Stille und Licht
Lea Colie Wight vermittelt eine kontemplative Stimmung mit einer Palette, deren Blau und Türkis ihr Zuhause am Meer evozieren.
Von Rosemary Barrett Seidner
Mit einer Farbsensibilität, die die traditionell kühlen Farben ihrer Palette erwärmt, versucht Lea Colie Wight, die Einfachheit und Intimität des Alltags einzufangen, sei es als Stillleben, als Innenraumszene oder als Figurenstudie. Die unterschiedlichen türkisfarbenen Schattierungen der Meereswellen sind häufig in den Objekten zu sehen, die sie malt, sowie in ihrer Interpretation von Licht und Schatten. „Ich reagiere stark auf Farbe und folglich sind Farbbeziehungen ein wichtiger Bestandteil meiner Arbeit“, erklärt sie. „Ich benutze häufig Türkis, weil die Farbe so angenehm zu malen ist. Die Art und Weise, wie sich das Türkis ändert, ist abhängig von der Farbe des Lichts, das darauf trifft, sehr schön. Ich lebe in der Nähe des Ozeans und diese Farbe kommt sowohl in den Wellen als auch in den Hüttenmöbeln in den Häusern um mich herum häufig vor. “
Obwohl sie sich nicht an eine Zeit erinnern kann, in der sie keine Leidenschaft dafür hatte, Künstlerin zu werden, räumt sie ein, dass der Weg nicht immer glatt war. "Während meiner College-Zeit", sagt sie, "habe ich angefangen, in Pastell zu arbeiten, weil ich so frustriert war über den Mangel an technischem Ölunterricht." Damals schien die vorherrschende Ansicht zu sein, dass "kein Unterricht ein guter Unterricht ist". Ein guter Vergleich wäre, Musik zu unterrichten, indem man die Tür zu einem Raum voller Instrumente öffnet und die Schüler daran teilnehmen lässt! Ich hatte das Glück, dass ich einen wunderbaren Zeichenlehrer hatte, Paul Olson, und Pastell schien ein natürlicher Schritt vom Zeichnen in die Farbe zu sein. “
Von Pastell zu Öl und wieder zurück
Dementsprechend warf sich Wight selbst in das Pastellstudium, bis sie im Studio Incamminati in Philadelphia das Studienniveau fand, nach dem sie gesucht hatte. Unter der Anleitung von Nelson Shanks und anderen wechselte sie zu Öl und arbeitet seitdem hauptsächlich in diesem Medium. Sie gab jedoch Pastell nicht auf. Tatsächlich wechselt sie gerne zwischen den Medien: „Ich habe das Gefühl, ich male mit den Pastellen und zeichne mit den Ölen. Es ist neugierig! "
Wight studiert und lernt weiterhin von den Künstlern im Studio Incamminati, wo sie jetzt unterrichtet. „Ich bewundere Künstler, die sich selbst herausfordern“, sagt sie, „anstatt immer wieder dasselbe Bild zu malen. In den Workshops, die wir im Studio Incamminati unterrichten, wird regelmäßig ein hochkarätiger Maler mit globaler Galeriedarstellung als Student anwesend sein. Dies ist für mich das Zeichen eines wahren Künstlers - jemand, der alle Informationen haben möchte, die es gibt; Jemand, der auf das Wissen und Können vertraut, das er oder sie bereits hat und das er erweitern möchte. “
Intuitive Auswahlmöglichkeiten
Anstatt die Objekte in einem Stillleben zu suchen und dann aufzustellen, trifft Wight Vorkehrungen in ihrem Haus oder in den Häusern von Freunden. "Was ich will, ist das Heiligtum und den Komfort von zu Hause einzufangen", sagt sie. „Ich denke an den Moment, in dem du endlich dort ankommst - wenn du still sein und dich entspannen kannst. Es ist wahrscheinlich, weil mein Leben so hektisch und überladen ist! Die Stille, die Einsamkeit und der Frieden einer Umgebung sind das, was ich anziehend finde, und das Spiel des Lichts schafft diese Stille. “
Dieser Vorgang ist zufällig und intuitiv: „Ich beginne manchmal damit, in meinem Haus herumzulaufen, auf die Art und Weise zu reagieren, wie Licht auf Oberflächen und Objekten spielt, und Dinge zu bewegen, um den Effekt zu optimieren“, sagt sie. Sie wird zufällige Stillleben bemerken, die gerade von alleine passiert sind; manchmal findet sie ein interessantes Objekt und kreiert ein Stillleben darum herum. Das Ziel ist es, das Setup zufällig erscheinen zu lassen. „Wenn ich etwas in meinem Studio aufbaue, möchte ich, dass es sich wie eine echte Umgebung anfühlt - dass Leben um das Stillleben herum stattfinden.“ Sie gibt zu, dass sie Objekte verkörpert. "Ich habe das Gefühl, dass die Dinge etwas mit der Person zu tun haben, die an sie gebunden ist", erklärt sie. „Die Dinge, die ich wähle, haben eine menschliche Qualität. Ich male wirklich ein Porträt der Person, der sie gehören oder die sie repräsentieren. “
Bedeutung einer Farbstudie
Wight beginnt mit kleinen Wertskizzen, um die Zusammensetzung zu bestimmen. Dann macht sie eine Farbstudie, „um die wichtigsten Werte und Farbbeziehungen in den Griff zu bekommen“, sagt sie. „Ich interessiere mich für die Hauptfarbe und den Hauptwert jeder großen Masse.“ Wenn sie anfängt, auf Leinwand oder Papier zu arbeiten, sind ihre ersten Noten gestisch; dann blockiert sie die Massen, um die Proportionen zu überprüfen. „Wenn Sie sich die Zeit nehmen, um richtig einzusperren, müssen Sie später keine großen Anpassungen vornehmen“, sagt sie. In dieser Block-in-Phase versucht sie, weit weg von der Oberfläche zu stehen und zu malen, damit sie objektiver sehen kann.
