Rembrandt war brillant. Malanleitungen, die Ihnen zeigen, warum …
Okay, ich weiß nicht einmal, wie man ein Genie zertifiziert, aber ich weiß, dass ich in einer Sache Recht habe: Rembrandt war eine. Rembrandt, der größte der großen niederländischen Meister, schuf Kunst, die damals und heute eine Offenbarung war. Das gilt natürlich für seine Bilder, aber auch für seine Zeichnungen.
Mit einer schnellen, abgekürzten Technik zeichnete er visuelle Eindrücke aus seiner Umgebung und seiner eigenen Füllhorn-Phantasie auf und ließ so die Entwicklungen in der modernen Kunst mehr als zwei Jahrhunderte später ahnen. Das ist in meinem Buch so ziemlich gleichbedeutend mit Genie.
Entdecken Sie diese Handvoll exquisiter Werke des alten Meisters, der vor seiner Zeit „modern“war. Überlegen Sie, wie jedes dieser Zeichen-Tutorials Ihre Augen für die inhärente Zeichenkraft öffnen kann. Erkennen Sie an, dass das Verstehen der Schönheit mit dem Verstehen der Kunstfertigkeit einhergeht, die Rembrandt bei jeder Arbeit einsetzt.
Suchen Sie vor allem nach Ressourcen, die Ihre Begeisterung und Ihr Können für das Zeichnen von Texten beleben. Eine dieser Ressourcen ist Keys to Drawing with Imagination - ein Top-Handbuch für Zeichnungsstudenten, das sein 10-jähriges Bestehen im Druck feiert. Genießen!
Courtney
Zeichnen im Zeitalter von Rembrandt - und jetzt
Zeichnungen wurden zu Rembrandts Lebzeiten (1606–1669) sehr geschätzt und sind seit ihrem Eintritt in die Museumssammlungen im späten 17. Jahrhundert immer wieder beliebt. In Amsterdam, wo Rembrandt den größten Teil seines Lebens gelebt und gearbeitet hat, stellt das Rijksmuseum seit Jahrzehnten Rembrandt-Zeichnungen zu Dutzenden aus.
In den USA befinden sich Rembrandts Zeichnungen in jeder bemerkenswerten Sammlung von Küste zu Küste. Das gesamte Spektrum von Rembrandts grafischer Produktion schlängelt sich durch die Themen Porträt und Selbstporträt. Szenen des Alltagslebens; und Landschaft, historische und religiöse Themen.
Zeichnen in Echtzeit
Kritiker und Historiker haben bei der Beschreibung von Rembrandts ausgereiftem Zeichenstil häufig auf das Wort „Kurzschrift“zurückgegriffen, das auf Handschrift oder Kalligraphie hindeutet, insbesondere auf das System der Kurzschrift, mit dem Stenographen „in Echtzeit“diktieren können vermittelt ziemlich genau die Essenz von Rembrandts Herangehensweise an das Zeichnen - obwohl er natürlich visuelle Eindrücke aufzeichnete, keine Geräusche.
Viele moderne Künstler, von Matisse bis Warhol, haben Kurzschrifttechniken des Zeichnens entwickelt, aber einer der Vorfahren war Rembrandt. Der Rembrandt-Gelehrte und Kunsthistoriker Jakob Rosenberg (1893–1980) weist darauf hin, dass dieser moderne Aspekt des Meisterwerks sowohl den Künstler als auch die Bewegungen in den späteren Jahrhunderten beeinflusste.
