Stillleben mit neun Birnen (Aquarell, 27 × 38)
Gnott teilt ihre Arbeit in drei Bereiche auf: formale Stillleben mit vielen Spitzen und Vasen; Küchenstillleben mit Antiquitäten, Ballgläsern und Waagen; und Blumenstillleben, besonders Pfingstrosen. Ihre Motive findet sie bei Immobilienverkäufen, Antiquitätengeschäften und in ihrem bevorzugten botanischen Garten. Sie fotografiert Früchte und Blumen und greift zu Gegenständen, die ihren Gemälden komplizierte Details verleihen. „Meine Lieblingsfächer sind wahrscheinlich alte Emailtöpfe, Spitzen und Birnen“, sagt sie. „Ich finde, je mehr Details Sie aus einem Motiv herausholen können, desto realistischer wirken Ihre Bilder. Wenn ich Emailwaren male, werden meine Bilder umso realistischer, je mehr Kerben und Kratzer die Stücke aufweisen. Spitze ist sehr kompliziert und ich liebe Birnen, weil jeder eine Persönlichkeit hat. “
Weil ihre Bilder so lange dauern, malt Gnott nur in ihrem Atelier, wo sie die Beleuchtung steuern und Stillleben aufbauen kann. In ihrem Prozess gebe es keine Flexibilität - alles müsse von Anfang an gut geplant sein. „Die Leute denken, Sie schaffen das aus Ihrem Kopf heraus, aber mit dieser Art von Malerei können Sie nicht einfach frei sein“, erklärt Gnott. "Sie müssen bestimmte Schritte auf eine bestimmte Weise ausführen."
Für sie bedeutet das, mit einer sehr engen Zeichnung auf Arches 140-lb zu beginnen. kaltgepresstes Aquarellpapier, auf ½ Zoll versiegeltem Sperrholz oder Gatorboard gespannt. Für so viele Schichten, wie sie anzieht, sagt Gnott, das 140 Pfund. Papier trocknet trommelfest und kann mehrfach überstrichen werden. Anschließend erstellt sie eine sehr detaillierte Zeichnung, überträgt sie mit Graphitpapier auf Aquarellpapier und maskiert die Vordergrundobjekte mit Winsor & Newton Masking Fluid. Dann ist es Zeit, den Hintergrund anzugehen.
Gnott liebt das Drama, deshalb haben ihre Bilder immer helle Objekte, die direkt aus ihren dunklen Hintergründen herausragen. Um diese Wirkung zu erzielen, arbeitet sie von der hellsten bis zur dunkelsten Farbe. Sie malt zuerst den Hintergrund und das Tuch und baut Schichten auf, bis sie eine satte Farbe erreicht. Dann entfernt sie die Maskierungsflüssigkeit von den Vordergrundobjekten und malt sie, wobei sie mit leichten Glasuren beginnt und sich zu kräftigeren Farben aufbaut, so dass die Farbe zwischen den einzelnen Aufträgen trocknen kann. Diese Lasurtechnik ermöglicht es ihr, einen realistischen, dreidimensionalen Effekt zu erzielen. Sie beginnt jedes Bild mit großen Pinseln und losen Strichen und arbeitet dann mit kleineren Pinseln, während ihr Stück enger wird. Dabei verwendet sie die Pinsel Nr. 00 für die feinsten Details. Wenn das Gemälde fast fertig ist, fügt sie die Highlights hinzu. "Dieser kleine Hauch von Weiß lässt das Glas wirklich funkeln", sagt Gnott.
1. Das Stück vorbereiten
Ich achte sehr darauf, die Oberfläche meines Aquarellpapiers nicht zu beschädigen, daher werden alle meine Zeichnungen auf einem separaten Blatt Papier fertiggestellt. Unter Verwendung von Graphitpapier übertrug ich meine Zeichnung auf gestreckt, 140 Pfund. Wölbt kaltgepresstes Aquarellpapier und besprüht es anschließend mit einem Fixiermittel, damit meine Zeichnung beim späteren Entfernen der Maskierungsflüssigkeit nicht angehoben wird.
2. Glasur bekommen
Zu diesem Zeitpunkt habe ich Winsor & Newton Masking Fluid auf alle Objekte und Musterelemente auf der Tapete aufgetragen. Nachdem die Maskierungsflüssigkeit getrocknet war, fing ich an, Farbe einzutragen. Ich entschied mich für meine Farbpalette, bevor ich anfing, die Farben zu mischen, und trug Farbfelder auf ein Quadrat Aquarellpapier auf, falls ich später mehr mischen musste. Dann fing ich an, mich mit Seehechtbürsten in den Hintergrund zu legen. Es kann zwischen 6 und 10 dünne Farbglasuren erfordern, um das gewünschte Aussehen zu erzielen. Ich habe jeden Farbauftrag mit einem Fön getrocknet, bevor ich die nächste Schicht aufgetragen habe. Da das Papier gestreckt ist, zieht es sich beim Trocknen wieder zusammen. Wenn ich nach mehreren Schichten Probleme mit dem Aufheben der Farbe habe, lasse ich das Stück über Nacht trocknen. Am Morgen kann ich die letzte Glasur erfolgreich ablegen.
