Spannung Und Abstraktion Im Realismus

Catherine Murphys provokative und spannungsgeladene Graphitzeichnungen entziehen sich jeglicher Kategorie und lassen den Betrachter fragen, ob sie eng abstrahiert oder Realismus abstrahiert.

von Lisa Dinhofer

Gemähtes Feld 1985, Graphit, 14 x 17. Alle Kunstwerke dieses Artikels sind Privatsammlungen wenn nicht anders angegeben.

Ein einziger Kuchen in einem beleuchteten Ofen, ein von Katzen zerkratzter Stuhl, die Rückseite einer grob gespannten Leinwand und ein Haufen Kehrgut von einem schmutzigen Boden - das sind die ungewöhnlichen, aber doch so gewöhnlichen Bilder der außergewöhnlichen Zeichnerin und Malerin Catherine Murphy. Ungewöhnlich, weil die ausgewählten Bilder selten als Motive für große, komplexe und schön gerenderte Zeichnungen präsentiert werden. und gewöhnlich, weil sie alltägliche, gemeinsame Erfahrungen darstellen. Wer hat denn noch keinen Boden gewischt?

Catherine Murphy ist zugleich Minimalistin, Realistin, Meisterin im Stil der nördlichen Renaissance und abstrakte Künstlerin des 21. Jahrhunderts. Ist das möglich? Sind das Widersprüche? Oder verschiedene Facetten desselben Edelsteins? Nehmen wir jede Idee für sich: Murphy komponiert ihre Bilder wie eine abstrakte Malerin, betrachtet sie aus dem Leben wie eine realistische Malerin, gibt jedes Detail wieder wie ein Meister der Renaissance im Norden und behandelt ihre Oberfläche gleichermaßen - Millimeter für Millimeter - wie eine Minimalistin. "Widerspruch ist der Weg zur Harmonie", sagte Murphy kürzlich in einem Telefongespräch. Dies mag der Schlüssel sein, warum Murphys Kunstwerke die New Yorker Kunstwelt seit den frühen 1970er Jahren fasziniert und verführt haben.

Murphy wurde 1946 in Cambridge, Massachusetts, geboren und kam Mitte der 1960er Jahre nach New York, um dort zu studieren. Er absolvierte das Pratt Institute und die Skowhegan School of Painting & Sculpture. Das Timing ist hier entscheidend. Die späten 60er und frühen 70er Jahre waren eine Zeit großer Gärung in der New Yorker Kunstszene. Es war die Zeit der Abstraktion gegen die Repräsentation - nie können die beiden in Einklang gebracht werden, war der weit verbreitete kritische Gedanke. Die etablierten und anerkannten Künstler waren die Abstrakten Expressionisten. „Die Figur ist tot, also ist figuratives Malen tot!“Lautete der Schrei.

Sag niemals nie und sag niemals tot. Alice Neel, Philip Pearlstein, Alex Katz und Neil Welliver an der Ostküste - zusammen mit Wayne Thiebaud, David Park und Richard Diebenkorn im Westen - haben die Figur wiederbelebt. Repräsentative Malerei wurde überdacht. Catherine Murphy wurde zu dieser Zeit erwachsen. Ihre erste New Yorker Show fand in der kooperativen Galerie First Street statt. Sie wurde nach dieser Einführungsshow von dem bekannten Händler Xavier Fourcade schnell abgeholt und wird nun von Knoedler & Company aus New York City vertreten. Murphy erhielt zahlreiche Stipendien und Auszeichnungen von Organisationen wie der Guggenheim Foundation, der Ingram Merrill Foundation und der American Academy of Arts and Letters. Heute ist sie leitende Kritikerin an der Yale University in New Haven, Connecticut, und zeigt ihre Kunstwerke weiterhin regelmäßig. Ihre letzte Einzelausstellung mit neuen Kunstwerken war 2008 in der Knödler Galerie.

Teilt 2007, Graphit, 36 x 42 1/2. Sammlung Maxine und Stuart Frankel Foundation für Kunst Bloomfield Hills, Michigan.

Was Murphy als Künstlerin auszeichnet, ist der Bogen ihres Wachstums von ihren ersten bekannten Zeichnungen in den 70er und 80er Jahren bis zur Gegenwart. Mowed Field (1985) ist eine schöne Landschaftszeichnung ohne Vorurteile, aber sicher. Der Betrachter befindet sich in einem konventionellen Abstand von der Szene, weit genug entfernt, um diesen schönen Raum durch einen Proszeniumbogen aus Zweigen und Sonnenlicht zu betrachten. Es ist eine wunderschöne Landschaft, aber eine vorhersehbare, die wir zuvor erlebt haben. Vergleiche gemähtes Feld mit Split (2007). Wir befinden uns nicht mehr in sicherer Entfernung, sondern sind tief in eine Szene gedrängt, in der ein toter Baumstamm von Mensch und Natur gespalten wurde. Wir sehen seinen inneren Kern und fühlen die Textur seines verrottenden Holzes, wenn es zum Erdboden zurückkehrt. Jedes Korn wird gezogen, jedes Unkraut freigelegt. Die Skala hat sich auch von der kleinen und intimen Fläche (14 "x 17") des gemähten Feldes zu den großen und aggressiven Baumstämmen geändert, die auf einer Fläche von 36 "-x-42 1/2" gezeichnet sind. Murphy hat uns ihre Bilder ins Gesicht gedrückt. Wir sind eine körperlich aktive Teilnehmerin in ihrer Arbeit geworden.