„Kurzschrift an sich ist keine bewundernswerte Eigenschaft, es sei denn, sie kombiniert Kürze mit Suggestivität, es sei denn, die Kürze ist das Ergebnis einer einfühlsamen Auswahl, bei der die Betonung wichtiger Merkmale und ein Appell an die Fantasie des Zuschauers liegt“, sagt Rosenberg. „Rembrandts Kurzschrift erfüllt diesen Test; es erinnert oft an die Leistungen fernöstlicher Zeichner und lässt den Impressionismus des 19. Jahrhunderts ahnen. Es zeigt auch, dass künstlerische Ökonomie und Ausdruckskraft voneinander abhängen. “
Rembrandts Liebe zur Linie
Das herausragende Merkmal von Rembrandts Linie ist das, was Andrew Robison von der National Gallery of Art als "Oszillation" bezeichnet, die sofortige, reizvolle Verschiebung vom beschreibenden Strich, der die Form wiedergibt, zum abstrakten Strich, der die ästhetische Sensibilität seines Schöpfers frei ausdrückt (diese Striche sind oft einer) und das gleiche).
Wie Daniel M. Mendelowitz in seinem klassischen Buch Drawing (Henry Holt & Company, New York, New York) bemerkte: „Vielleicht hat niemand eine disziplinierte Darstellung dessen, was sein Auge sah und was seine Liebe dazu ist, so gut kombiniert wie Rembrandt Linie als eine schöne Sache an sich."
Aber Rembrandts "Liebe zur Linie" war kein Selbstzweck, wie es zum Beispiel bei Matisse der Fall war; Rembrandts Arabesken sind nicht primär dekorativ, sondern haben eine philosophische, man könnte sogar sagen religiöse Funktion. Rembrandts blinkende Schleudertraumata reichen ständig über die Objekte hinaus, die sie beschreiben, um sie mit der größeren, lebendigen Kette des Seins zu verbinden - „dem kontinuierlichen Strom der Schöpfung“, wie Rosenberg es ausdrückte.
Sehr zum Leidwesen der akademischen Kritiker mied der reife Rembrandt die schöne, ungebrochene Konturlinie. Dies bereitete seinen Zeichnungen in späteren Epochen, insbesondere im 18. Jahrhundert, einige Schwierigkeiten, als Händler und Sammler, die vom Neoklassizismus beeinflußt waren, dazu übergingen, Rembrandts Tinten zu „vervollständigen“, indem er verdorbene Linien und Waschungen hinzufügte ihre Andeutungen der Unsterblichkeit.
Wir können die Entwicklung und Bedeutung von Rembrandts Kurzschreibweise anhand mehrerer Zeichnungen untersuchen, die seine Karriere umfassen.
+ Rembrandt begann seine berufliche Laufbahn ernsthaft mit seiner sechsmonatigen Ausbildung zum Amsterdamer Maler Pieter Lastman 1624/1625
+ In seinem 44-jährigen Berufsleben schuf Rembrandt mehr als 2.000 Zeichnungen, die meisten in Tinte mit Feder und Pinsel.
+ Schon früh malte er jedoch oft Kreide, meistens schwarz, manchmal aber auch rot, und verwendete gelegentlich eine Kombination aus Schwarz und Rot.
Malanleitungen - Seated Old Man, Sketch & Final Version
Hintergrund. Diese von Rembrandt paraphierte und 1630 datierte Zeichnung gehört zu einer Reihe von Lebensstudien des Modells für sein Gemälde Ein in seinem Arbeitszimmer sitzender Gelehrter.
Komposition. Diese Schwarzkreidezeichnung zeigt das Modell in einer Dreiviertelansicht, wobei sein linker Ellbogen auf der Armlehne eines Stuhls ruht, der vollständig von den Falten seines Umhangs verdeckt wird.
Höhepunkte. Ein starkes Licht trifft den Kopf fast voll und von links oben, so dass die beleuchtete Seite des Kopfes fast unmerklich mit dem unberührten Papier des Hintergrunds verschmilzt. Diese zarte Modellierung im Kopf kontrastiert auffällig mit dem rauhen, scheinbar groben Umgang mit Linien und Schattierungen im Mantel und in den Händen.
