Dieser Sonderartikel über Julio Reyes und seine Porträts und Figuren aus der bildenden Kunst erschien erstmals in der Mai 2011-Ausgabe des Artist's Magazine.
Der südkalifornische Künstler Julio Reyes war einst ein Konkurrent einer anderen Art. Seine Talente als Fußballspieler an der High School hatten Rekrutierer dazu gebracht, mit Stipendienangeboten anzurufen. Reyes hatte an Meisterschaftsspielen auf der ganzen Welt teilgenommen, aber auf einer Teamreise nach Frankreich, als er unter seinen Teamkollegen in den Galerien des Louvre stand, hatte Reyes eine Offenbarung. "Als ich mich umsah, war ich überwältigt von diesem enormen Gefühl der Sehnsucht", sagt Reyes. „Es fühlte sich so an, als wäre ich der einzige, der weiß, dass wir von Pracht umgeben sind.“In derselben Nacht ging er zu seinem Skizzenbuch und zog alles auf, woran er sich erinnern konnte. Die Intensität, die er für Fußball reserviert hatte, wurde schnell auf seine neue Berufung umgeleitet.
Rückblickend bereut Reyes diese Entscheidung nicht, eine vielversprechende sportliche Karriere hinter sich zu lassen. Sport zu treiben wäre ein kurzlebiger Beruf gewesen, aber Kunst zu machen ist etwas, das er ein Leben lang tun kann und das ihm ein Gefühl von Katharsis und Ruhe verleiht. Das Malen von Porträts und Figuren aus der bildenden Kunst ist für ihn vergleichbar mit dem Herstellen von Gedichten. „Ich werde einen Blitz bekommen oder ein Detail bemerken - wie der Wind jemandes Haare fängt oder wie Licht auf eine Cordjacke fällt. Dann bin ich süchtig “, sagt er. „Eine starke Arbeit ist die Frucht kraftvoller Erfahrung und tiefer Eindrücke. Jede Erinnerung, jedes Geräusch und jeder Geruch schreibt sich ins Herz. “
Reyes beschreibt seine fertigen Arbeiten als "Durcheinander" oder "Versöhnung" vieler Zeichnungen und Gemälde. Manchmal wechselt er die Medien, während er die Vorteile des einen gegenüber dem anderen für ein bestimmtes Werk untersucht. Er liebt die sofortige Qualität des Aquarells. Öl bietet mehr Gewicht und eine Vielzahl von Texturen und Oberflächen. Wenn er mit dem Zeichnen beginnt, wird ein Großteil des schweren Hebens mit dem Druckbleistift und viel Zurückhaltung ausgeführt, da er sich nicht aufgeregt mit auffälligen Flecken einspringen lässt, anstatt geduldig durch den Überlagerungsprozess zu arbeiten.
Viele von Reyes 'Werken vermitteln das Gefühl der Sehnsucht, das er im Louvre empfand. Seine Frau Candice Bohannon, ebenfalls Künstlerin, fungiert als Vorbild, oft als einsame Figur vor trostlosem Hintergrund. "Umgebungen sind nicht da, um den Raum auszufüllen", sagt er. Sie sind schwanger mit Sinn. Sie haben so viel, wenn nicht sogar mehr Potenzial, als Figur zu kommunizieren. “Die weiten, trostlosen Grisaille-Landschaften erinnern an Weltschmerz oder Weltmüdigkeit. Abgesehen von Industrieresten weitgehend leer, dokumentieren die Gemälde die Tendenz der Menschheit, zu bauen und aufzugeben.
"In unserer Zeit gibt es eine versteckte Melancholie - in gewisser Weise verbunden mit dem kulturellen Vakuum, das im Zuge des postmodernen Ethos entstanden ist", sagt er. „Wir leben in einer Art neuer Grenze, in der alle alten Wahrheiten abgerissen und keine ersetzt wurden. Das ist einer der Gründe, warum ich solche Dinge wie elektrische Türme, Stromleitungen und trockene Landschaften so darstelle, wie ich es tue - um einen sehr privaten Moment der Unermesslichkeit einer müden Welt gegenüberzustellen. “In der Traurigkeit steckt jedoch eine Schönheit, die Reyes will vermitteln, was dem Leben erhabene Momente verleiht.
