Ein Gespräch Mit Stephen Quiller

Der Sechste in einer Artist Daily Exclusive-Reihe:

Meister des amerikanischen Aquarells

Stephen, was kannst du uns im Allgemeinen über dich als Künstler und deine Arbeitsweise erzählen?

In erster Linie bin ich ein Wassermedienmaler. Ich kann mich in der Hochlandmalerei vor Ort wiederfinden und den Tag ausschließlich mit transparentem Aquarell verbringen. Dann bin ich vielleicht im Studio und arbeite in einem Medium oder einer Kombination von Medien, die mit Wasser verdünnt sind, einschließlich Aquarell, Gouache, Acryl und Kasein. Ich benutze diese Medien auf eine "Aquarell-Art", finde aber, dass jede ihre eigenen visuellen Qualitäten und Handhabungseigenschaften hat, die meinen Wortschatz und Ausdruck als Wassermedienmaler erweitern. Im Laufe der Jahre habe ich in fast allen Medien gearbeitet, einschließlich der Druckgrafik. Ich habe jedoch festgestellt, dass die Arbeit mit Wassermedien eine spirituelle Qualität hat, die mich fasziniert. In diesen Momenten, in denen das Papier nass ist und sich Farbe und Pinsel bewegen, höre ich zu, beobachte und reagiere und werde Teil des Prozesses. Natürlich ist das alles mit 45 Jahren Malen pro Tag verbunden. Doch jedes neue Blatt Papier bringt eine neue Erfahrung und Entdeckung.

Wie sind Sie auf Aquarell aufmerksam geworden?

In den frühen 60ern nahm ich an einigen abendlichen Aquarellkursen teil, in denen ich lernte, mit einem Pinsel umzugehen und die grundlegenden Grundlagen des Mediums zu erlernen. Mein erster Lehrer war Darrell "Skip" Elliot, der später eine Galerie in Taos, New Mexico, eröffnete. Ich habe dann bei Thomas Curry gelernt, der mich in die Farbtheorie einführte. Diese beiden Maler gaben mir den Anfang.

Wer waren die Aquarellkünstler, die Sie am meisten beeinflusst haben?

Seitdem habe ich eine Leidenschaft für das Studium von Künstlern und Kunstgeschichte entwickelt und habe jetzt eine umfangreiche Bibliothek als Referenz. Unter den vielen Malern, die mich beeinflusst haben, stehen zwei im Vordergrund: Arthur Melville (1855-1904) und Charles Burchfield (1893-1967). Ich sah mein erstes Aquarell des schottischen Malers Melville im Victoria and Albert Museum in London im Jahr 1984. Er ging sehr malerisch vor, trug Aquarell auf und hob es auf und fügte dann etwas durchscheinende und undurchsichtige Gouache hinzu. Seitdem war ich in vielen britischen Museen, um seine Werke zu studieren. Mein Interesse an Burchfield ist, dass er beim Malen der Landschaft unter die Oberfläche gegraben hat. Er malte die Geräusche, Gerüche, Bewegungen, Winde und Energien, die das Thema zum Leben erwecken. Ich war Mitte der 70er Jahre Zeuge meiner ersten Burchfield-Ausstellung in den Kennedy Galleries in New York. Diesen Sommer wurde ich eingeladen, einen Vortrag, eine Demonstration und eine kleine Ausstellung meiner Arbeiten zum 50-jährigen Jubiläum des Burchfield-Penny Art Center in Buffalo, NY, zu halten

Sie haben gesagt, Künstler sind von ihrer besten Seite, wenn sie malen, was sie wissen. Du bist ein Maler der Natur. Können Sie uns sagen, wie dies auf Ihre Arbeit zutrifft?