Prozess. Nachdem Rembrandt die Umrisse leicht skizziert hatte, stellte er schnell die Masse des Körpers fest, indem er eine Reihe paralleler Schattierungsmarkierungen anfertigte, die im Allgemeinen diagonal von rechts oben nach links unten verliefen. Einige dieser Schattierungsmarkierungen sind in der unteren linken Ecke der Zeichnung und rechts vom linken Arm des Modells zu sehen, wo sie als Hinweis auf geworfene Schatten dienen.
Bei diesen Markierungen setzte Rembrandt die Kreide mit verhaltenem Druck ein und nutzte so die Körnung des Papiers und die Neigung der Kreide (möglicherweise eine Art leicht wachsartiger Buntstift), sich an den „Graten“zu verfangen, während die „Täler“unberührt blieben. Dies verleiht den Halbtönen eine luftige, atmosphärische Qualität und wurde mit brillanter Absicht verwendet, um den Effekt des reflektierten Lichts im Schatten auf der rechten Seite des Kopfes zu vermitteln.
Nachdem Rembrandt den Körper mit leuchtenden Schatten überzogen hatte, schuf er ein Gefühl für sein Volumen, indem er mit dunklen, schweren Strichen kräftig zeichnete, um die Konturen des Rückens und der Schulter, die Falten des Gewandes und die tiefsten Schatten anzuzeigen.
Der Künstler übte einen so starken Druck aus, um die Schatten unter den Armen zu zeichnen, dass die Körnung des Papiers vollständig verwischt wurde. Wenn die Zeichnung eine rein akademische Übung gewesen wäre, könnte sie durch diese letzten schweren Zeichen als „verdorben“angesehen werden. Sie sind jedoch völlig angemessen für eine Untersuchung der Wertstruktur eines Malers, der sowohl die dunkelsten als auch die hellsten Lichter finden und aufzeichnen musste.
Die endgültige Auflösung. Das Endergebnis dieser Zeichnung ist geballte, sich windende Energie. Rembrandt drückt es in den verschlungenen Fingern des Modells und in den unruhigen Kurven der Kontur auf der linken Seite aus, die mit der gezackten Kante des Vorhangs in der Nähe des Schuhs beginnen, sich auf sich selbst verdoppeln, bevor sie sich zum Knopf der Armlehne erhebt und schließlich wie zerbricht eine schaumige Welle am Bart des alten Mannes. An dieser Stelle trifft es auf eine senkrechte Linie - die aus außerordentlich engen, zusammengesetzten Kurven besteht -, die den Übergang vom Bart zur Haut des Gesichts, das sich im tiefen Schatten befindet, abgrenzt.
Sketch vs Final Version. Rembrandts dreiviertel lange Studie des Modells beschreibt einen Fluss von Lichtübergängen, während diese Zeichnung in voller Länge in exzentrischen Formen und abrupten Richtungsänderungen zu schwelgen scheint.
Zunächst die Gesamtsilhouette mit ihren seltsamen Beulen und Vertiefungen und dann innerhalb der Silhouette die beleuchteten Ebenen - in absteigender Reihenfolge - von Stirn, Bart, Unterarm, Händen und Knie.
Durch diese formale Anordnung hat Rembrandt ein realistisches Gefühl für sein Modell vermittelt: Nicht ein Heiliger oder Philosoph (wie die dreiviertel lange Studie nahelegt), sondern ein alter Landstreicher, ein lokaler Charakter aus der Nachbarschaft des Künstlers in Leiden.
Zeichen-Tutorials - Eine junge Frau an ihrer Toilette
Hintergrund. Ohne Holland jemals zu verlassen, beteiligte sich Rembrandt voll und ganz an der großen internationalen Kunstbewegung seiner Zeit, dem Hochbarock. In der Tat war er der einzige niederländische Künstler seiner Generation, der bedeutende Beiträge zur Gruppenporträtmalerei, zur Geschichtsmalerei und zur religiösen Kunst geleistet hat, und zwar auf die großartige Weise renommierter Zeitgenossen wie Rubens, Van Dyck, Caravaggio und Velázquez.
