Dieser Artikel über Tim Kennedy von John A. Parks erschien erstmals in der Juni-Ausgabe 2014 des Artist's Magazine .
Auf Tim Kennedys Gemälden sind wir eingeladen, die vorübergehenden Freuden des Lebens mitzuerleben: Freunde kommen zu Besuch; eine Blumenvase steht hübsch auf einer Tischplatte; eine Frau oder Freundin tritt in die Dusche; Die Sonne, die im Wohnzimmer herumwirbelt, reflektiert das Licht von Holzböden und weichen Kissen. Die Farbe ist attraktiv und etwas lebhafter, als es strenger Realismus erlauben würde, Wärme und harmonische Einheit zu verleihen. Feines Zeichnen ist viel zu spüren, wobei die Formen so sorgfältig abgegrenzt sind, dass ein gewisser Aufwand an Vereinfachung besteht. Die opak aufgetragene Farbe neigt dazu, in flachen Bereichen mit nur gelegentlichem Übergang zu sitzen. Der Effekt besteht darin, eine dreidimensionale Form vorzuschlagen, ohne das lange Geschäft des Renderns jeder letzten Drehung und Drehung zu durchlaufen. Wenn der Künstler einen Großteil der Farbe in relativ flachen Bereichen belässt, kann er seine Kompositionen als eine Reihe klarer Formen organisieren, die in fast klassischen Formationen zusammengefügt sind. Dies sind Gemälde, die ruhigen Genuss und angenehme Reflexionen versprechen, was Tim Kennedy sehr wohl bewusst ist.
"Es gibt eine berühmte Aussage von Matisse, die ein modernistisches Gemälde mit einem bequemen Sessel vergleicht", sagt Kennedy. „Die Idee ist, dass jemand, der von der Arbeit nach Hause kommt - vielleicht als Büroangestellter - Zuflucht, Trost und Vergnügen in einem Kunstwerk sucht. Ich stimme diesem Standpunkt mehr oder weniger zu. “Der Künstler weist schnell darauf hin, dass er dies nicht so versteht, dass der Betrachter nur passiv sein sollte. "Ich denke, der Geist und die Sinne des Betrachters sind in einem erhöhten Zustand", sagt er. "Ich denke, hier kommt das Gefühl des Vergnügens ins Spiel."
Tim Kennedy wendet diesen Ansatz an, unabhängig davon, ob er eine Landschaft, ein Stillleben oder eine Figur malt, und reorganisiert die Welt vor sich, bis eine Formation entsteht, die verführerisch und erfreulich ist. Um dies zu erreichen, arbeitet er immer aus dem Leben heraus: „Ich male normalerweise direkt von meinem Motiv aus, auch wenn es ein Motiv ist, das ich im Atelier auf irgendeine Weise nachbauen muss“ (siehe Moderne Maler unten und Poinsettia Mirror weiter unten) unten). „Für eine Landschaft würde ich natürlich draußen malen. Ich könnte Stillleben im Studio machen oder Setups an kleinen Stellen in unserem Haus erstellen. Ich male direkt, also gehe ich jeden Tag auf das Bild zu, an dem ich arbeite, als wäre es ein neues Stück. Ich male häufig über die Arbeit des Vortags - auch wenn es etwas war, das mir gefiel. “
Tim Kennedy ist der Ansicht, dass der Informationsreichtum der Natur sowie seine Reaktion auf diese Informationen für den Erfolg seiner Bilder unabdingbar sind. Das war nicht immer so. „Das große Tauziehen früher in meinem künstlerischen Leben war zwischen Abstraktion und Figuration“, erinnert er sich. „Der Reiz der Abstraktion bestand darin, dass man im Studio malen konnte und sich nicht auf ein Motiv beziehen musste. Das Problem, das sich für mich ergab, war, dass ich nie ganz sicher war, was Malerei ohne Referenz bedeutet. Mir gingen die Ideen aus und ich hatte schließlich das Bedürfnis, mich von der Natur zu erholen. Ehrlich gesagt bin ich mir nie sicher, was Malen aus dem Leben bedeutet, aber ich finde die Vielfalt in der Natur endlos. “
Während alle Bilder von Tim Kennedy Produkte einer ziemlich konsistenten Vision sind, variiert seine Arbeitsweise von Arbeit zu Arbeit. "Ich habe nicht das Gefühl, dass ich einen klaren, schrittweisen Prozess habe", sagt er. „Ich neige dazu, zu Beginn eines Gemäldes ein paar einfache Messungen vorzunehmen. Lennart Anderson brachte mir eine Methode zum Messen der Zahl bei, die er "die drei Punkte" nannte. Es ist ein optisches Messsystem. In einer stehenden Figur messen Sie beispielsweise von der Ferse des belastenden Beins bis zum Schritt und addieren dann dieselbe Länge, gemessen vom Schritt. Die zweite Messung wird irgendwo im Kopf landen, z. B. in der Nase oder am Haaransatz, es sei denn, das Modell hat ungewöhnlich lange Beine. “Solche Sichtverfahren helfen ihm auch dabei, die vergleichbaren Größen von Formen in seinen Landschaften und Stillleben zu approximieren.
