Dieser Artikel über die Stillleben-Künstlerin Harriet Shorr von Rick Stull erschien ursprünglich in der Januar / Februar 2011-Ausgabe des Artist's Magazine.
Die Stilllebenkünstlerin Harriet Shorr hat beredt über ihre Bilder geschrieben und gesprochen und sich dabei mit den knorrigen Fragen von Form, Inhalt und Bedeutung befasst - Fragen, die oft so viele Fragen aufwerfen, wie sie bei solchen Diskussionen beleuchtet werden. Solche Diskussionen lösen auch nicht das Rätsel der Arbeit eines Künstlers. Die Fähigkeit eines Kunstwerks, sich nach einer solchen Prüfung wieder zu erholen und unendliches Vergnügen zu bereiten, muss sicherlich eine seiner bedeutenden und geschätzten Eigenschaften sein. Gleiches gilt für die Erörterung der eher praktischen Verfahrens- und Technikfragen. Wenn alles gesagt und getan ist, wenn ein Gemälde analysiert und in gewisser Weise dekonstruiert wurde, sollte seine Fähigkeit zur Freude erhalten bleiben. Dies ist der Fall bei Shorrs Kunst.
In meinem letzten Gespräch mit Harriet Shorr haben wir uns auf die praktischen Fragen konzentriert - wie sie tatsächlich ihre Stilllebenbilder vorbereitet und anfertigt. Wir schwatzten über Leinwand, Pinsel, Keilrahmen, Malermarken und Gesso. Und natürlich haben wir über die seltsamen und unterschiedlichen Objekte gesprochen, die in ihren Gemälden zu finden sind.
„Die Objekte, die ich anfangs für ein Gemälde auswähle, müssen nicht unbedingt mit dem übereinstimmen, was ich gerade denke und fühle“, sagt Shorr. Tatsächlich versucht sie bewusst, nicht nach Objekten mit einer bestimmten Agenda zu suchen. Sie stellt auch nicht in Frage, warum sie "klicken". „Ich finde viele Gegenstände auf Flohmärkten und beim Gehen durch die Straßen von New York“, sagt Shorr.
In diesem ungezwungenen, aber dennoch aufmerksamen Modus wählt Shorr eine Leinwand, Größe und Ausrichtung, die von ihrer Anordnung der Objekte abhängt. Sie verwendet gestreckte Leinwände, die normalerweise mit einer einzigen Schicht Glanzmittel bedeckt sind, gefolgt von zwei Schichten Gips. Sie bevorzugt Leinwand gegenüber Leinen, weil „Leinen teuer ist und sich schwerer perfekt dehnen lässt“.
Man könnte meinen, dass ein gewisses Maß an Zeichnen oder Skizzieren der nächste Schritt wäre, aber das ist nicht so. Shorr macht keine vorläufige Zeichnung für ihre Stillleben-Arbeiten: "Viele Leute denken", sagt sie, "dass es eine notwendige Verbindung zwischen Zeichnen und Malen gibt, das heißt, man muss etwas verstehen, indem man es zeichnet, bevor man es malen kann. Das glaube ich nicht. “
Natürlich ist das nicht die ganze Geschichte. Mit Borstenpinseln für die größeren Farbflächen und langhaarigen Marderpinseln für die genauere Modellierung erstellt sie die verschiedenen Formen, ihre Schatten und die Zwischenräume zwischen den Formen, während sie malt, wobei die Fluidität des Gemäldes erhalten bleibt. Shorr entwickelte diese Fluidität und die Praxis des Nass-in-Nass-Malens, nachdem er in den 1960er Jahren an der Yale School of Art and Architecture bei Alex Katz studiert hatte.
Harriet Shorr nimmt beim Thema Farbe Adamantin auf. "Sie müssen mit Ihren Materialien extravagant sein." Und sie ist. Mit Old Holland-Ölen mischt sie ihre Farben speziell für ein Gemälde und behält keine Farbe von einem Stück für die Arbeit am nächsten.
"Ich leite meine Farben aus meinen Wahrnehmungen ab", sagt Shorr. Sie fügt hinzu: „Ich habe kein wirkliches Interesse an der Farbbalance. Ich male nur die Farbe, die ich sehe. Wenn es sich verschiebt, verschiebe ich mich mit. “Sie verwendet für jede Farbe und für jede Abstufung innerhalb einer bestimmten Farbe einen anderen Pinsel.
Shorr beginnt normalerweise um 9 oder 10 Uhr morgens zu arbeiten und hört normalerweise um 3 Uhr nachmittags auf. Dies entspricht sicherlich einem Künstler, der sich so genau mit den Wirkungen des Lichts befasst. Sie ist schließlich die Person, die, während sie beschrieb, wie sie ein Stillleben vollendete, einmal sagte: „Während ich an dem Gemälde arbeitete, würde ich warten, bis der Lichtstrahl an der gleichen Stelle fiel, um die bestimmten Passagen zu malen, die von beeinflusst wurden dieses Licht. Ich habe jeden Tag die gleichen Teile des Gemäldes zur gleichen Zeit gemalt. “
Sie malt, was sie sieht: Gegenstände, Stoffe, Berge, die durch die Fenster ihres Studios in Vermont zu sehen sind, Gebäudefassaden, die durch die Fenster ihres SoHo-Lofts zu sehen sind. Dies mag für eine Künstlerin, die Barnett Newman zu ihren Haupteinflüssen zählt, seltsam erscheinen. Weniger bizarr wird es jedoch, wenn man die strukturelle Frontalität und das Flüstern der Farbfeldabstraktion in ihren Gemälden betrachtet.
Was man bemerkt, wenn man ein Shorr-Stillleben-Gemälde wie "Objects of Use to Me" (siehe oben) anschaut - die abstrakten Merkmale, die bereits erwähnt wurden -, ist die Sorgfalt und Aufmerksamkeit, die sie darauf verwendet, dass jeder Quadratzentimeter der Leinwand die gleiche Bedeutung hat. Kein Gegenstand, kein Stoffabschnitt oder keine Landschaft zieht das Auge an. Der Betrachter starrt fest auf das Ganze, wie man es tun könnte, wenn er in einen sonnenbeschienenen Waldabschnitt oder über einen Wüstenabschnitt starrt. Oder das Auge kann über die Oberfläche wandern und sich über das Nebeneinander satter Farben, die formgebende Beleuchtung des Lichts, die unterschiedlichen Farbtöne und die dunklen Schatten von Shorrs Welten freuen. Es ist eine hohe Form des Vergnügens, die den Titel des Gemäldes vom Utilitären zum Erhabenen verschiebt.
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