Nach seinem Umzug nach Amsterdam, einem wichtigen europäischen Hafen- und Handelszentrum, hatte Rembrandt Zugang zu hervorragenden Beispielen flämischer, italienischer und spanischer Kunst sowie zu noch exotischerem Material aus Asien - persischen Miniaturen, von denen er Kopien zeichnete, und höchstwahrscheinlich chinesische und japanische Gemälde und Drucke.
Als vollendeter Profi benutzte er jeden Trick im Buch - und manche nicht im Buch. Zum Beispiel nutzte er die cremige Farbe und die glatte Oberfläche des japanischen Maulbeerpapiers, um seine Radierungen des weiblichen Akts zu drucken.
Themenauswahl. Doch Rembrandt verband diesen ästhetischen Kosmopolitismus mit einer typisch holländischen Liebe zum Prosaischen. So gibt es Szenen des häuslichen Lebens, des alltäglichen Kommens und Gehens der Nachbarn und der unauffälligen Besonderheiten der lokalen Landschaft - Bauernhäuser, träge Kanäle, flache Polder (auch ein Wort), in denen gelegentlich Windmühlen oder vereinzelte Bäume die Landschaft entlasten Langeweile und ein unermesslicher, ständig wechselnder Himmel.
Rembrandts wichtigste Erkenntnis war, dass solche Themen zu Trägern großer Kunst werden könnten, und er schöpfte aus seinen Gemälden und Zeichnungen seine künstlerische Raffinesse sowie eine geistige Energie und Tiefe menschlichen Einfühlungsvermögens, die von keinem seiner großen Zeitgenossen übertroffen wurde Ausnahme von Shakespeare.
Skizze einer Heldin oder eines eigenständigen Vergnügens. Eines der Highlights der Albertina-Kollektion ist A Young Woman At Her Toilet, eine Federzeichnung aus der Mitte der 1630er Jahre. Früher galt die Zeichnung als Studie für ein Gemälde einer biblischen Heldin, heute scheint es jedoch wahrscheinlicher, dass es sich, wie die meisten Zeichnungen Rembrandts, um eine eigenständige Kreation handelt, die zum Vergnügen und zum Üben seiner Fähigkeiten geschaffen wurde.
Die junge Frau, deren Haare geflochten sind, ist wahrscheinlich Rembrandts Frau Saskia. Die ältere Frau, die hinter ihr steht, könnte eine Dienerin sein. Saskia stammte aus einer wohlhabenden Familie, und zu dieser Zeit genoss Rembrandt den Höhepunkt seines kommerziellen Erfolgs als der gefragteste Porträtmaler in Amsterdam.
Mittlere Veränderung. Der Wechsel des Mediums von Kreide zu Feder führte zu zwei neuen Entwicklungen in Rembrandts grafischer Kurzschrift. Der erste ist ein sparsamerer Umgang mit Linien zur Beschreibung von Form und Geste: Mit dem Stift zeichnete der Künstler nur die Oberkörper der beiden Figuren und konzentrierte den größten Teil seiner Arbeit im diagonalen Bereich vom Kopf der stehenden Frau bis zu den Händen von die sitzende Frau.
Das zweite ist seine Verwendung von dunklen Waschungen, um Volumen, Licht und Schatten und dramatische Betonung anzuzeigen. Der tonale Übergang ist hier nicht subtil - es gibt fast keine leuchtenden Halbtöne -, was die Albertina-Zeichnung auf das frühe Stadium von Rembrandts Gebrauch von Stift und Waschung zurückführt. Seine sensible Verschmelzung von Stiftstrichen mit Pinselstrichen, linearen und tonalen Akzenten ist eines der Kennzeichen seiner späteren Beherrschung des Mediums.
Rembrandt zeichnete, wie in seinem ganzen Werk mit Feder und Tusche, eine junge Frau an ihre Toilette, ohne vorher mit Kreide oder Graphit zu skizzieren. Die kühnen Linien ergeben lange, selbstbewusste Kurven, die in Haken und Schlingen enden - ein Paradebeispiel für seine offensichtliche Freude an der Herstellung schön geformter abstrakter Marken.
