Stillleben-Malerei
Das Genre der Stilllebenmalerei ist so vielfältig wie seine Geschichte lang ist. Von den Zeiten der Ägypter, als an Grabwänden Gemälde mit Lebensmitteln und Wertsachen abgebildet waren, über Bodenmosaike und Wandgemälde von Pompeji bis hin zu Kunstwerken der Hochrenaissance und zeitgenössischer Stilllebenmalerei von heute, war das Genre immer eines, an das sich die Künstler gewandt haben wieder und wieder.
Ebenso vielfältig sind Objekte, auf die Stilllebenmaler abzielen, von Gegenständen der Natur bis hin zu von Menschenhand gefertigten Gegenständen. Durch sie artikulieren Stillleben-Kunstkompositionen Vorstellungen über Luxus und Exzesse, religiöse Symbolik, persönliche sowie allegorische Erkundungen und universelle menschliche Reflexionen über Leben und Tod.
Die Kunstpraxis des Stilllebens ist eine, der sich Künstler im Laufe der Jahrhunderte verschrieben haben, weil alle wesentlichen Aspekte der Kunst erforscht werden können, einschließlich Farbe, Form, Komposition und Licht. Künstler können in diesem einzigartigen Genre nach Antworten suchen, die Maler immer wieder suchen.
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Stillleben-Ölgemälde-Demo
Ismael Checo verwendet satte Farben, um ein exotisches und intensives Erlebnis der Welt zu schaffen. Hier präsentieren wir eine exklusive Stillleben-Online-Malvorführung als Beispiel für seine Ölmaltechnik.
Checos Materialien
Palette
Ölfarben verschiedener Hersteller, darunter Holbein, Winsor & Newton und Gamblin
Bürsten
Borsten- und Zobelbürsten verschiedener Hersteller
Unterstützung
Meistens blei-grundiertes Leinen und gelegentlich eine Platte aus MDF-Platte, grundiert mit Acryl-Gesso von Liquitex
Mittel
Eine Mischung aus Öl und Terpentin
Lack
Als Endlack Rembrandt-Kunstlack von Talens
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| Schritt 1
Der Künstler zeichnet zunächst mit einer Waschung aus Ultramarinblau, gebrannter Siena und Flockenweiß. Die Schatten werden eingewaschen, um ein einfaches Grisaille-Rendering des Motivs zu erzeugen, das in die einfachsten und klarsten Formen gebracht wird. |
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| Schritt 2
Mit einem Borstenpinsel trägt der Künstler Farbe in breiten Strichen auf, um die wichtigsten Beziehungen in der Komposition herzustellen. |
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Schritt 3
Der Künstler arbeitet langsam und achtet genau auf den Farbeindruck an jedem Punkt des Bildes. Er gibt einfache, klare Aussagen ab, indem er jeweils eine Farbe mischt und platziert. Der Künstler neigt dazu, die Sättigung der Farbe leicht zu übertreiben, mit dem Verständnis, dass er später zurückgehen und bei Bedarf Grau hinzufügen kann. Obwohl der Künstler etwas mit dem Pinsel mischt und wischt, achtet er darauf, das Bild nicht zu überarbeiten. |
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Schritt 4
In einigen Fällen wird der Künstler gegen Ende des Gemäldes zu einem Zobelpinsel wechseln, um ein feineres und höher gerendertes fertiges Werk zu erzielen. Das fertige Gemälde: Stilllebendemonstration 2003, 10 x 15½. Sammlung des Künstlers. |
Den Stillleben-Kunststandard setzen
Die niederländische Stilllebenmalerei setzte im 17. Jahrhundert Maßstäbe für Virtuosität außerhalb dieser Welt, und ich werde nie über die ungewöhnliche Mischung von Gegenständen hinwegkommen, die diese Künstler darstellten: Lebensmittel aller Art, poliertes Besteck und glänzendes Glas, bestickte und stark bearbeitete Tischdecken und jede Menge Blumen.
Was ich manchmal vergesse, war, wie symbolisch all diese Objekte für das Publikum waren, das vor all den Jahren die Gelegenheit hatte, sie anzusehen. Interessant ist auch, dass Künstler sich oft bewusst für die Darstellung von Gegenständen entschieden haben, die eine Herausforderung für das Malen darstellen könnten, um ihre Malfähigkeiten zu demonstrieren.
All diese Symbolik und der Wunsch, sich zu präsentieren, führten zu einer Vielzahl von Gemälden, die übertrieben und etwas unwirklich wirken. Nehmen Sie zum Beispiel Blumenstilllebenmalerei. Das Malen von Blumen war ein beliebter Schwerpunkt im goldenen Zeitalter der niederländischen Malerei. Symbolisch interessierten sich Künstler und Betrachter für die Natur der Existenz einer Blume - von frisch geschnitten und blühend bis verwelkt und sterbend - aufgrund der implizierten „moralischen“Lehre hinter dem Werk, nämlich dass das Leben flüchtig und der Tod eine Gewissheit ist.
