mischte und sie dann zuerst mit großen Pinseln auftrug, wobei er die Größe schrittweise verringerte, je detaillierter er wurde. Schließlich setzte er seine Brille wieder auf und holte mit kleinen Zobeln nach den feinen Details. Er warnte seine Schüler: „Arbeiten Sie nicht länger als 10 oder 15 Minuten auf einem Gelände. Sie werden zu viele Details hinzufügen. Wenn Sie 10 Minuten gebraucht haben, beginnen Sie, nach einem anderen Bereich zu suchen, auf den Sie achten sollten. Wenn du dein Bild hörst, wird es dir sagen, was es will. “

Um die Formen zu formen, malte der Künstler mit der positiven Farbe aus den Grenzlinien heraus und schnitt dann mit der negativen Farbe zurück, wobei er die feuchten Dunkelheiten in den Körper des Schattens zog. Diese weichen und verlorenen Kanten bildeten den Grundfluss, den man beim Betrachten von Huangs Kunstwerken spürt. Er achtet darauf, alle Einführungskanten um die Ränder eines Gemäldes zu verwischen, damit das Auge im Körper der Komposition zufrieden bleibt.

Bei der Arbeit mit der Dunkelheit waren Huangs Farben bereits verwandt, aber bei den Lichtern behielt er die Farben geschützt, rein und unverschmutzt bei. Ein vorsichtiger Schlag nach dem anderen veränderte empfindlich die Temperatur in den Halbtönen und überprüfte seine Ränder noch einmal. Die endgültigen Details wurden mit größter Sorgfalt erstellt. „Sehr kleine Formen wie Apfelstängel sollten einen starken Kontrast aufweisen“, riet er seinen Schülern, „nehmen Sie sich also Zeit für sie. Verwenden Sie einen sauberen, trockenen Pinsel, um die Kanten an den erforderlichen Stellen abzufedern. “Für das Highlight schlug er die Verwendung der entgegengesetzten Temperatur senkrecht zu den umgebenden Strichen vor.

Als sich das Bild fertig anfühlte, trat er zurück und stellte Fragen, die das Bild beantworten würde. Huangs Rat: „Wenn Sie die letzte Phase erreicht haben, hören Sie auf, sich Ihr Setup vollständig anzuschauen, und beziehen Sie sich nur noch auf Ihr Gemälde. Das Gemälde ist dein Lehrer. “Die folgenden Fragen gingen auf. "Sind die Überlegungen glaubwürdig?", Fragte Huang. „Stimmen die Lichteffekte mit der Beleuchtung überein? Vielleicht ist ein dunkler Akzent erforderlich. Stellen Sie sicher, dass keine Farbe zu isoliert erscheint. Wenn es dort Abweichungen gibt, fügen Sie ein Farbecho oder eine Hintergrundfarbe hinzu, um Harmonie zu erzielen. Suchen Sie nach Designelementen, die sich wiederholen könnten. Das ist dein Rhythmus und deine Melodie. Stellen Sie sicher, dass der Mittelpunkt weiterhin der Star der Show ist. Das Wichtigste, was man wissen muss, ist, wann man aufhört. “Der Künstler gab bekannt, dass er warten werde, bis das Gemälde vollständig trocken sei, bevor er seinen Namen unterschreibt.

Studenten in Huangs Werkstätten waren versehen mit vielen Informationen über Wie Farbe und Licht den Erfolg beeinflussen eines Gemäldes

Huang hat eine räuberische Neugier und eine hoch entwickelte Arbeitsmoral. Als Kind verbrachte er viel Zeit mit Zeichnen und dem Bewundern seines Onkels. Als Student verfolgte er die Naturwissenschaften und betrachtete dies als einen praktischen Studiengang. Aufgrund seiner umfassenden Ausbildung verfügt der Physiker über ein außergewöhnlich gründliches Verständnis von Licht und Farbe. Er arbeitet hauptberuflich als optischer Ingenieur - ein Wissenschaftler des Lichts, der mit Holographie und optischen Systemen arbeitet. Dies war genug, bis Huang vor ungefähr 10 Jahren ein Kunstsymposium in Austin, Texas, besuchte, der Stadt, die er heute als Heimatstadt bezeichnet. Dort beobachtete er Dia-Dia populärer Kunstwerke, während in ihm die Überzeugung wuchs, dass er solche Kunst selbst schaffen und vielleicht sogar übertreffen könne. Der schlafende Künstler wurde geweckt.

Huang begann, seine eigene Kunstausbildung zu leiten und nahm an zahlreichen Workshops teil, die von Lehrern wie David Leffel, Sherrie McGraw, Gregg Kreutz, Jean Chambers und anderen geleitet wurden. Obwohl Huang in erster Linie ein Stillleben-Maler war, war er ursprünglich nicht von Stillleben als Genre angetan. Sein Gefühl war, dass ein Stillleben etwas war, das „nicht ganz tot ist; es ist immer noch Leben! “Das änderte sich, als er David Leffel traf. Leffel brachte ihm bei, den Lichtdurchgang anstelle von Porträts von Gegenständen zu malen. In den Eigenschaften und Wirkungen des Lichts fanden Technik und Malerei plötzlich Gemeinsamkeiten. Diese Idee war für Huang aufregend. Es ist seitdem eine Brücke, die seinen wissenschaftlichen Verstand mit seinem künstlerischen Herzen verbindet. Das Konzept führt ihn dazu, an der Farbtheorie zu basteln, getönte Filter an seinen Studiolampen zu befestigen und mit Aufbauten zu experimentieren, die in spektraler Reihenfolge fließen (z. B. eine Orange zwischen einem roten Apfel und einer gelbgrünen Birne).