Malanleitungen - Die Landschaften
Wenn wir uns einer Landschaftszeichnung aus den 1640er Jahren zuwenden, der Offenen Landschaft mit Häusern und einer Windmühle (der ehemaligen Kupfermühle an der Weesperzijde), ebenfalls in der Albertina, erleben wir Rembrandts Umgang mit Pinsel und Kugelschreiber von seiner exquisitesten Seite. Die Zeichnung wurde vor Ort angefertigt, ebenso wie Hunderte anderer, mit denen er seine Skizzenbücher während seiner Spaziergänge durch die Umgebung von Amsterdam füllte.
Das Motiv ist konventionell - ein Repoussoirbaum auf der linken Seite verankert die Komposition, und der Mittelpunkt des Interesses in der mittleren Entfernung liegt zwischen einem dunklen Vordergrund und einer weiten Himmelsfläche. Der Künstler hat diese Formel in ein komplexes Drama vielfältiger räumlicher Spannungen und skurriler Markierungen verwandelt und schafft es dennoch, eine überzeugende Illusion einer lichtgesättigten Atmosphäre zu vermitteln.
Mittel. Die Waschungen in dieser Zeichnung variieren von weich und zart wie in den entfernten Raumebenen der Gebäude auf der Skyline rechts bis rau und strukturiert, indem ein halbtrockener Pinsel über das Papier unten rechts gezogen wird. Rembrandt hat auf der linken Seite eine besonders köstliche Wirkung erzielt, indem er einige geschriebene Linien und Punkte mit einer leicht gezogenen Waschung kombiniert, um die komplexen Texturen von Blättern und Gebäuden zu reproduzieren, die in feuchter, trüber Luft schimmern.
Ein erwachender Impressionist. Radikal wie damals führte Rembrandt die Erfahrung des Wahrnehmungsrealismus in seine Landschaftszeichnungen ein. Er zeichnete, wie das Auge es sieht, mit Details, die sich auf den zentralen Fokusbereich konzentrieren, während periphere Objekte - zum Beispiel der Baum ganz links - nur flüchtig behandelt werden. Wiederum erwartete er eine spätere Entwicklung der europäischen Kunst (den Subjektivismus des französischen Impressionismus) um mehr als 200 Jahre.
Ein Werkzeug für Rhythmus. In den 1640er Jahren fügte Rembrandt seinem Werkzeugkasten den Rohrfederhalter hinzu. Das Schilf macht eine stumpfe, schwerere Linie als die Feder, die Rembrandt auch in dieser Landschaftszeichnung für die filigranen Linienarbeiten in den Gebäuden verwendete. Die fließenden Drehbewegungen des Schilfrohrs, die besonders im Baum zu spüren sind und bei denen der Künstler im linken Vordergrund auf das Grabenufer hinweist, bilden einen kraftvollen rhythmischen Kontrapunkt zur ruhigen Horizontalität der Landschaft.
Malanleitungen - Christus mit seinen Jüngern
Mitte der 1650er Jahre war der Rohrfederhalter Rembrandts bevorzugtes Zeicheninstrument (wie es auch für Van Gogh der Fall sein würde). Christus mit seinen Jüngern und der blutenden Frau (Ende der 1650er Jahre, aus der Albertina) ist eine Federzeichnung, die Rembrandts Kurzschriftstil in seiner letzten Phase zeigt. Im Gegensatz zu seinen Landschaften der mittleren Periode, in denen es ihm darum ging, ein Gefühl der räumlichen Rezession und Atmosphäre zu erzeugen, ignorierte er in seinen späteren Zeichnungen räumliche Effekte zugunsten einer klassischen Monumentalität aus einfachen tektonischen Formen.
