Der Wert eines MFA - Kunstgeschäft

In einem Interview mit John A. Parks plädiert Deborah Bright, Vorsitzende der Abteilung für bildende Künste am Pratt Institute, für einen MFA-Abschluss. (Dieser Artikel erschien erstmals in der September 2014-Ausgabe des Artist's Magazine. )

Nach dem Bachelor of Fine Arts (BFA) stehen viele Studenten vor einer entscheidenden Berufswahl: Machen Sie einen Master of Fine Arts (MFA) oder starten Sie gleich eine Karriere? Die Aussicht auf zwei Jahre Konzentration auf die eigene Arbeit, die von professionellen Künstlern betreut wird, hat einen beträchtlichen Reiz. Darüber hinaus gilt ein MFA als Abschluss im Endstadium und qualifiziert den Inhaber für das Unterrichten auf Hochschulniveau.

Andererseits sind die Kosten eines MFA hoch. An vielen Schulen liegt die Studiengebühr für ein zweijähriges Programm bei weit über 70.000 US-Dollar. Nach dem Hinzufügen von Material und Lebenshaltungskosten können die Gesamtkosten durchaus mehr als 125.000 USD betragen. Obwohl die Universitäten fast immer finanzielle Unterstützung anbieten, müssen die meisten Studenten möglicherweise erhebliche Schulden aufnehmen. Mittlerweile sind die finanziellen Renditen in der Kunstwelt im Allgemeinen niedrig. Während eine kleine Anzahl von Kunststars beträchtlichen Reichtum erwirtschaftet, haben die meisten Künstler Mühe, weiterzuarbeiten. Das Unterrichten am College mag attraktiv erscheinen, aber die Wahrheit ist, dass es kaum Arbeitsplätze gibt und die Bezahlung oft überraschend niedrig ist.

Um einige Vor- und Nachteile eines MFA zu besprechen, sprach ich mit Deborah Bright, Vorsitzende der Abteilung für bildende Künste am Pratt Institute in Brooklyn, New York. (Ich habe auch mit einigen jungen Künstlern gesprochen, die beschlossen haben, ohne MFA voranzukommen.)

John Parks (JP): Was sind die Hauptvorteile, die ein Student von einem MFA-Programm erwarten kann?

Deborah Bright (DB): Zwei Jahre intensives Wachstum, unterstützt von erfolgreichen professionellen Künstlern und der Möglichkeit, sich einer Community von Gleichaltrigen anzuschließen, die nach dem Abschluss ein integriertes Netzwerk bilden können. Es ist häufig der Fall, dass Klassenkameraden virtuell oder sogar physisch mit ihren ehemaligen Lehrern und Kollegen in Verbindung bleiben und lebenslange Freundschaften gepflegt werden. Dies ist wichtig, da es ohne soziale Unterstützung ein einsames und entmutigendes Geschäft sein kann, Künstler zu sein.

Ich kann auch nicht genug betonen, wie wichtig es ist, dass man sich zwei Jahre lang intensiv und ohne allzu große Ablenkung auf die Entwicklung der eigenen Studio- oder Post-Studio-Praxis konzentriert. Die Transformation junger Künstler während des Studiums ist erstaunlich, sowohl in Bezug auf die Raffinesse und die Leistung der geleisteten Arbeit als auch weil sie verstehen, welche Art von Engagement und Intensität sie in ihre Arbeit einbringen müssen, um sie aufrechtzuerhalten.

JP: Welchen Rat würdest du einem angehenden Studenten geben, der darum ringt, das finanzielle Risiko-Ertrags-Verhältnis bei der Verfolgung eines MFA auszugleichen?

DB: Alle MFA-Programme bieten verschiedene Formen der finanziellen Unterstützung an: direkte Stipendien oder Stipendien, bezahlte Graduierten-Assistenten und Arbeitsmöglichkeiten, die besser als der Mindestlohn sind. Bei Pratt bieten wir unseren Schülern auch die Möglichkeit, bezahlte Praktika zu absolvieren, während sie in der Schule sind. Gleichzeitig wird ihnen die Berufserfahrung angerechnet. Wir unterstützen sie bei der Suche nach Praktikumsmöglichkeiten, die es in der Region New York in Hülle und Fülle gibt. Auf der anderen Seite ist die wachsende Zahl internationaler Studierender (40 Prozent unserer MFA-Studienanfänger bei Pratt) der Ansicht, dass von der US-Regierung finanzierte Kredite für sie geschlossen sind. Aus diesem Grund stammen internationale Studierende in der Regel aus wohlhabenden Familien, die es sich leisten können, sie zu subventionieren, oder deren Heimatregierung bietet Subventionen an.