Anstehende Workshops Qiang Huang hat die folgenden Workshops für den Rest des Jahres 2009 geplant: Heiße Kunst in einem kühlen Raum 18. bis 20. Juni Lacombe, Louisiana Ansprechpartner: Barbara Shaw, [E-Mail geschützt] Dreitägiges Stillleben Malwerkstatt 14. bis 16. August Granbury, Texas Ansprechpartnerin: Theresa Navan, Künstlerisches Retreat-Zentrum, Iron Horse Inn Früher [E-Mail geschützt] Dreitägiges Stillleben Malwerkstatt 18. bis 20. September Austin, Texas Ansprechpartner: Karen Wilkerson, [E-Mail geschützt]

Als seine Liebe zur bildenden Kunst zunahm, nahm er sich immer mehr Zeit dafür. Huangs Wochentag sieht so aus: Er arbeitet von 9 bis 5 als Physiker, und wenn er nach Hause kommt, isst er zu Abend und besucht ihn mit seiner Frau und seinem Sohn. Dann malt er von 19 bis 22 Uhr. Am nächsten Morgen fotografiert er sein Gemälde, bevor er zur Arbeit geht. Mittags lädt er das Bild auf eBay hoch und verwaltet seinen Blog, seine zahlreichen Mitgliedschaften, seine Verkäufe und die damit verbundene administrative Arbeit. Er verpackt und verschickt Bilder innerhalb weniger Tage nach dem Verkauf - sobald die Farbe trocken genug ist, um sie zu versenden.

Seine vertiefte Affäre mit der Kunst hat den Wunsch geweckt, das Gelernte zu teilen, sowohl die Geschäftsstrategie als auch seine Herangehensweise an die Malerei. Sein Beispiel lehrt, dass ein diszipliniertes Leben Sie mit der Freiheit zu schaffen belohnt und ermöglicht, dass Ihre Kreationen gesehen werden. Eine Perle der Workshop-Weisheit, die er jetzt an seine Schüler weitergibt, ist es, sich im Prozess der Kreativität zu lassen. Er rät den Schülern, dem Unterricht eines Lehrers während eines Workshops aufrichtig zu folgen, indem sie ihren eigenen Stil aufheben, sagt jedoch, dass sie nach dem Workshop keine Anhänger bleiben sollten. Zu Hause sollten die Teilnehmer nur das in ihren Stil einbeziehen, was ihre Kunst fördert.

Huangs eigener Stil ist kühn und stark. Obwohl er ein kleines Gemälde in ungefähr zwei Stunden fertigstellt, malt er nicht schnell; vielmehr malt er absichtlich. Er wird sein Motiv sorgfältig prüfen, eine genaue Farbe mischen und dann einen einzelnen Strich setzen. Wenn es ungenau ist, wird er es abkratzen, aber er wird es nicht übermalen. Auf diese Weise bleiben seine Farben kräftig und rein, und seine Pinselstriche werden in der Komposition gewinnbringend eingesetzt. Er sagt, dass das Schmieren von dünner Farbe um die Leinwand "Flecken, nicht Malen" ist.

Huang glaubt, dass es drei Ebenen der Kunst gibt: Handwerkskunst, Ästhetik und Kommunikation. In seinen Workshops versucht er, alle drei zu unterrichten, um seinen Schülern ein möglichst reiches Verhältnis zu ihrer Kunst und ihrem Publikum zu ermöglichen. Kunstfertigkeit sieht er als die Sprache, mit der der Künstler spricht, also muss sie zuerst gemeistert werden. Der Maler wird diese Sprache verwenden, um das, was er gesehen hat, ästhetisch zu interpretieren. In der Überzeugung, dass Künstler eine einzigartige Vision und Wertschätzung für Schönheit besitzen, lehrt er, dass es in ihrer Verantwortung liegt, ihre Vision auf Leinwand zu übertragen und keine wörtlichen Kopien des Gesehenen anzufertigen. Die höchste Ebene der Kunst, glaubt er, ist die Kommunikation. Wenn das Gemälde des Künstlers Ambivalenz oder Verwirrung hervorruft, hat der Aufwand seinen höchstmöglichen Zweck nicht erreicht. Wenn das Gemälde jedoch den Betrachter berühren und kommunizieren kann, hat die Arbeit Transzendenz erreicht. Als er seine PowerPoint-Präsentationen lieferte, seinen Malstil demonstrierte und seine Schützlinge beim Malen unterrichtete, traf Huang Künstler auf ihrem derzeitigen Niveau und half ihnen beim nächsten Mal.

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