Handlung. Das Thema dieser Zeichnung ist eines der Wunder Christi, wie in Lukas 8: 40 beschrieben - die Heilung der blutenden Frau. Sie geht heimlich in einer Menschenmenge auf Christus zu und berührt sein Gewand, wodurch die Blutung sofort gestoppt wird. Als Jesus dies bemerkt, fällt sie zu Boden und erzählt ihm, was sie getan hat. Christus sagt ihr dann, dass ihr Glaube sie geheilt hat.
Rembrandt hat beschlossen, den emotionalen Höhepunkt der Geschichte darzustellen. Die Szene wird wie auf einer Bühne oder als skulpturales Relief dargestellt. Die stehenden Figuren bilden einen Fries, deren Köpfe im Allgemeinen auf gleicher Höhe liegen, während sich der Kopf der niedergeworfenen Frau unten befindet, auf einer Höhe mit zwei undeutlichen Ovalen (Köpfen?) Unten rechts. Die Figuren sind bloße Gestenzeichnungen - jede wurde wahrscheinlich in einer Minute oder weniger gezeichnet. Und doch sind die formale Einheit der Komposition sowie die Vielfalt der Ausdrucksformen - die Skepsis, Neugierde und der Schock der Jünger, das Mitgefühl Christi, die tiefe Demut der Frau - erstaunlich.
Realisieren. Rembrandts grafische Kunst war fest in der Zeichnung aus dem Leben verankert. Wenn er also, wie in dieser Zeichnung, seinen Kurzschriftstil verwendet, um seiner Vorstellungskraft "Diktate" zu entlocken, hat das Ergebnis Natürlichkeit und Unmittelbarkeit, als ob Rembrandt selbst Zeuge der Szene gewesen wäre. Mit 50 hatte der Künstler den Höhepunkt seiner Kräfte erreicht: Er hatte eine nahezu perfekte Integration und Durchdringung von handwerklicher Disziplin, künstlerischer Intelligenz, emotionaler Einsicht und spiritueller Erleuchtung erreicht.
Für Rembrandt waren die Geschichten in der Bibel so real und überzeugend wie alles, was er mit seinen Augen sehen konnte, weshalb er so viel von seinem Genie und seiner körperlichen Energie darauf verwendet hat, sie durch seine Kunst „real“zu machen: so dass andere, deren Glaube und Vorstellungskraft waren schwach, konnten ihre unverminderte Relevanz erfahren.
Die Kosten des Genies. Seit Jahrhunderten haben Schriftsteller in Rembrandts Geschichte viel von der Ironie gemacht: Je näher er der vollständigen Integration seiner Persönlichkeit in seine Kunst kam, desto geringer sank sein Bestand in der Welt. Er war ein berühmter Bankrott geworden, und Kritiker hielten ihn für ein Beispiel dafür, wie man nicht malt und zeichnet.
Am störendsten für diejenigen, die das klassische Ideal liebten, war Rembrandts Vernachlässigung der linearen und plastischen Klarheit. Joachim von Sandrart, der den Meister persönlich kannte und im Großen und Ganzen ein sympathischer Biograf war, schrieb, dass Rembrandt „nicht zögerte, sich unseren Regeln der Kunst wie Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers, Perspektive und Nützlichkeit der Klassik zu widersetzen und zu widersprechen Statuen, Raffaels Zeichnungen und eine kluge Bilddisposition sowie die Akademien, die für unsere Berufe so wichtig sind. “
Die Ironie bestand darin, dass Rembrandt all diese Regeln verstand und die meisten von ihnen zu der einen oder anderen Zeit anwendete. Seine Zeitgenossen konnten nicht schätzen, was er mit ihnen tat.
Malanleitungen - Das letzte Selbstporträt
Nach einem Jahrhundert der Unkonventionalität in der Kunst, nach mehr als 100 Jahren Rebellion und dem Umkippen von Regeln glauben wir, Rembrandt besser zu verstehen als seine Zeitgenossen. Ein Blick auf eine von Rembrandts seltenen Selbstporträtzeichnungen - das letzte, Selbstporträt in einem Barett, um 1660 - lässt jedoch ein Wunder aufkommen.