Das ist radikal. Das ist gefährlich. Nur wenige Künstler fordern so viel von ihrem Publikum. In Oven Light beugen wir uns vor, um in einen offenen Ofen zu blubbern und eine Schicht Kuchen, eine Dose und alles zu sehen. Die Ecken der Zeichnung sind abgerundet, um diese erkennbare Erfahrung zu verbessern.

Murphy akzeptiert keine Abkürzungen in ihrem Rendering. In keiner ihrer Zeichnungen ist ein Leerzeichen. Es gibt keinen Ort, um zu Atem zu kommen. Wir sind gezwungen, langsamer zu werden und das alles tatsächlich zu erleben. Es ist sehr schwer, schnell an einem dieser Teile vorbeizukommen. Es braucht Zeit, sich dieses Kunstwerk anzuschauen - und viel Zeit, um es zu schaffen. Split brauchte drei Sommer an einem sonnigen Morgen, um das richtige Licht zu bekommen, so der Künstler. Die Fertigstellung von Oven Light dauerte bis zu sechs Monate, wobei der Künstler jeden Abend den Kuchen in der Dose einfrierte. Die meisten Zeichnungen von Murphy sollen fertige Stücke sein; Sie sind keine Vorspiele eines Gemäldes. Einige Zeichnungen können nach Ansicht des Künstlers mehr Zeit in Anspruch nehmen als ein Gemälde.

Viele von Murphys Zeichnungen drücken einen Moment der Zeit aus, das heißt die Zeitspanne zwischen einer Handlung und ihrer Auflösung. In der Zeichnung Spill sind wir Zeuge eines Glasbruchs, bei dem sich Milch auf einem Holztisch ausbreitet. Wir bemerken die Verschmutzung gerade, als ein wunderschönes Spiegelbild des Fensters auf die Milchlache trifft. Zufall? Kaum. Keines von Murphys Stillleben passiert einfach so.

Ofenlicht 2008, Graphit, 29, 5/8 x 37.

Die Vision mag flüchtig sein, das Rendering jedoch nicht. Der Aufbau dieses Aufbaus ist ein sorgfältig ausgearbeiteter Prozess. Wie können Sie das Bild von verschütteter Milch für Monate enthalten, während Sie darauf warten, genau das richtige Spiegelbild zu sehen? Als Antwort verschüttete Murphy weißes Gesso auf einem Holztisch und ließ es aushärten und trocknen. Das Gesso trocknete leider matt, was die falsche Oberfläche war, um das Licht einzufangen, weshalb Murphy darauf gebürstetes Acrylmedium auftrug, um dem Fleck eine glänzende, reflektierende Oberfläche zu verleihen.

Ursprünglich war laut dem Künstler das Glas in der Zeichnung ungebrochen. „Die Zeichnung hat einfach nicht funktioniert“, erzählt der Künstler. „Ich kam jeden Tag ins Studio und es hat einfach nicht funktioniert. Schließlich habe ich einen Hammer genommen und das Glas zerschlagen, und da war es. “Deshalb fühlen sich Murphys Zeichnungen sofort an. Sie überraschen uns, weil der Künstler bereit ist, ein sechsmonatiges Stück mit einem Hammerschlag zu riskieren. Jetzt hat Spill eine Story mit einer gewalttätigen Kante. Wer hat die Milch verschüttet und warum? Wer hat das Glas zerbrochen und wie? Wer räumt an so einem schönen sonnigen Tag auf?