Frische Blumen auf einem Gemälde waren aber auch ein Zeichen für höchsten Luxus. Während des 17. Jahrhunderts war es selbst in den reichsten Haushalten so gut wie unbekannt, einen Blumenstrauß zu haben. Tatsächlich wurden in den meisten niederländischen Häusern Blumen nicht so ausgestellt, wie wir es gewohnt sind. Stattdessen wurden die Blüten einzeln in kleinen Vasen oder Tulpenhaltern ausgestellt, die speziell für die Aufnahme relativ weniger Blumen ausgelegt waren.
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Mit dieser Art von auffälliger Blumenmalerei, die unglaubliche Blumensträuße darstellte, die die meisten Betrachter nie persönlich sehen oder in ihren Häusern haben wollten, erreichten die Künstler zwei Dinge: Zum einen wiesen sie auf die Kunstfertigkeit solcher Displays hin, um an das Leben zu erinnern Es geht nicht nur um Luxus, und es ist eine Verschwendung, solche Dinge zu lagern. Aber sie untergruben auch genau diese Botschaft - indem sie so schöne Blumensträuße präsentierten, verführten sie den Betrachter in die Versuchung, das Gemälde zu kaufen, und vermittelten im Wesentlichen die Idee, dass man im wirklichen Leben keinen solchen Luxus haben kann, aber dieses Gemälde wird ihn geben für dich und die Blumen in diesem Gemälde werden niemals sterben.
Die Tradition der niederländischen Malerei weiterzuentwickeln und Teil dieses faszinierenden Stii-Genres zu sein, bedeutet für uns, die Motivation für die Kunst und die technische Ausführung zu verstehen, die erforderlich waren, um zu diesen erstaunlichen Endarbeiten zu gelangen und auf das Bild hinzuarbeiten Grundlage müssen wir unsere eigenen künstlerischen goldenen Zeiten haben.
Schwerpunkte beim Malen von Stillleben
Die Entscheidung, wo die Elemente in einem Gemälde platziert werden sollen, kann schwierig sein, aber die Entscheidungen sind entscheidend für die Schaffung eines erfolgreichen Stilllebens. Wenn eine Komposition gut gemacht ist, bleibt sie möglicherweise unbemerkt. Ein schlecht komponiertes Stück fällt dem Betrachter jedoch sofort unangenehm ins Auge. Das Ziel einer Stillleben-Komposition ist es, den Blick des Betrachters durch ein Gemälde zu lenken und ihn zu dem zu führen, was der Künstler für wichtig hält. Obwohl es keinen einheitlichen Weg gibt, dies zu tun, gibt es bestimmte Geräte, die eingesetzt werden können, um den Blick des Betrachters auf einen Punkt von Interesse zu lenken und die Illusion von Objekten zu erzeugen, die im materiellen Raum existieren.
Viele anfängliche Maler tendieren dazu, ihre Energie dem genauen Zeichnen und Malen von Objekten zu widmen, und finden es schwierig, eine starke Komposition zu schaffen. „Es ist leicht, von allen Möglichkeiten überwältigt zu werden“, sagt der Künstlerlehrer James Sulkowski, der Plein-Air-Workshops unterrichtet, um den Schülern zu helfen, die Angst vor Entscheidungen zu überwinden. Einige Künstlerlehrer schlagen vor, einen Sucher zu verwenden, den viele Künstler verwenden, wenn sie mit einer großen Szene konfrontiert werden. Man kann einen Sucher in jedem Kunstfachgeschäft kaufen oder einen einfachen aus Pappe herstellen. Unabhängig vom Material dient es demselben Zweck: Ein Sucher ermöglicht es einem Künstler, die Schlüsselelemente einer Szene zu isolieren und mehrere Kompositionen zu betrachten, bevor eine auf Papier gebracht wird.
Bei einer großen Szene ist es hilfreich, mehrere Fragen zu stellen. Warum möchte ich diese Szene malen? Was hat mich anfangs angezogen? Welche Inhalte werden benötigt, um den Betrachter anzulocken und ihm das zu vermitteln, was ich fühle? Wenn diese Fragen beantwortet werden, wird klar, dass eine bestimmte Szene nicht in Stein gemeißelt ist. Ein Künstler kann die Szene an die Emotionen oder Botschaften anpassen, die er dem Betrachter mitteilen möchte. Ein Stillleben-Porträt soll die Fantasie anregen und die Sinne anregen; es sollte ein Bild sein, das gemalt oder gezeichnet werden soll. Wenn ein bestimmter Bereich oder ein bestimmtes Bild nicht ansprechend ist, wechseln Sie den Standort oder wählen Sie ein anderes Motiv aus. Oder man kann eine Szene eng zuschneiden und sich auf winzige Details konzentrieren, die in einer großen Szene häufig unbemerkt bleiben.