Zeichnen wie malen. Das Werk zeichnet sich durch eine ungewöhnliche malerische Behandlung aus - die Waschungen enthalten eine undurchsichtige Körperfarbe - und verleiht ihm eine dichte, neblige Atmosphäre, durch die der Blick des Künstlers wie ein Scheinwerfer schneidet. Der Effekt, den dies hervorruft, ist buchstäblich „erhaben“: Erweckung von Ehrfurcht und für jeden, der jemals einen Bleistift in der vagen Hoffnung, Künstler zu werden, Terror. Würde ein solches Werk heute in einer unserer Ausstellungen zum Thema „gute“Zeichnung mit einem Preis ausgezeichnet?
Letzte Gedanken über den unglaublich modernen alten Meister
Das letzte Wort gehört dem Kunsthistoriker Jakob Rosenberg, der im folgenden langen Abschnitt das Paradox von Rembrandts offensichtlicher Moderne und seiner tiefen Abgeschiedenheit von der Welt, die der Modernismus geschaffen hat, anspricht.
„Ein verständnisvoller Interpret der reifen Kunst Rembrandts zu seiner Zeit hätte sich der schwierigen Aufgabe gestellt, zu beweisen, dass hier auch eine Philosophie impliziert war, die mit der des Klassizismus konkurrieren konnte, aber eine ganz andere künstlerische Form erforderte. Diese Philosophie stellt die Wahrheit vor die Schönheit. Aber es war nicht nur die offensichtliche, visuelle Wahrheit der physischen Welt, sondern auch, sie durchdringend und konditionierend, die spirituelle Wahrheit, die ihre Wurzeln in der Bibel hatte.
„Rembrandt hat sich mit Mensch und Natur auseinandergesetzt. Beide bleiben in seiner Auffassung von der Höchsten Kraft abhängig, die sie ins Leben gerufen hat. Daher sind auch seine Landschaften keine autarken Naturstücke, die von ihrer Quelle getrennt sind und sich in ihrer eigenen Schönheit ausruhen, wie zum Beispiel die klassische Ansicht von Delft von Jan Vermeer. Sie sind mit dem kreativen Prozess allen irdischen Lebens verbunden und unterliegen dynamischen Veränderungen. Für ihn gibt es kein Nature Morte. In seinen Stillleben werden tote Pfauen mit lebenden Personen kombiniert. Rembrandt ist nicht gewillt, irgendetwas vom kontinuierlichen Strom der Schöpfung abzuschneiden - sogar einen Kadaver, wie wir in seinem geschlachteten Ochsen gesehen haben.
„In seinen Figurenthemen gibt es nie eine inszenierte Anordnung von statischer Endgültigkeit, wie sie Poussin mit großer Würde und Schönheit anbietet. Rembrandts Menschen stehen, eingehüllt in ihre eigenen Gedanken, in Kommunikation, nicht mit der Außenwelt wie die von Rubens, Van Dyck oder Frans Hals, sondern mit etwas in sich, das gleichzeitig über sich hinausführt. Eine introvertierte Haltung bedeutet daher bei Rembrandt die Suche nach der geistigen Kraft im Menschen, die sein Leben, seinen Ursprung und seinen Verlauf bestimmt. Der Mensch denkt sozusagen über seinen Zustand der Abhängigkeit nach und akzeptiert ihn in Demut.
„Auch die Natur ist in diesem Zustand der Abhängigkeit, aber ohne es zu wissen. Dies versetzt den Menschen in eine höhere Position und macht ihn zum würdigsten Thema für den Maler. Rembrandt stimmt hier mit Pascals 'toute notre dignite consiste en la pensee' überein: [Alle unsere Würde besteht in der (Kraft des) Denkens.] “
Shah Jahan 1656–1661, Feder und braune Tinte, Pinsel und braune Waschung auf hellbraunem Japanpapier, auf beige Bütten aufgelegt, 8 15/16 x 6 11/16. Sammlung Das Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio.