3. Schatten der Farbe
Als nächstes habe ich Waschungen auf der Tischplatte erstellt. Nachdem ich die erste Serie von Lasuren aufgetragen hatte, akzeptierte die Oberfläche subtilere Manipulationen, und so arbeitete ich nass in nass, um die dunkleren Bereiche zu definieren. Einige Schlagschatten spiegeln die Farbe des nächsten Objekts wider. In diesen Fällen habe ich dem Schattenbereich eine subtile Menge dieser Farbe hinzugefügt. Nachdem alle Schatten und geworfenen Schatten vorhanden waren, beendete ich die Tischplatte, indem ich die Holzmaserung hinzufügte. Dies geschah auf trockenem Papier mit mehr Pigment als Wasser im Pinsel.
4. Reinigen und abtrocknen
Meine allgemeine Technik besteht darin, alles langsam mit dünnen Farbglasuren aufzubauen. Ich verbringe viel Zeit damit, meine Arbeit zu trocknen. Jede Schicht muss gründlich trocknen, damit die Oberfläche wieder straff ist, bevor ich mehr Farbe auftrage. Nachdem alles vollständig trocken ist, entferne ich die Maskierungsflüssigkeit. Da ich die Flüssigkeit ziemlich dick auftrage, muss einiges aufgeräumt werden. Es dauert sehr lange, aber es ist die einzige Möglichkeit, Hintergrundwaschmittel gleichmäßig aufzutragen, ohne alle Objekte zu übermalen.
5. Konsequent bleiben
Ich wollte alle Birnen gleichzeitig machen, um ein ausgewogenes Aussehen in meinem Bild zu erzielen. Zuerst habe ich die anfänglichen Farbglasuren aufgetragen - ungefähr drei oder vier Schichten -, dann habe ich angefangen, all die kleinen Sprenkel und gelegentlichen Kratzer aufzutragen, die aus einer Birne eine Birne machen. Je mehr Details Sie auf Ihr Bild anwenden können, desto realistischer wird es.
6. Die Kunst der feinen Details
Eine der Hauptfragen, die ich von Leuten bekomme, die meine Bilder betrachten, lautet: „Wie lässt man das Glas wie Glas aussehen?“Der kleine Trick, den ich benutze, besteht darin, dem fertigen Aquarell Dr. Ph. Martins blutdichtes Weiß hinzuzufügen. Ich trage es mit einem kleinen Rundpinsel und einem Wattestäbchen auf. Vergleichen Sie die Ballgläser im letzten Schritt mit den Ballgläsern in diesem Schritt. Sehen Sie, wie flach und uninteressant sie erscheinen, bevor das Weiß weitergeht? Ich begann die Zuckertüte, indem ich die Schatten hinzufügte, um alle Falten und Fältchen zu erzeugen. Dann habe ich die Gelbtöne aufgetragen und sie auf der Vorderseite der Tasche sehr hell und intensiver gehalten, da die Farbe an den Seiten herum folgte. Aus Gründen der Kontinuität in meinem Bild habe ich die dunkelblaue Beschriftung des Domino-Zuckersacks mit einer künstlerischen Lizenz in Schwarz geändert.
7. Pop machen
Der Emailletopf war wahrscheinlich das schwierigste Objekt, das ich in diesem Stillleben malen konnte. Es gab eine weite Fläche weißen Papiers, auf der die Unterlegscheiben sehr gleichmäßig aufgetragen werden mussten, um für sich allein zu stehen. Außerdem gibt es sehr weiche Schatten auf dem Deckel, die dazu beitragen, dass er wie eine glänzende Oberfläche aussieht. Das kann schwierig sein. (Vielleicht habe ich deshalb zuletzt darauf gewartet.) Ich habe die Schatten aufgetragen, sie getrocknet und dann mit klarem Wasser gewaschen, um sie zu erweichen. Als nächstes habe ich den roten Rand und das weiße Funkeln auf die Ränder des Deckels und auf die Griffe aufgetragen. Dann ist das Ganze wirklich von der Seite gefallen. Das Ergebnis ist Stillleben mit neun Birnen (Aquarell, 27 × 38).
Jacqueline Gnott lebt mit ihren beiden deutschen Hirten Thorn und Brier in South Bend, Indiana. Sie hat einen Bachelor of Fine Arts von der Indiana University und wurde in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in den USA gezeigt. Um mehr von ihrer Arbeit zu sehen oder mehr über ihre Workshops zu erfahren, besuchen Sie Gnotts Website unter www.jacquelinegnott.com.
Schauen Sie sich hier eine weitere großartige Ressource zum Thema Aquarell-Realismus an.
Lesen Sie den Rest von „Her Best Painting Yet“in der Mai-Ausgabe 2006 des Artist's Magazine.
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