Aber es ist wahr, dass Pratt als private Institution, die hauptsächlich vom Unterricht bestimmt ist, nicht die finanzielle Unterstützung bieten kann, die eine staatliche Universität oder eine gut ausgestattete private Institution wie Yale oder das MIT bieten kann. Wir geben auch eine viel größere Kohorte von MFA-Studenten in bildender Kunst (etwa 50) pro Jahr als die meisten unserer Peer-Institutionen bekannt. Die Mittel sind für uns in der Tat sehr knapp.

JP: Welche Perspektiven hat ein Meister der schönen Künste, um einen Lehrauftrag auf dem heutigen Arbeitsmarkt zu bekommen?

DB: Sie haben viel bessere Aussichten, wenn Absolventen bereit sind, aus dem Großraum New York auszuziehen! Ich sage oft Schülern, die wirklich unterrichten möchten, dass sie bereit sind, für eine Weile in den Mittleren Westen oder in den Sonnengürtel zu ziehen, um dort ihre Unterrichtserfahrung aufzubauen. Dann können sie sich auf Wunsch an den beiden Küsten bewerben.

Wenn Sie sich in einer großen Metropolregion aufhalten, es sei denn, man wird zum Marktstar (und Marktstars unterrichten oft nicht, weil sie das Produkt voll ausschöpfen müssen), bedeutet dies, dass Sie vielleicht jahrzehntelang am Ende der Nahrungskette unterrichten. Das ist ein hartes Leben, wenn Sie sich für das Unterrichten als Berufung interessieren. Es gibt keine institutionelle Loyalität zu Adjuncts, die Bezahlung ist niedrig und die Vorteile sind nahezu nicht vorhanden. Es ist kein Geheimnis, dass ein Großteil der New Yorker Kunstwelt sowie die Kunsterziehung in der Stadt auf die unterfinanzierte Arbeit von Künstlern angewiesen sind, es sei denn, sie werden von Gewerkschaften vertreten. Bei Pratt sind die außeruniversitären Fakultäten gewerkschaftlich organisiert und gewährleisten eine gewisse Arbeitsplatzsicherheit, nachdem sie eine bestimmte Anzahl von aufeinanderfolgenden Semestern unterrichtet haben.

JP: Glauben Sie, dass ein MFA einem Künstler einen Vorteil verschafft, wenn es darum geht, eine Galeriedarstellung oder eine andere Exposition in der Kunstwelt zu erreichen?

DB: Ja. Es war nicht immer so, aber seit den Tagen des Kunstmarktes der Go-Go-90er Jahre haben einige hochselektive MFA-Programme attraktive Gehälter für die Star-Fakultät gezahlt und wurden zu Futterschulen (Yale, Columbia, UCLA) für die Galeriesysteme in New York und Los Angeles, und dies hat die Erwartungen der Bewerber erheblich erhöht. Jetzt versucht jedes MFA-Programm, Pipelines in die Galeriewelt zu bauen, indem Kritiker und Händler eingeladen werden, sich mit MFA-Studenten zu treffen und ihre Arbeit zu sehen. Jedes MFA-Programm in New York verfügt zum Beispiel über offene Studios, die gut bekannt sind und die es der Öffentlichkeit (und hoffentlich auch Galeristen und Kuratoren, die nach neuen Talenten suchen) ermöglichen, frische MFA-Arbeiten zu sehen. Thesis-Shows finden zunehmend in Kunstgalerien statt, die von MFA-Programmen für ein oder zwei Wochen gemietet werden. In New York ist dies ein echter Vorteil, und Schulen außerhalb von New York mieten hier Räume, um ihre Schüler zum Abschlusszeitpunkt zu präsentieren. Bei Pratt nutzen wir unseren Standort in North Brooklyn, um unsere MFA-Studenten direkt mit Galerien und Kuratoren in den angrenzenden Stadtteilen Williamsburg und Bushwick in Kontakt zu bringen - Veranstaltungsorten, in denen die Arbeit von aufstrebenden Künstlern gezeigt wird.

JP: Einige junge Künstler verfolgen Wege, um ihr künstlerisches Wachstum zu fördern, ohne ein MFA zu absolvieren. Communities, die in Studiosituationen oder in engen Netzwerken der jüngsten Hochschulabsolventen angesiedelt sind, bieten eine ähnliche Gruppendynamik zu weitaus geringeren Kosten. Einige sagen, dass die Vernetzung durch Galerieeröffnungen und Veranstaltungen in einer Metropolregion effektiver ist als der Versuch, dies in einem akademischen Umfeld zu tun. Glauben Sie, dass diese Kritiker Recht haben?