Ein ansprechendes und wirkungsvolles Merkmal von Reyes 'Gemälden ist die subtile Verwendung von Farben in überwiegend monochromen Kunstwerken. „Ich halte mich von drastischen Farbmischungen fern“, erklärt er. Fettgedruckte Farben können den Betrachter von einer bestimmten Erfahrung ablenken, und Reyes ist nicht derjenige, der den Betrachter über den Kopf hämmert.
Aber es gibt noch einen anderen Grund für die gedämpfte Farbpalette. In der Grundschule stellte Reyes während einer Reihe von Routinetests fest, dass er teilweise farbenblind war. Er findet es schwierig, zwischen Rot und Grün sowie Blau und Lila zu unterscheiden. "Phthalo Greens und Blues sind hart für jemanden wie mich", sagt er. Während Farbe möglicherweise nicht seine Stärke ist, sind Wert und Temperatur.
Wie kommt er trotz dieser ausgleichenden Kraft mit einer solchen Herausforderung zurecht? Mit viel Recherche - und Vertrauen in andere Augen, einschließlich der seiner Frau. Reyes weist auf die Ironie ihres starken Farbsinns und seiner Farbschwäche hin. Es gab Zeiten, in denen er ein Porträt fertiggestellt hat, nur um gebrochen zu sein, als er erfuhr, dass er ein Gesicht grün gemalt hatte. Reyes gab nicht so leicht auf, sondern kratzte die Farbe einfach weg und fing von vorne an.
Zur Vorbereitung seiner Medien lässt Reyes Leinöl und Walnussöl im Sonnenlicht, manchmal bis zu einem Jahr, eindicken, sodass sie auf der Leinwand „griffiger“werden. Er entdeckte diesen Do-it-yourself-Ansatz für die Herstellung von Ölen mit Wärme durch die Buchreihe Art in the Making, die von der National Gallery of Art, London, herausgegeben wurde. Er baut auch seine eigenen Staffeleien und bringt die Paneele und Keilrahmen von Hand an. (Klicken Sie hier, um die schrittweise Demonstration von Reyes zu sehen: So bereiten Sie Ihre Leinwand vor.)
Während seine Ausbildung akademisch ist und er bestimmte historische Techniken anwendet, lehnt Reyes Gemälde ab, die den alten Meistern zum Verhängnis werden. Er hat das Gefühl, dass ein Maler ohne Rücksicht auf seine eigene Erfahrung wirklich mit einem betroffenen Akzent spricht - einer „geliehenen visuellen Sprache“. Er erklärt: „Wenn Ihre Erfahrung eine tiefe war, wird eine neue Sprache daraus geboren.“
Der obige Teil des Artikels stammt von Lisa Wurster. Es folgt eine kurze Porträtdemonstration von Julio Reyes.
Die Entstehung eines Imperiums
1. Vor dem Malen von Empire habe ich eine 9 × 12-Studie für Holzkohle erstellt (siehe oben). Charcoal ermöglichte es mir, die Grundformen heller und dunkler Massen kühn und schnell zu beschreiben - formale Eigenschaften, die ich in der Hitze der Dinge am meisten schätze, wenn die Idee zuschlägt und ich versuche, sie niederzuschlagen. Ich war beeindruckt von der weißen Form der Jacke und der dunklen Masse der Türme und Stromleitungen sowie von der Komplexität des Musters, das die dunkle Masse am Horizont abgab. Mit Holzkohle konnte ich diese wichtige Gegenüberstellung sowohl konzeptionell als auch bildlich darstellen.
Die Untermalung (oben) von Empire ist das, was ich eine Dead-Colour-Bühne nenne. Die Formen sind mit neutralen Farben grob blockiert, und die hellsten und dunkelsten Lichter befinden sich immer noch in der Nähe der Mitte der Werteskala. Aber jedes Bild ist anders. Manchmal beginne ich mit starken, fast extremen lokalen Farben und manchmal nur mit einer Grisaille. Ich habe mich für einen neutralen Block-In bei Empire entschieden, weil ich wusste, dass das fertige Stück nur eine begrenzte Palette enthält. Ab diesem Zeitpunkt galt es, die Formen zu verfeinern, die Werte zu stärken und die Farbe zu bereichern.
Alles in Empire (oben), von den elektrischen Türmen über den Maschendrahtzaun bis hin zu dieser wundervollen Jacke, wurde originalgetreu bemalt, wie das Licht des Aftergow die tatsächlichen Objekte beleuchtete. Ein Großteil des vielfältigen Reichtums ergibt sich aus der Positionierung von kühnen Passagen neben subtilen, geschichteten Passagen.
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