Wenn wir über Landschaftsmalerei sprechen, hören wir oft den Satz "Einfangen eines Ortsgefühls". Was bedeutet das für dich? Für mich bedeutet dies weit mehr als nur die Erfassung der physischen Eigenschaften des Standorts. Es geht weit über die Angabe der Tageszeit oder der Wetterbedingungen hinaus. Wenn mir ein Plein-Air-Gemälde einen "Sinn" für den Ort geben soll, muss es mir sagen, was der Künstler dort empfunden hat. Es muss mir Emotionen geben. Es muss mir auch die Kopfsachen und die Herzenssachen zeigen.
Ich kann mir zwei sehr unterschiedliche Künstler vorstellen, die beide einen Sinn für Platz in ihrer Arbeit haben. Und sie haben verschiedene Mittel eingesetzt, um dies zu erreichen, was für uns fantastisch ist. Aus ihnen erfahren wir, dass es wahrscheinlich eine ganze Reihe von Optionen gibt, mit denen wir unsere Landschaften mit dieser schwer fassbaren Qualität versehen können.
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| Ein Stadtpark von William Merritt Chase, 1867 Ölgemälde. | Der See für Mini-Yachten von William Merritt Chase, c. 1888 Ölgemälde. | |
Der erste Künstler, William Merritt Chase (1849-1916), ist der große Vater des amerikanischen Impressionismus. Er verbrachte seine prägenden Jahre in St. Louis, München und New York City und war in den späten 1800er Jahren ein wahres Großstadt-Kulturgut. Stellen Sie sich vor, wie es wäre, ein Künstler zu sein, der all Ihre Tage in überfüllten, kosmopolitischen Umgebungen verbracht hat. Stellen Sie sich nun vor, wie es für Chase war, dem Alltag zu entfliehen, indem Sie zum Beispiel in den Central Park oder Prospect Park oder sogar bis zum Meer auf Long Island gingen, das zufällig seine drei Lieblingsorte für Freilichtmalereien war. Endlich ein Ort zum Atmen! Und dieses Gefühl - dieses expansive, weit offene Gefühl - ist das Gefühl dieser Orte, die er auf Leinwand festhalten konnte.
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| Idle Hours von William Merritt Chase, 1894, Ölgemälde. | |
Wie? Schau dir seine Kompositionen an. Fast jede Landschaft von Chase hat eine große, massive, vereinfachte Form - entweder einen großen Himmel oder einen großen Vordergrund. Durch Design vermittelte er seine eigene Freude an Raum und Freiheit. Beachten Sie jedoch den Unterschied in seinen Farbpaletten. Seine Stadtparkgemälde haben immer noch eine eingeschränkte Qualität, während seine Shinnecock-Gemälde nichts als kühnen Sonnenschein und frische Luft versprühen.
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| Ein Wüstental: Panamint, Kalifornien
von Maynard Dixon, 1922, Ölgemälde. |
Inyo Berge
von Maynard Dixon, 1922, Ölgemälde. |
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Eine Generation später erreichte Maynard Dixon (1875-1946) die gleiche Qualität in seinen Gemälden, wenn auch an einem ganz anderen Ort und mit anderen Mitteln. Dixon wurde in Kalifornien geboren und lebte im Südwesten, als ein Großteil dieser Wüstenregion noch nicht erschlossen war, vor allem, weil es sich um ein raues Terrain handelte, das für Menschen unfreundlich war. Und das spüren Sie alles in seiner Arbeit. Seine lebendige Farbpalette und sein hochwertiger Kontrast vermitteln die unerbittliche Hitze und das grelle Licht der Wüste, während sein zurückhaltender Stil und seine massiven Formen Ihnen die wilde Majestät seiner Standorte zeigen, die alle zusammenarbeiten, um die Hilflosigkeit eines einzigen Mannes in eindrucksvoller Weise in Erinnerung zu rufen in der Natur.
