Wie Man Zeichnet

Lerne zeichnen und du wirst nie mehr derselbe sein

Große Künstler wissen, dass sie es sich niemals leisten können, ihre Zeichentechniken hinter sich zu lassen, wenn sie hoffen, ihre Arbeit weiter zu entwickeln und zu verfeinern. Dies gilt für Illustratoren, Architekten, Maler, Bildhauer, Designer und sogar Tätowierer! Zeichnen ist das Rückgrat der Kunst. Künstler können nicht nur sehen, sondern auch aufzeichnen, was sie in Linien und Schattierungen, Konturen und Gesten sehen.

Das Spannendste am Zeichnenlernen ist, dass es so viele Möglichkeiten zur Verfolgung gibt. Ein Künstler kann an einem Zeichnungsprogramm teilnehmen, das speziell auf das Zeichnen aus dem Leben zugeschnitten ist und schnelle Studien und längere Sitzungen durchführt, um die Bewegung und Geste eines Live-Modells festzuhalten. Oder man kann das Zeichnen als persönliches Studium betreiben, Papier und Kugelschreiber (oder Bleistift) aufnehmen und in die Welt hinausgehen, um einfach zu skizzieren. Sie können lernen, wie man mit verschiedenen Medien wie Graphit oder Bleistift, Kohle, Pastell, Feder und Tinte und vielem mehr zeichnet.

Wenn ein Künstler jedoch die Hoffnung hat, jedes Mal, wenn er einen Stift auf Papier legt, realistische Objekte und Figuren zeichnen zu können, gibt es Zeichentechniken, auf die man sich konzentrieren muss. Das Wichtigste sind Beobachtung und Hand-Auge-Koordination, damit wir das Auge darin schulen, das, was wir sehen, so zu interpretieren, dass es beim Zeichnen Sinn macht, unabhängig davon, um welches Thema es sich handelt. Dann kann ein Künstler lernen, wie man Figuren und ihre Handlungen und Posen zeichnet. Es folgen Kurse zum Zeichnen von Leben sowie das häufige Zeichnen in einem Skizzenbuch. Dies ist das Leben der Zeichenkünstler - sie greifen täglich auf das Zeichnen zurück und nutzen es. Es ist eine Verpflichtung, aber die Belohnungen lernen, wie man etwas zeichnet!

Wie zeichnet man ein tolles Gemälde

„Einer der Hauptgründe, warum Maler in Schwierigkeiten geraten, ist, dass ihre Bilder keine solide Grundlage für genaue und ausdrucksstarke Zeichnungen haben“, sagt der New Yorker Künstler Jon DeMartin.

„Das Zeichnen ist ein wesentlicher Bestandteil des Bildherstellungsprozesses“, sagt DeMartin. „Es bietet die Möglichkeit, Variationen des Themas zu erkunden. Ein Künstler könnte von einer Idee begeistert sein und sich ohne angemessene Vorbereitung auf das Bild stürzen, nur um - oft viel zu spät - festzustellen, dass die Idee nicht während des gesamten Prozesses aufrechterhalten werden kann. Indem sich ein Künstler die Zeit nimmt, vorbereitende Zeichnungen anzufertigen, kann er die Ideen sorgfältig prüfen und destillieren und so bessere kreative Entscheidungen treffen. “

Das Beste an DeMartins Zeichenworkshops ist, dass sie den Schülern verschiedene Ansätze für das figurative Zeichnen vermitteln, die jeweils bei bestimmten Aspekten des Bildermachens hilfreich sein können. Zum Beispiel lassen er die Schüler jeden Tag mit schnellen Gestenzeichnungen beginnen, die die spontanen, linearen Aspekte der Aufzeichnung einer aktiven Pose in einer Strichzeichnung betonen.

„Bei kurzen Posen von einer bis 45 Minuten geht es eher um Linien und Gesten, und bei langen Posen (eine Stunde oder länger) geht es um Form und Volumen“, erklärt er. „Aus zeitlichen Gründen ist es schwierig, eine umfassende Modellierung mit Werten durchzuführen. Je mehr Möglichkeiten ich habe, das Volumen von Linien zu bestimmen, desto besser.“Wenn Künstler stunden- oder tagelang mit derselben Pose arbeiten, werden ihre Zeichnungen zu Analysen von Werten Formen, die sich vom Licht zum Schatten drehen.