DB: Networking kann für ältere, erfahrene und selbstdisziplinierte Künstler funktionieren, die bereits in einer Marktstadt wie New York ansässig sind - die bereits verbunden sind und genau wissen, was sie wollen und wie sie dorthin gelangen. Dies ist jedoch selten der Fall. Die meisten Künstler, die ein BA / BFA-Programm abgeschlossen haben, befinden sich noch nicht in diesem Stadium, und diejenigen, die außerhalb der großen Marktstädte wie New York, Chicago oder Los Angeles leben. Sie wissen nicht einmal, wo sie anfangen sollen, diese Netzwerke zu finden, insbesondere in wettbewerbsintensiven Städten, in denen es genauso darauf ankommt, wen Sie kennen, wie darauf, wie gut Ihre Arbeit ist.
Wenn ein Student im Grundstudium einen Abschluss mit dieser Art von sozialem Kapital hat, dann würde ich sagen, mach mit! Aber diese Art von Gespür ist selten. Um ihr Potenzial auszuschöpfen, brauchen die meisten jungen Künstler diese zwei Jahre intensiven Wachstums unter Anleitung von erfahrenen Lehrern und ebenso ehrgeizigen Kollegen. Sie werden den Rest ihres Lebens haben, um sich als professionelle Künstler zu behaupten, und zwei Jahre müssen an vielleicht 40–50 Jahren Produktivität gemessen werden. Die Schule ist immer noch eine gute Investition, wenn es für Sie wirklich wichtig ist, Künstler zu sein.

Außerdem, und ich kann das nicht genug betonen, ist der Markt nicht jedermanns Sache - es ist ein Gewinner-Alleskönner-System, das sehr wettbewerbsfähig ist und das viel gute Arbeit ausschließt. Glücklicherweise gibt es andere Möglichkeiten, als Künstler zu leben und zu arbeiten. Man kann in einer Gemeinschaft als Artist in Residence arbeiten; Arbeit für eine gemeinnützige Kunstorganisation; Bauen Sie ein kleines Unternehmen auf, das genug Einkommen generiert, um die eigene Kunst zu fördern, oder arbeiten Sie mit Kindern in quasi-erzieherischen Unternehmen wie Studio in einer Schule in New York City. Um diese Möglichkeiten nutzen zu können, muss man sich an einem Ort befinden, an dem diese Kontakte geknüpft werden können. Bei Pratt gibt es ein solides Seminar für professionelle Praktiken, an dem alle MFA-Studenten teilnehmen und das sie in die Lage versetzt, sich sowohl in der gemeinnützigen als auch in der marktorientierten Welt zu behaupten.

Der eigentliche Sinn der Graduiertenausbildung besteht darin, den Schülern beizubringen, wie sie weiter selbst unterrichten können - flexibel zu sein und die sich bietenden Möglichkeiten zu nutzen. Es gibt keinen Karriereweg, der für jeden Künstler unumgänglich oder richtig ist. Die meisten Künstler erleben im Laufe ihrer Karriere viele verschiedene „Leben“.

Checkliste für angehende MFA-Studierende

Durchsuchen Sie die Programme sorgfältig, um sicherzustellen, dass sie Unterricht und Unterstützung für die Art von Kunst bieten, an der Sie interessiert sind. Besuchen Sie die Schulen und sprechen Sie mit den Studenten und der Fakultät.
Finden Sie heraus, wie viel finanzielle Hilfe angeboten wird. Dies ist von Schule zu Schule sehr unterschiedlich. High-End-Schulen haben oft mehr Hilfsgelder als billigere, kleinere Schulen. Treffen Sie sich mit einem Beauftragten für Finanzhilfe und seien Sie bereit zu verhandeln.
Schauen Sie sich Programme an, die über mehrere Sommer stattfinden. Sie sind normalerweise billiger.
Verstehen Sie, dass es keine Karrieregarantien für ein MFA gibt. Lehrberufe sind rar und die Kunstwelt ist kein einfacher Ort, um seinen Lebensunterhalt zu verdienen. „Name“ -Schulen wie Yale, Columbia, RISD (Rhode Island School of Design) oder UCLA (Universität von Kalifornien - Los Angeles) bieten jedoch definitiv Vorteile in Bezug auf Karriereperspektiven.

Der Maler und Schriftsteller John A. Parks hat seine Arbeiten in New York und auf der ganzen Welt ausgestellt. Er hat einen Master-Abschluss in Malerei vom Royal College of Art in London, was einem amerikanischen MFA entspricht. Parks sagt: "Ich hatte das Glück, in England zu einer Zeit zu studieren, in der wir sowohl kostenlosen Unterricht als auch ein kleines Stipendium bekamen, von dem wir leben konnten."

Anmerkung der Redaktion: Es gibt unzählige hervorragende MFA-Programme an Hochschulen, Universitäten und Kunstschulen in anderen Regionen und Ländern.

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