Der Michiganer Künstler Jim Johnson gibt wertvolle Hinweise für eine erfolgreiche Aquarellmalerei im Freien.
von Collin Fry
| SS Kewatin
2000, Aquarell, 9 x 12. Alle Artwork dieser Artikelsammlung der Künstler, sofern nicht anders angegeben. |
Jim Johnson liebt es, im Freien zu malen. "Es gibt eine solche Schönheit in den zufälligen Mischungen von Licht, Farbe, Textur und Muster in der Natur zu sehen", sagt er. „Aquarell ist für mich das perfekte Medium, um diese Wunder zu erforschen. Beobachten, malen und Spaß haben ist meine Philosophie, bei jedem Wetter. Ich habe manchmal das Gefühl, dass ich überhaupt keine Dinge male, sondern die Farben und Qualitäten des sich ändernden Lichts, wenn es verschiedene natürliche und künstliche Motive berührt. “
Das Studium des Lichts und seiner Wirkungen hat eine lange Geschichte mit Malern, insbesondere den französischen und amerikanischen Impressionisten. Jeder Künstler stößt beim Malen unter freiem Himmel auf Probleme mit dem sich ständig ändernden Licht. Johnson hat sich während seiner langen Karriere als Illustrator und Aquarellist mit dem Thema befasst und zeigt in seinen Gemälden einen meisterhaften Umgang mit Lichteffekten und Wert. Die Betrachter bemerken oft, dass seine Aquarellbilder „funkeln“. Dies ist ein Effekt, den er durch seine Praxis erzielt, weiße Papierfetzen zwischen großen und kleinen Farbflächen zu hinterlassen. Die ausgeprägte Verarbeitung und die klaren Wertkontraste erzeugen einen frischen Effekt, der tatsächlich zu funkeln scheint. Um den Gesamteindruck seiner Bilder abzurunden, variiert Johnson die Größe und Richtung seiner Pinselstriche und verleiht seinem Kunstwerk Textur und einen impressionistischen Look.
„Für mich zeichnet ein Plein-Air-Gemälde ein Ereignis, eine geschätzte Erinnerung und einen bestimmten Moment in der Zeit mit seinem einzigartigen Licht, seiner einzigartigen Stimmung und Farbe auf“, sagt er. „Um dies zu erreichen, versuche ich immer, meinen ersten Eindruck von einer Szene festzuhalten. Diese ersten Striche können der aufregendste Teil des Malprozesses sein, und mein Ziel ist es, diese Aufregung im fertigen Stück deutlich sichtbar zu machen. “Das Malen einer detaillierten, fotografischen Wiedergabe eines Motivs ist für Johnson nicht wichtig. Vielmehr ist er der Ansicht, dass kreativ zu sein - eine Szene mit persönlichem Blick und Stil frei zu interpretieren - das Ziel der Malerei im Freien sein sollte. "Man sollte nicht zu sicher oder vorhersehbar sein oder zögern, zu übertreiben, was man sieht", fordert er. "Sei spontan. Jedes Bild sollte ein Abenteuer sein. “
Meistens verwendet Johnson eine primäre Dreifarbenpalette. Alizarin Crimson, Cadmium Yellow Light und Cobalt Blue sind seine Lieblingsfarben. Diese Grundfarben können gemischt werden, um nahezu jeden gewünschten Farbton zu erzielen, sei es warm oder kalt. Bei Bedarf fügt er gelegentlich weitere Farben hinzu.
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| Der alte Chris-Craft
2008, Aquarell, 8 x 11. |
Der Künstler beschränkt seine Kompositionen auf die Hauptelemente einer Szene, wobei er zuweilen bestimmte Bereiche hervorhebt und dabei weniger wichtige Details auslässt. Aus seiner langjährigen Erfahrung heraus hat Johnson drei vorbereitende Schritte für ein erfolgreiches Malen im Freien entwickelt. Zunächst erstellt er Werteskizzen, um das Hell-Dunkel-Muster festzulegen und die Grundformen der Szene zu untersuchen. Als nächstes entwickelt er die Formen zu Mustern, die eine solide Komposition erzeugen. Anschließend führt er eine Farbstudie durch und achtet dabei genau auf die Farbtemperatur.