„Beide Ansätze zum Zeichnen der Figur können für Maler von Vorteil sein, aber auch zu eigenen Problemen führen“, sagt DeMartin. „Künstler, die nur kurze Gestenzeichnungen machen, produzieren oft stilisierte Bilder, die eher formelhaft als ehrlich auf einzelne Modelle reagieren. Umgekehrt führen Künstler, die nur monatelange Zeichnungen anfertigen, häufig zu mechanisch genauen Beobachtungen, denen der emotionale Inhalt fehlt. Durch die Kombination der beiden Ansätze hat der Künstler eine bessere Chance, sowohl schnelle Bewertungen der Art und Weise, wie sich Figuren im Raum bewegen, als auch genaue Beobachtungen vorzunehmen, die die Essenz der gezeichneten Person hervorrufen. “

DeMartin empfiehlt, dass Künstler beim Erstellen dieser beiden Arten von Zeichnungen unterschiedliche Zeichenmaterialien verwenden, jedoch dieselbe Haltung einnehmen. "Das Zeichnen sollte aus einer stehenden Position mit ausgestrecktem Arm erfolgen, damit die Bewegung nicht nur vom Handgelenk, sondern von der Schulter ausgeht", erklärt er. "Künstler sollten in der Lage sein, sowohl die Zeichenfläche als auch das Modell in ihrem Sichtfeld zu sehen."

DeMartin erklärt, dass es nicht nur einen empfohlenen Ansatz zum Zeichnen oder Malen gibt. Für die Künstler ist es von entscheidender Bedeutung, dass ein gewisses Maß an Zeichnung bei der Auswahl der Bildelemente, der Festlegung der Linien- und Wertekomposition und der Lösung potenzieller Probleme hilfreich ist.

Quelle: Nach einem Artikel von Steve Doherty

Zeichentechniken: Linie und Schatten

Hier sind ein paar Tipps vom Künstler und Ausbilder Jon DeMartin, wenn Sie lernen, mit Linien und Konturen oder Schatten und Tönen zu zeichnen.

Line: Das Hauptziel bei der Erstellung schneller Skizzen ist die Erfassung rhythmischer Aktionen. Finden Sie die Aktion vor den Konturen, denn ohne diesen Bewegungssinn verliert die Zeichnung ihren rhythmischen Fluss. Wenn die Zeit es zulässt, führen Sie die Struktur schrittweise ein, indem Sie die Ausrichtung von Kopf, Brustkorb und Becken im Raum mithilfe vertikaler und horizontaler Mittellinien definieren. Der Fokus liegt mehr auf dem Skelett des Körpers als auf den Muskeln.

Schatten: Schatten leiten den Künstler beim Vergleichen der anderen Werte, die sich im Licht befinden. Setzen Sie diese also an die erste Stelle. Erstellen Sie einen flachen Wert für die Lichter (das Weiß des Papiers) und einen flachen Wert für die Schatten mit schraffierten Linien, die einen hellen Ton ergeben. Wert ist kein Problem, nur die grafische Interpretation des Schattenmusters. Es ist wichtig zu erkennen, welche Formen sich im Schatten befinden und welche nicht, da Künstler dunkle Werte im Licht oft mit Schatten verwechseln.

Linie: Linien, die die Merkmale beschreiben, können die Körperteile kreuzen, da sie den Fluss der Formen und die Beziehung einer Form zur anderen betonen. Wenn zum Beispiel ein Arm den Körper überquert, sollte der Künstler zuerst die durchgehenden Linien des Körpers zeichnen und dann den Arm über diesen Körperteil ziehen. Der Punkt ist, die Aktion und Kontur zu erfassen und die Feinheiten später kommen zu lassen.

Schatten: Um zu lernen, wie man Schatten zeichnet oder entwickelt, muss man additiv arbeiten und Schichten von Holzkohle aufbauen. Reiben Sie zuerst eine gleichmäßige, flache Masse an Schatten ein und schmelzen Sie die Schatten dann mit einem Holzkohlenstumpf in das Papier. Dies dient als schöne Gegenüberstellung zu den Werten im Licht, die spontaner mit Schraffur gezeichnet werden. Bei längeren Posen wird die dreidimensionale Illusion der Zeichnung hauptsächlich durch Hell- und Dunkelwerte ausgedrückt. Die Ebenen auf dem Formular, die sich von der Lichtquelle abwenden, werden dunkler, wenn sie sich der Schattenlinie nähern. Dies sind die Wertabstufungen auf der Form, die die Illusion der Rundheit vermitteln. Je runder die Form ist, desto mehr verteilen sich die Abstufungen.

Quelle: Nach einem Artikel von Steve Doherty über Jon DeMartins Zeichentechniken.

Kanten zeichnen lernen

Konturlinien sind eine nützliche Lüge, mit der ein Zeichner den Rand eines Formulars in einer Linienzeichnung angibt. In Wahrheit sehen wir keine Linie, die den Rand eines Gesichts markiert, sondern nur, wo sich die Form von der Ansicht weg krümmt. Das Zeichnen einer durchgezogenen Linie am Rand von Elementen deutet auf Formen und nicht auf Formen hin - ein Zeichner muss darauf achten, dass die anderen Ebenen vom Standpunkt des Betrachters aus nicht sichtbar sind. Darüber hinaus kann die Konzentration auf die Konturlinien einen Künstler von der wichtigen Aufgabe ablenken, die Geste des Modells darzustellen, die normalerweise vom Inneren einer Figur ausstrahlt. Aus diesem und anderen praktischen Gründen ist der Umgang eines Künstlers mit Kanten von großer Bedeutung, wenn eine Zeichnung überzeugen soll.