Tim Kennedy bemüht sich, beim Malen in Bezug auf sein Thema die richtige Position einzunehmen. „Wenn ich an einer kleinen Leinwand oder Tafel arbeite, möchte ich meinem Motiv so nahe wie möglich kommen“, sagt er. „Wenn ich eine Landschaft male, arbeite ich normalerweise mit einer französischen Staffelei. Ich stelle es in einem Winkel zum Motiv auf, damit die Entfernung, in der ich meinen Kopf drehe, so kurz wie möglich ist. “Um seine Palette vorzubereiten, mischt er eine Reihe von Farben - normalerweise gelb-ocker, mars-orange, rohes Umbra, Phthalotürkis, Dioxazinviolett und Terre verte - geschnitten mit Cremnitzweiß. Er kann auch einige Farben mischen, die er in dem Motiv, dem Setup oder der Landschaft sieht, die er malt.
Tim Kennedy malt normalerweise in dreistündigen Sitzungen. "Das Licht wird sich danach ändern", sagt er. „Wenn es der erste Tag eines Gemäldes ist, werde ich ein wenig messen und Einheiten mit Linien und Punkten markieren, die sehr abstrakt aussehen können. Ich möchte so schnell wie möglich die gesamte Oberfläche des Gemäldes bedecken. Wenn ich mich in den folgenden Sitzungen wieder mit dem Bild beschäftige, kann ich das Stück mit einer verdünnten Schicht Medium (Mischung aus zwei Teilen sonnenverdicktem Leinöl, zwei Teilen Damarlack und einem Teil Venedig-Terpentin) bedecken, bevor ich mit der Arbeit des Tages beginne. Dadurch kann ich das Bild wieder öffnen. “
Tim Kennedy arbeitet sowohl in Aquarell als auch in Öl und schätzt die Stärken der einzelnen. "Ich mag die Klebrigkeit des Öls, seine Opazität und die Farbwirkung, die man durch Anstoßen von Farbe gegen Farbe erhält", sagt er. "Mir gefällt, wie Sie eine frühere Version von etwas bearbeiten können."
Wenn er mit Öl arbeitet, löst er die Zeichnung nicht vollständig auf, bevor er anfängt zu malen. „In der Malerei scheinen zwei Traditionen aus der italienischen Renaissance zu existieren: die florentinische und die venezianische“, sagt Tim Kennedy. „Die florentinische Malerei wurde von skulpturalen Ideen dominiert und neigte dazu, eine Kontur zu schaffen, in der der Künstler arbeiten würde. Die venezianische Tradition ist eine malerische Tradition, bei der der Künstler im Zentrum einer Form beginnen und sich zu einer undeutlichen Grenze entwickeln könnte. Ich betrachte mich als Teil der venezianischen Tradition. “
Tim Kennedy sagt, dass er auch die venezianische Praxis, warme und kühle Farben übereinander zu legen, als hilfreich erachtet. "Wenn ich zum Beispiel an einer Landschaft in Öl arbeite, können frühe Stadien des Gemäldes wie eine lose Version eines Mondrian aussehen", sagt er, "mit ein paar Maßen, die einem Raster und Farbblöcken ähneln könnten." Er mag kräftige Farben, und während er weiter malt, reagiert er auf die Art und Weise, wie die Farbe des Lichts sein Motiv beeinflussen könnte, aber er geht nicht so weit, „Farbe bewusst zu übertreiben“.
Er arbeitet nass in nass und verwendet zum größten Teil keine Medien, die das Trocknen beschleunigen.
Tim Kennedy versucht, eine ähnliche Herangehensweise an Aquarell zu verfolgen, stellt jedoch fest, dass er für dieses Medium eine etabliertere Zeichnung erstellen muss, auf der er malen kann. „Im Aquarell sind die Transparenz und die flüssige Qualität der Marken ansprechend“, sagt er. "Ich mag es, wenn zwei transparente Farben, die weit voneinander entfernt im Farbkreis liegen, sich überkreuzen und eine neue, dritte Farbe ergeben (siehe Nachbarn oben)."
Obwohl Tim Kennedy seine Bilder mit einer offenen, explorativen Herangehensweise beginnt, wirken die fertigen Werke entschlossen und ausgewogen. In Poinsettia Mirror (unten) zum Beispiel steht eine nackte junge Frau mit dem Rücken zum Betrachter und dreht den Kopf zur Seite. Das Motiv befindet sich in der Komposition genau in der Mitte, unterstützt durch das Rechteck einer Kommode. Teppiche, Wände und Schatten verbinden sich mit hängenden Roben und Möbeln zu einem straffen, ineinander greifenden Design mit klaren Formen. Sogar die auf dem Boden liegenden Schuhe bilden ein Dreieck, das sich in der Lampe auf der Kommode widerspiegelt. Die Farbharmonie ist auch gut ausbalanciert mit reichen Ockern, Gelben und Orangen, die gegen verschiedene zurückhaltende Blautöne und ein süßes Grün im Handtuch an der Schranktür spielen.