Die ersten Farbnotizen sind ebenfalls große Aussagen, aber sie verwendet nur die Rückstände von der Reinigung ihres Pinsels und dem Abwischen. Diese dünne Schicht kann an einigen Stellen die einzige Farbschicht auf der Oberfläche sein. Am nächsten Tag trocken: „Die Farben werden aufgrund des dünnen Farbkörpers nicht vollständig verwirklicht. Dies ist ein weiterer Grund, warum es hilfreich ist, zuerst an einer Farbstudie zu arbeiten.“ Am zweiten Tag findet Wight ein oder zwei Farbebenen innerhalb der großen Formen über die gesamte Fläche bearbeiten. „Ich male so weit ich kann von der Leinwand abstehend und scanne ständig die gesamte Leinwand.“
Inneres Licht
Bei der Bestimmung ihres Ansatzes ist die Tageszeit wichtig. "Ich bin herausgefordert", sagt sie, "durch die Beziehung zwischen natürlichem Licht und künstlichem Licht - und durch die Art und Weise, wie sich das Licht nach außen und nach innen verdunkelt, behauptet sich künstliches Licht."
Unter all ihren Bildern verbirgt sich eine implizite Erzählung. Die Objekte, auf die sie stößt oder die sie arrangiert, die Räume, in die sie schaut, die Modelle, die sie in einer Szene platziert - alles deutet auf vergangene Anlässe und inneres Leben hin. Ihre Bilder meditieren darüber, wie wir beobachten, interpretieren und nacherzählen. Als Hinweis darauf, was sie inspiriert, führt sie dieses Beispiel an: „Ich habe eine Innenszene durch eine Flurtür in einen Raum gemalt, der ursprünglich ein Kinderzimmer war und jetzt ein Gästezimmer ist. Der Raum ist mit Möbeln aus dem Haus meiner Großmutter gefüllt, und die Stücke halten Erinnerungen für mich. Ich fand es toll, wie das Licht durch zwei Fenster fiel und sich kreuz und quer durch Möbel und Boden schlängelte. Als ich eines Tages aufstellte, sah ich, wie sich das Bett im Bürospiegel spiegelte, und die Aussicht faszinierte mich vollkommen. Es herrschte eine wunderschöne Stille: Das Licht strömte herein und erzeugte eine weiche, warme Schattenlache. “Dann begann sie mit einem weiteren Bild, an dem zwei gleichzeitig arbeiteten.
Der Künstler malt, was da ist, und ruft hervor, was nicht da ist. Sie malt oft Durchgänge, die den Betrachter einladen, durch eine offene Tür zu schauen. „Ich bin von Ansichten angezogen, die Sie von Raum zu Raum führen. Ich möchte, dass ich nach innen schaue, ohne den ganzen Raum zu sehen. Ich möchte, dass der Betrachter fühlt, dass sie sich in der Umgebung befindet. Wie in meinen Stillleben geht es auch in diesen Innenräumen um die Menschen, die dort leben - oder um diejenigen, die abwesend sind. In einem von mir geliebten Gedicht von Edna St. Vincent Millay, "Interim", beschreibt der Sprecher, wie er nach einer Beerdigung hereinkommt und einen Schreibtisch findet, den die Person verlassen hat. Die erste Zeile ist "Der Raum ist voll von dir!"
Auch Wights Räume sind voller Präsenzen; ihre gemälde regen den betrachter an, über die gegenwart und die vergangenheit nachzudenken - ein gedankenzustand, der das widerspiegelt, was der künstler vor der staffelei empfindet. „Ich bin konzentriert und wachsam. Ich schicke die schwatzende Seite meines Kopfes weg, um mich schweigend zu beschäftigen - wenn ich über Menschen nachdenke und die Objekte erlebe, die darauf hindeuten -, woran ich mich erinnern oder vorstellen kann.
Lea Colie Wight wurde in Philadelphia geboren und schloss 1974 das Minneapolis College of Art and Design mit einem Bachelor of Fine Arts ab. Sie studierte im Studio Incamminati, einem von Nelson Shanks gegründeten Intensivatelier, und unterrichtet dort. Sie wurde bei den internationalen Wettbewerben und Ausstellungen der Portrait Society of America 2009 und 2010 zu einer der 15 besten Künstlerinnen gekürt. Um mehr zu erfahren, besuchen Sie ihre Website unter www.leawight.com.
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