Sulkowski empfiehlt den Schülern, den Schwerpunkt zu bestimmen, bevor sie den Pinsel auf die Leinwand auftragen. „Unabhängig von den Umständen muss ein Künstler den Brennpunkt seines Gemäldes identifizieren und dann den Malprozess so strukturieren, dass der Betrachter das Zentrum des Interesses sofort versteht. Wenn Sie im Freien malen, ist es sehr wichtig, diesen Fokus im Auge zu behalten, damit Zeit und Energie nicht für die Bearbeitung von Bereichen der Leinwand verschwendet werden, die von untergeordneter Bedeutung sind. “Dasselbe gilt auch für das Malen eines Stilllebens.
Gayle Levée, Künstlerin und Ausbilderin in Nashville, lässt ihre Workshop-Studenten stundenlang Elemente arrangieren, um die beste Komposition zu kreieren. Sie rät, dass sie zunächst mehr Objekte zusammenstellen, als sie für ihr Stillleben benötigen, und dann eines als Mittelpunkt wählen. "Platzieren Sie zuerst das Objekt und dann die tragenden Teile", schlägt sie vor. Beim Malen eines Stilllebens beginnt Levée mit dem Schwerpunkt und misst auf der Leinwand proportional zum Mittelpunkt des Interesses.
In ihrem Gemälde Reflections in Gold wendet Levée die Drittelregel an, um den Blick des Betrachters auf die Vase und die Früchte zu lenken (sehen Sie sich eine Demonstration des Stücks an). Dies ist eines von mehreren Geräten, mit denen der Betrachter auf ein interessantes Zentrum aufmerksam gemacht werden kann. Diese Regel, die in der Malerei und Fotografie angewendet wird, soll eine ästhetisch ansprechendere Komposition ergeben. Es wird empfohlen, dass Künstler eine Leinwand horizontal und vertikal in drei Abschnitte unterteilen und den Mittelpunkt des Interesses an einem Schnittpunkt oder im oberen oder unteren Drittel des Rahmens platzieren. Auf diese Weise wird der Fokus aus dem „Totpunkt“der Leinwand entfernt und der Blick des Betrachters über den gesamten Raum geführt. Sobald ein Schwerpunkt festgelegt ist, hilft die Bestimmung der Emotionen oder der Botschaft, die er hervorruft, zu entscheiden, welches der oben genannten Tools eine klare und eindrucksvolle visuelle Geschichte am effektivsten erzählt.
Wahre Stille in einem Stillleben
Sarah Siltala malt hauptsächlich Stillleben und Landschaften, zeichnet jedoch gelegentlich Figuren in Kohle, um ihre zeichnerischen Fähigkeiten zu verbessern. "Ich bin inspiriert von der Natur und ihren reichen Gaben, sei es eine Frucht, eine Blume, eine Wolke, ein Baum oder ein Vogel", sagt sie. „Überall Schönheit zu sehen, inspiriert mich zum Malen.“Kein Wunder, denn der Künstler wuchs inmitten der malerischen Landschaft von New Mexico auf, die seit Jahrzehnten Plein-Air-Künstler aus aller Welt anzieht. Manchmal lässt sie sich sofort inspirieren, und manchmal muss sie über ein Thema nachdenken, bevor sie es malen kann.
Siltala wendet sich häufig ihrem Skizzenbuch zu, in dem sie verschiedene Zeichnungen, Ideen und Bilder aufbewahrt, die sie beim Malen inspirieren. Sie verbringt viel Zeit damit, die Komposition ihrer Stillleben zu bestimmen, um ein Gefühl der Ruhe und des Friedens in ihrer Arbeit zu erzeugen. "Ich bin nicht zu beschäftigt Kompositionen angezogen", sagt sie. „Stattdessen konzentriere ich mich auf ein oder zwei Hauptideen. Bei der Einrichtung meiner Stillleben ordne ich Objekte neu an und lösche sie normalerweise, damit ich das optimale Licht und den besten Schatten für das endgültige Bild einfange. “Wenn sie mit ihrer Stilllebenanordnung zufrieden ist, macht sie mehrere Fotos von ihrer endgültigen Einrichtung als Referenz im Studio. Sie arbeitet oft an mehreren Gemälden gleichzeitig, was es unmöglich macht, jedes Stillleben während des gesamten Malprozesses einzurichten.
Nachdem sie ihre Holzplatte geschnitten und zerkleinert hat, trägt sie Gesso auf und skizziert dann ihre Komposition in Holzkohle. Sie beginnt mit leichten Waschungen zu malen und baut langsam Farbe auf. Wenn Sie sich eine Stillleben-Demo von Siltala ansehen würden, würden Sie sehen, wie sie im Stil der alten Meister arbeitet und Schicht für Schicht transparente Glasuren aufbaut. Sie zitiert Corot, Rembrandt und Inness als ihre Inspirationen. Unabhängig von der Größe ihrer Oberfläche benötigen die Stücke von Siltala Wochen, da jede Schicht vollständig trocknen muss, bevor die nächste aufgetragen werden kann - obwohl sie ein Alkydmedium verwendet, um den Trocknungsprozess zu beschleunigen.