Die Rückreise (unten) zeigt eine aktivere Erzählung mit einem jungen Paar, das gerade zu Hause angekommen ist. Die Frau öffnet die Haustür und blickt besorgt zu ihrem Partner zurück, der auf einen Brief starrt, den er gerade aus dem Briefkasten genommen hat. "Meine Erzählungen sind eher minimal oder dünn", sagt Kennedy. „Ich beschäftige mich nicht mit überbestimmten Geschichten oder Dramen in meinen Gemälden, aber ich muss die Erzählung etwas berücksichtigen. Andernfalls lautet die Reaktion des Zuschauers: "Warum sind diese Leute zusammen?" Menschen in einem Raum zu malen ist lustig und interessant. Ich arbeite gern an einer Komposition, und menschliche Motive haben eine Wärme, die in trägen Dingen fehlt. “
Einige von Tim Kennedys Gemälden sind reine Porträts. In Malcolm, LuAnn und Owyn (unten) sitzt eine Familiengruppe auf einem Korbsofa auf einer Veranda. Draußen, jenseits des sonnenverwöhnten Rasens, steht ein geparkter Kombi. Das Gemälde ist kühn und klar, enthält jedoch genügend Feinheit und Details, um den Figuren echten Charakter und Identität zu verleihen. Die Details der Kleidung der Probanden und die lässigen Schuhe lassen auf Sommerferien mit Freizeit schließen, um das Leben zu genießen und sich zu entspannen. Trotzdem liest der Mann aufmerksam eine Zeitung und der Junge taucht seine Aufmerksamkeit in ein iPad. Nur die Mutter schaut lebendig nach außen.
Tim Kennedy ist ein begeisterter Student der Kunstgeschichte und behauptet, viele Einflüsse zu haben. "Ich könnte für immer weitermachen", sagt er. Unter den modernen Künstlern zitiert er Hans Hofmann und Arshile Gorky: „Hofmann“, erklärt Kennedy, „wegen der konstruierten, erfahrungsmäßigen Haltung, die er zu seiner Lehre und Malerei brachte, ob er nun von einem Fach aus arbeitete oder nicht; Gorki für die Veränderungen, die er durchgemacht hat und weil seine Formen eine besondere Bedeutung für ihn hatten, die er nicht zufällig fand. “Kennedy bewundert auch Joseph Cornell, Philip Guston und Anselm Kiefer. Kennedy, der unter den amerikanischen Repräsentationsmalern Favoriten auswählt, respektiert natürlich Winslow Homer, John Singer Sargent und Edward Hopper - und hat eine besondere Bewunderung für Charles Burchfield, den Kennedy als „einen wirklich außergewöhnlichen und unterschätzten Künstler bezeichnet, der hauptsächlich mit Aquarellfarben gearbeitet hat“.
Tim Kennedys breite Wertschätzung für Kunst, die vom spanischen Barock bis zum zeitgenössischen Minimalismus reicht, ist zum Teil das Ergebnis einer umfassenden künstlerischen Ausbildung, die mit der Beobachtung seiner Mutter in jungen Jahren beginnt, wie sie zu Hause malt. „Irgendwann interessierte ich mich für die Moderne und las Biografien von Duchamp, Picasso und Matisse aus der Serie Time Life“, erinnert er sich. „Ich mochte die Popkünstler zu dieser Zeit sehr; Mir hat gefallen, dass Pop etwas mit Realismus gemein hat. Ich habe mich für Robert Rauschenberg und Jasper Johns interessiert, und Pop hat mich dazu gebracht, mich für Dada zu interessieren. “Kurz nach seinem Abschluss als Bachelor of Fine Arts entdeckte Kennedy Fairfield Porter. "Ich habe bewundert, dass er seine Arbeit in einem modernen Kontext gesehen hat", sagt Kennedy, "aber dass er sich der Malerei so näherte, wie er es tat, und seine Familie und seine Umgebung malte, weil es ihm so natürlich vorkam." Kennedy studierte am Brooklyn College bei Philip Pearlstein und Lennart Anderson.
Was die Zukunft angeht, sieht Tim Kennedy, dass er weiterhin Gruppenporträts malt, aber er hat einige Änderungen im Sinn. „In früheren Shows habe ich mich auf das Haus konzentriert, in dem ich gelebt habe, und auf die Aktivitäten, die dort stattfinden könnten“, sagt er. „Ich habe darüber nachgedacht, meine Arbeiten im öffentlichen Raum unterzubringen.“ Dementsprechend hat er in letzter Zeit in einem State Park gemalt. "Aus diesem Material möchte ich Figurenkompositionen entwickeln", sagt er, "zum Beispiel Menschen, die campen, den Strand genießen oder Volleyball spielen."
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