Sobald der Künstler diese einfachen, aber wichtigen Schritte ausgeführt hat, kann er mit dem Malen beginnen. Johnson verwendet normalerweise Papier der Strathmore 400-Serie, das gerade genug Zähne für seinen Malstil hat. Er experimentiert weiterhin mit anderen Papieren, kehrt aber immer wieder zum Strathmore zurück. "Es hält die Farbe länger und gibt mir Zeit, die nassen Pigmente zu bearbeiten, ohne das Papier zu verschmutzen", sagt Johnson. Der Künstler bevorzugt moderne Synthetikpinsel, da er der Ansicht ist, dass sie ihre ursprüngliche Form besser behalten als herkömmliche Marderpinsel. Er verwendet in der Regel nur die besten Tubenaquarelle, da sie sehr farbintensiv sind, aber Johnson experimentiert manchmal mit Farben für Studenten.
Mit vorläufigen Skizzen beginnt er, indem er an äquidistanten Stellen seines mit Porzellan überzogenen Fleischtabletts Tupfer aus Alizarin-Purpur, Kobaltblau und Cadmiumgelb ausdrückt. In der Mitte des Tabletts macht Johnson eine Pfütze aus klarem Wasser und erzeugt mit seinem Pinsel einen „Fluss“aus Wasser, der die Pfütze mit dem roten Tupfer verbindet. Dann macht er zwei weitere Flüsse, die die blauen und gelben Tupfer mit der Pfütze verbinden. Die Farben dürfen wirbeln und zufällig zusammenlaufen. Er mischt dann dunklere Versionen der Mischungen. "In diesem aufregenden Moment weiß man, ob er oder sie dazu bestimmt ist, Aquarellmaler zu werden", sagt er. „Da sich auf dem Tablett eine unendliche Vielfalt an Farbmöglichkeiten bildet, bin ich bereit zu malen.“
Als letzten Vorschlag empfiehlt Johnson die sorgfältige Verwendung einer Kombination aus harten und weichen Kanten. Dadurch wird verhindert, dass die verschiedenen Formen zu scharf werden und auf einem Hintergrund ausgeschnitten und eingefügt werden. Weiche Kanten verbinden eine große Form mit einem Hintergrund und lassen ihn zurück. Kanten - hart und weich, verloren und gefunden - können die Augenbewegung des Betrachters steuern und einem Gemälde ein Gefühl von Geheimnis und Stimmung verleihen.
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| South Haven Skiff
2000, Aquarell, 11 x 14. |
Drei vorbereitende Schritte für einen guten Start eines Gemäldes
1. Analysieren Sie zuerst die Werte
Beim Malen im Freien spielt Zeit eine entscheidende Rolle. Das Licht ändert sich ständig, daher ist es wichtig, die Lichtquelle schnell zu identifizieren, Schatten zu analysieren und ein Wertemuster zu erstellen. Dies wird die Grundstruktur des Stückes. Formen und Werte sind die wichtigsten Elemente eines Gemäldes.
Übersetzen Sie die Objekte, die Sie sehen, in Hauptbereiche mit drei Grauwerten - hell, mittel und dunkel. Das Schielen hilft, Formen zu vereinfachen und überflüssige Details zu beseitigen, und ermöglicht Ihnen, die Szene zu visualisieren, die auf einfache Muster von Formen in diesen drei Werten reduziert ist. Führen Sie eine Kleinwertstudie durch und verwenden Sie das Weiß des Papiers, um einen vierten Wert darzustellen, falls gewünscht.
2. Entwickeln Sie Formmuster zu einer Komposition
Verbinden Sie die verschiedenen Formen zu einfachen und komplexen Mustern. Wählen Sie ein Interessenzentrum. Führen Sie dann den Blick des Betrachters wie gewünscht durch das Bild, indem Sie Formen gruppieren. Denken Sie daran, dass eine Vielzahl von Formen einer Komposition Interesse und Ausgewogenheit verleiht. Haben Sie keine Angst, Gegenstände oder Details zu verändern oder zu beseitigen.
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| Wasserfestival
2007, Aquarell, 12 x 16. Privatsammlung. |
3. Erstellen Sie einen Farbplan
Eine kleine Farbstudie kann besonders bei komplexen Motiven sehr hilfreich sein. Weisen Sie dem Muster der Formen Farben zu, und beachten Sie dabei die von Ihnen festgelegte Wertestruktur. Die Farbauswahl kann der Szene entsprechen oder freier und kreativer interpretiert werden. Beachten Sie den Effekt, den warme und kühle Farben aufeinander haben. Denken Sie daran, dass warme Farben dazu neigen, nach vorne zu kommen, während kühle Farben nachlassen. Außerdem erzeugt warmes Licht kühle Schatten. Kaltes Licht kann zu warmen Schatten führen.