Alle aktuellen Zeichnungen von Murphy sind schwarz-weiß und vollständig tonal. Dies sind zwei verschiedene Möglichkeiten. Eine Tonzeichnung ist eine Zeichnung, bei der die Oberfläche im Laufe der Zeit aufgebaut wird und die Linien, die die Kanten der Objekte vom Boden trennen, verwischt. "Für eine Zeichnung, die Monate dauern kann, verbringe ich ungefähr eine Stunde in der Anfangszeile", erklärt Murphy. Eine Möglichkeit, die Technik eines Künstlers zu studieren, besteht darin, nach Bereichen zu suchen, die möglicherweise nicht vollständig sind. In diesen Bereichen können wir die Hand des Künstlers beobachten. In Murphys Fall ist der beste Blickwinkel der Rand des Bildes, an dem die Trennlinie zwischen weißem Papier und Graphit verläuft. Normalerweise wird dieser Bereich von der Matte in einem Rahmen abgedeckt. Bei genauer Betrachtung zeigt sich in den Regalen des Studios eine stark aufgebaute Graphitoberfläche auf schwerem Papier. Murphy verwendet Arches-Papier von einer Rolle, normalerweise £ 140, und 5B Prismacolor Turquoise Graphitstifte, die an einer Nadelspitze angespitzt sind. Sie baut die Graphitoberfläche auf, indem sie in die Dunkelheit hineinarbeitet und das Weiß des Papiers als hellstes Highlight hinterlässt. Zuweilen arbeitet der Künstler von links nach rechts, überlagert die Zeichnung schrittweise mit Graphit und reduziert sie mit Radiergummis, bis der richtige Effekt erzielt wird. Das Arbeiten von einer Papierrolle anstelle einzelner Blätter ermöglicht es der Künstlerin, die Größe und Form ihrer Bildebene zu wählen. Beispiel: Studio-Regale sind 29 ½ "x 36 3/4" groß, Split ist 36 "x 42 1/2" groß und Swept Up ist 25 5/8 "x 33 1/2" groß.

Studio-Regale 2008, Graphit, 29 1/2 x 36 3/4.

Die Wahl von Schwarz und Weiß ist bedeutend. Ein Teil des emotionalen Erlebens der Beobachtung wird durch das Entfernen von Farbe weggenommen. Diese Zeichnungen werden in ihrer Präsentation journalistisch. Der Fokus liegt auf den Objekten, den Beziehungen zwischen den Objekten und dem Licht, das auf sie fällt. Interessanterweise muss der Künstler mit Farbreaktionen vertraut sein, um ein glaubwürdiges Wertobjekt zu schaffen. Jedes Grau zeigt eine andere Farbe - in Yellow Beads unterscheidet sich das Grau einer gelben Perle vollständig von der Fleischfarbe des Halses der Dargestellten oder dem Grün ihrer Bluse. Das Drama ist ein weiteres Element einer Schwarz-Weiß-Zeichnung mit einem breiten Wertebereich. Die Erzählung des Bildes wird wie in Scratches zum Schlüssel. Hier ist die Geschichte einer unsichtbaren Katze, eines Familienstuhls und ihrer Zerstörung.

Einen Künstler nach den Künstlern zu fragen, die er oder sie am meisten bewundert, ist eine heikle Angelegenheit, vor allem, weil sich Geschmack und Meinung so häufig ändern. Die heutigen Einflüsse werden sich wahrscheinlich am Morgen ändern. Also was - wir fragen trotzdem. Murphys Antwort auf diese Frage war interessant. Die minimalistischen Maler Robert Mangold und Ellsworth Kelly sind wichtige Einflüsse. In der minimalistischen Malerei und Zeichnung spielt die Idee eine Schlüsselrolle, und der Stil spielt keine Rolle, weil sich auf der Oberfläche, wenn überhaupt, nur sehr wenig befindet. Was die Minimalisten interessiert, ist die Geometrie der Bildebene. Catherine Murphy liebt Geometrie - so komponiert sie ihre Seite. Zum Beispiel zeigt Swept Up ein Schuttoval mit Spuren vom Besen, die auf dieses Oval zeigen. Murphy behandelt ihre Oberfläche gleichmäßig von links nach rechts, und ohne Fokusänderung kann dies die Bildebene abflachen, wie bei einigen minimalistischen Kunstwerken. Aber hier hört der Einfluss auf. Für manche ist Minimalismus ein Ende. Für Murphy ist es nur der Anfang.

Verschütten 2007, Graphit, 28 x 40.

Murphys wahre Leidenschaft liegt in der Beobachtung - dem, was sie sieht, treu zu sein. Der physischen Vision treu zu bleiben, bringt eine ganze Reihe neuer Elemente auf die Seite, nicht zuletzt die psychologischen und physischen Dimensionen des Subjekts. Zum Beispiel ist Eileen's Back eine geometrische Untersuchung des Rückens einer Frau. Ja, aber man kann die Tatsache nicht abstreiten, dass es sich um einen sehr sommersprossigen Rücken einer Frau mittleren Alters handelt. Die Komposition wurde am Hals abgeschnitten, um die Aufmerksamkeit auf die Schulterblätter zwischen ihren BH-Trägern zu lenken. Wir berühren ihre Haut mit unseren Augen. In Swept Up haben wir eine Mausperspektive auf einen Staubhaufen. Kurz gesagt, die Minimalisten stoßen uns weg, aber Murphy bringt uns nah und persönlich. Manchmal zu nah und zu persönlich? Sicher zeigt sie uns die übersehenen Ecken unseres Lebens. Es gibt Poesie in diesen Ecken und Musik. Aber keine Romantik - Murphys Kunst ist die Kunst des Realen und Unlackierten.