6 Möglichkeiten, Ihre Leidenschaft Zu Befreien

Ich sprach mit Calvin Goodman, dem Autor des Art Marketing Handbook (Gee Tee Bee Publications, Los Angeles, Kalifornien), kurz nachdem ich meinen Blogbeitrag über die Erfassung einer Ähnlichkeit in der Porträtmalerei beendet hatte. Er ermutigte mich, darauf hinzuweisen, dass die meisten Künstler ihren Sinn für Leidenschaft für die Menschen, deren Bilder sie malen, nicht vermitteln. "Es gibt zu viele steife Kopien von Fotografien", sagte er. „Die Bilder sind lediglich mechanische Aufzeichnungen von dem, was die Kamera aufgenommen hat. Ihnen fehlt ein Gespür für die Gefühle des Subjekts oder die Leidenschaft des Künstlers. “

Calvin und ich haben ein bisschen mehr darüber gesprochen, was es für Künstler wirklich bedeutet, einer Landschaft, einem Stillleben oder einem Porträt ihre persönliche, emotionale und einzigartige Reaktion hinzuzufügen. Oft kommt es im individuellen Umgang mit Pastellen, Ölen, Aquarellen oder Zeichenmaterialien zum Ausdruck; Meistens wird dies jedoch durch die verschiedenen Entscheidungen der Künstler in Bezug auf die von ihnen ausgewählten Themen und die Art und Weise, wie sie die Betrachter in die Erkundung dieser Themen einbeziehen, vermittelt. Andrew Wyeth drückte seine Gefühle aus, indem er spärliche Winterlandschaften malte, in denen nachdenkliche Gestalten allein auftauchen, während John Singer Sargent seine Reaktion auf das Goldene Zeitalter mit gestischen Darstellungen elegant gekleideter Adliger festhielt. Wenn wir uns die Bilder dieser Künstler ansehen, spüren wir, was in ihren Herzen und Gedanken gewesen sein muss.

Es ist nicht immer leicht zu sagen, warum ein Künstler seine Leidenschaft vermitteln kann und ein anderer nicht. Es ist einer dieser Fälle, in denen Sie möglicherweise nicht definieren können, warum etwas passiert, aber Sie wissen es, wenn Sie es sehen. Ich denke jedoch, dass es Möglichkeiten gibt, wie Künstler die Wahrscheinlichkeit erhöhen können, dass ihre Zeichnungen und Gemälde ihre Leidenschaft zum Ausdruck bringen. Hier sind ein paar Vorschläge, die mir eingefallen sind. Ich würde es begrüßen, wenn Sie einige Ihrer eigenen hinzufügen würden.

1. Malen Sie, was Sie wissen. Dies ist ein häufiger Ratschlag von Künstlern, die in American Artist profiliert sind. Der Vorschlag ist, dass Sie, wenn Sie mit dem Zeichnen oder Malen eines Themas beginnen, zu dem Sie eine starke Bindung haben - ein geschätztes Objekt, ein Familienmitglied, die Sicht aus Ihrem Fenster -, mit größerer Wahrscheinlichkeit aufzeichnen, was Sie über dieses Thema denken.
2. Erinnere dich an deine Ziele. Viele der im Workshop-Magazin vorgestellten Dozenten bitten die Schüler, aufzuschreiben, warum sie sich entschieden haben, ein bestimmtes Thema zu malen, und sich während des gesamten Zeichen- oder Malprozesses auf diese Notiz zu beziehen. Wenn ein Künstler beispielsweise eine Notiz über das in einer Kristallschale reflektierte schimmernde Licht macht, kann der Künstler von seinem Gemälde zurücktreten und fragen, ob dieses schimmernde Licht noch immer das hervorstechendste Element im Bild ist oder nicht. Ist dies nicht der Fall, weiß der Künstler, dass es Zeit ist, Änderungen an Farben, Formen oder Werten vorzunehmen.
3. Legen Sie das Referenzmaterial beiseite. Zeichnungsmagazin zeigt oft Künstler, die ihre Fantasie erforschen, wenn sie Kohle-, Tusche- oder Conté-Zeichnungen von Tieren, Menschen oder imaginären Orten erstellen. Sie legen Referenzfotos, vorbereitende Skizzen und Kompositionsstudien beiseite und ermöglichen es ihren Gedanken und Händen, sich frei von einer Marke auf dem Papier zur nächsten zu bewegen. Am Ende wird das Bild eine leidenschaftliche Mischung aus dem, was sie wissen und was sie träumen.
4. Malen Sie weiter durch die Herausforderungen. Künstler, die im Aquarellmagazin vorgestellt wurden, identifizieren häufig einen Punkt im kreativen Prozess, an dem sie denken, dass alles schief läuft. Das liegt oft daran, dass die einzelnen transparenten Farbschichten bis zur letzten Stufe des Malprozesses nicht gut zusammenzuarbeiten scheinen. Der Ratschlag, den diese Künstler häufig geben, ist, die Herausforderungen und Unsicherheiten zu meistern, anstatt aufzugeben. "Genießen Sie jeden Teil des Prozesses und machen Sie sich keine Sorgen, wenn Sie ein vorgefasstes Bild im fertigen Gemälde realisieren", sagte ein erfahrener Künstler. "Selbst wenn Sie das Gemälde zerstören, haben Sie etwas Wertvolles gelernt, um es für die nächste Anstrengung anzuwenden."
5. Lassen Sie einige Bereiche geheimnisvoll. Eines der Dinge, die ich an Gemälden von Richard Schmid, Daniel Gerhartz, Dawn Whitelaw und Susan Lyon bewundere, sind die Bereiche, die nur lose abgegrenzt bleiben. Das heißt, der Raum, der ein dicht gerendertes Gesicht oder eine Platte umgibt, ist mit breiten, gestischen, kühnen Malstrichen und freigelegten Bereichen der Leinwand gefüllt, die darauf hindeuten, was sich möglicherweise dort befindet. Ich spüre die Energie und Aufregung der Pinselstriche, während ich mir vorstelle, was in diesem Abschnitt des Stilllebens oder Porträts vor sich gehen könnte. Dieses Gefühl des Mysteriums regt eine emotionale Reaktion an, die mit der Leidenschaft in Verbindung steht, mit der das Bild entwickelt wurde.
6. Malen Sie das gleiche Motiv erneut. Eine der besten Übungen, die in einem Artikel des Workshop-Magazins vorgestellt wurde, war, dasselbe Thema ein zweites Mal zu malen. Der Ausbilder sagte, dass die Teilnehmer, nachdem sie die prozeduralen Aspekte des Malens einer Figur oder Landschaft - Zeichnung, Kompositionsanordnung, Farbmischungen usw. - gelöst hatten, nicht mehr so ​​viel über diese Themen nachdenken mussten und sich in die Handlung vertiefen konnten der Malerei. Es war faszinierend, die beiden Bemühungen zu vergleichen, und alle Künstler des Workshops wussten, dass ihr zweites Gemälde ihre Gefühle für das Thema besser zum Ausdruck brachte.