Kurven sind schwer genau zu rendern. Viele Zeichenlehrer empfehlen, nur gerade Linien für Kanten zu verwenden und diese später bei Bedarf in Kurven zu glätten. Wenn Sie glauben, dass dies eine Anfängerkrücke ist, sollten Sie überlegen, wie Rubens, ein Zeichnungsmeister, diese Methode angewendet hat.

Kanten machen einen großen Teil der Arbeit darin, Tiefe vorzuschlagen. Eine dicke Linie bringt die Form nach vorne und eine leichte, dünne Linie kann auf eine Ebene hinweisen, die in den Hintergrund tritt. Kanten sind aber nicht nur Linien. Bei mehr tonalen Stücken erzeugen ein härterer Rand und ein deutlicher Kontrast zwischen den Ebenen eine Form, die dem Betrachter näher ist als eine mit einem weicheren, helleren Aussehen. Dies ist für Schlagschatten von entscheidender Bedeutung - ein Schatten ist an der Stelle am schärfsten, an der er das Objekt berührt, und er diffundiert, wenn sich der Schatten vom Objekt weg verlängert. In seiner Zeichnung Men Walking in a Field ließ Seurat die nähere Figur in der Bildebene vorrücken, indem er den Kontrast zwischen dunkleren und helleren Ebenen erhöhte und härtere Kanten für diese Figur verwendete.

Jack Faragasso betont in seinem Buch Mastering Drawing the Human Figure From Life, Memory, Imagination, dass man sich immer bewusst sein sollte, dass die wichtigsten Kanten diejenigen sind, die helle und dunkle Muster anzeigen. Er verwendet als Beispiel die dicken, gekräuselten Kragen, die häufig in Rembrandts Gemälden vorkommen - die wichtigen Kanten in solchen Kragen sind nicht die einzelnen Drehungen und Falten, sondern die Schattenkante, wenn sich der Kragen ins Licht bewegt. Wenn Sie diese Linie effektiv darstellen, kann der Halskrause mehr überzeugen als hundert detaillierte Linien.

Positionieren der Zeichnung auf der Seite

Sie können das Motiv Ihrer Strich- oder Konturzeichnung immer genau in die Mitte der Seite legen. Es macht eine starke Aussage und drückt in einigen Fällen am deutlichsten aus, wie der Betrachter das Stück erleben soll. Wenn Sie das Thema jedoch an einer anderen Stelle in der Komposition platzieren, kann der Hintergrund für Sie arbeiten und faszinierende Spannungen erzeugen, Erzählungen vorschlagen und den Blick auf subtilere Weise zum Brennpunkt lenken.

Der französische Begriff "mise en page" (wörtlich übersetzt "Plazierung auf Seite") wird manchmal in Bezug auf dieses Konzept verwendet, aber die Idee hat ihre Wurzeln in viel früherer Geschichte - es wird allgemein angenommen, dass die Betrachtung dieses Aspekts der Komposition durch Künstler ihren Ursprung hat in der Renaissance. Bis zum Zeitalter Watteaus war seine Bedeutung für die Herangehensweise eines Künstlers fest verankert, und heute ist es fast unvorstellbar, dass ein arbeitender Künstler seine sorgfältige Behandlung vernachlässigt.

Unsere natürliche Tendenz ist es, das Thema in den Mittelpunkt der Komposition zu stellen und ihm die Aufmerksamkeit zu schenken, die es in der Mitte unserer „Bühne“verdient, aber dies spiegelt nicht genau wider, wie wir normalerweise die Welt sehen. Wenn wir unserem Thema nicht sehr nahe stehen, erreichen uns in unserer peripheren Sicht viele Informationen. Wir erleben alles im Kontext und dieser Kontext beeinflusst, wie wir den Brennpunkt interpretieren. Als Zeichner müssen wir das bekämpfen, was sich automatisch anfühlt, und die gesamte Szene wirklich beobachten, um die Tableaus genau zu beschreiben.

Periklis Pagratis, der Vorsitzende des Grundstudiums am Savannah College of Art and Design, lehrt seine Studenten, Grundlagen des Zeichnens und darüber hinaus, einschließlich der Idee, dass sie beim Entwerfen einer Komposition das Thema als Medusas Kopf betrachten sollten - betrachten Sie es nicht direkt oder du wirst zu Stein werden (oder deine Zeichnung wird es zumindest tun). Der negative Raum um das Motiv sollte eine wesentliche Rolle in Ihrer Komposition spielen. Es wird genügend Zeit geben, um das Thema selbst genau zu betrachten, wenn es gerendert werden soll.