Als Maler ist es wichtig, die Themen zu finden, für die ich mich am meisten interessiere, und mich dann darauf einzulassen. Ich bin zum Beispiel ein Landschaftsmaler, der im Hochland der San Juan Mountains in Colorado lebt und atmet. Ich habe ein Haus und ein Studio neben dem Rio Grande River mit einem 360-Grad-Blick auf diese Berge. Jede Veränderung von Licht oder Stimmung sehe ich. Im Laufe der Jahre sehe ich diese Themen tiefer und kenne die Formen sehr genau. Das befreit mich zum Ausdruck bringen. Ich bin ein glücklicher Mensch, den Ort gefunden zu haben, an dem mein Herz ist. alles andere basiert darauf. Wenn ich im Studio oder beim Malen bin, nehme ich mir Zeit zum Meditieren und beschäftige mich mit meinem Thema. Für mich ist es nicht genug, die Szene buchstäblich zu malen. Ich möchte interpretieren und malen, wie ich mich bei dem fühle, was ich sehe. Ich kann die Komposition neu ordnen, die Farbe oder den Lichtschein dieser lebenden Formen übertreiben oder an einer Stimmung oder einem momentanen Licht festhalten, obwohl sich der Tag geändert hat.

Was reizt Sie bei der Suche nach möglichen Themen am meisten?

Ich finde, dass die besten Ideen mich eher finden als das Gegenteil. Anstatt nach Ideen zu suchen, kommt die beste Inspiration, während mein Geist neutral ist. Ich habe jedoch immer ein Skizzenbuch dabei, falls etwas passiert. Zum Beispiel beim Langlaufen am späten Nachmittag bemerke ich Licht- und Schattenempfindungen auf meinem Gesicht, wenn ich einen Hügel hinunterfahre. Ich halte inne und denke, „das ist es, was ich malen muss.“Ich zeichne meine Spuren nach und mache einige Skizzen, wobei ich einige Notizen mache, die zu einem wichtigen Gemälde führen.

Sie malen und zeichnen vor Ort. Basieren Ihre Studiomalereien normalerweise auf Ihrer Standortarbeit?

Der Großteil meines Studiomalens basiert auf Erfahrungen beim Malen und Skizzieren vor Ort. Die Studiobilder sind in der Regel größer und konzentrieren sich auf Farbe und Ausdruck - und experimentelle Wassermedien und Kompositionen auf der Grundlage von Skizzen und Aquarellbildern vor Ort.

Finden Sie jemals Fotos hilfreich?

Vor kurzem habe ich eine Digitalkamera mitgenommen. Ich benutze die Kamera, wenn meine Hände zu kalt zum Skizzieren sind oder ich mit Freunden zusammen bin. Ich habe das Foto später auf meinen Computerbildschirm gelegt und skizziere daraus.

Ihre Bilder zeichnen sich durch starkes Design und Farbe aus. Machst du kleine vorläufige Kompositionen und Farb-Roughs?

Ich nehme meine Bilder und Skizzen vor Ort, studiere Kompositionsumstellungen und mache Farbnotizen. Diese Vorbereitung ist als Referenz wichtig, aber sobald ich ein Bild beginne, lasse ich es sein eigenes Leben finden und finde mich in den Prozess vertieft. Es gibt Zeiten, in denen ich anfange zu malen, und Momente später wird es dunkel und das Ende des Tages. Malerei hat nichts mit Zeit zu tun, sondern mit der Energie und Liebe, die in sie fließen.

Sie sind auch für Ihre Entwicklung und Erforschung von Farben bekannt. Was können Sie uns dazu sagen?

Ich habe mich ein Leben lang für Farbe interessiert, was zur Entwicklung des Quiller Wheel, zweier Bücher und vieler Videos über Farbe geführt hat. In diesen Lehrmaterialien wird betont, wie die Farbtheorie und die Farbpalette vom Maler verwendet werden können. Ich verwende eine Universalpalette mit zwölf Farben, die jede Farbe, Stimmung, Region oder jedes Motiv erfassen kann. Dieser Ansatz wird heute von Künstlern auf der ganzen Welt verwendet. Die Konzepte und die Palette können in jedem Medium verwendet werden. Bei der Verwendung von Aquarellfarben umfasst meine 12-Farben-Palette: Primärfarben - Cadmiumgelb, Chinacridonrosa und Phthalocyaninblau (Grünton) Sekundärfarben - Cadmiumrot-Orange, Ultramarinviolett und Phthalocyaningrün (Blauton) oder Viridian

Zwischenprodukte - Cadmiumorange, Cadmiumrot, Magenta, Ultramarinblau, Phthalocyanintürkis, permanentes grünes Licht.

Gibt es Tubenfarben, auf die Sie sich mehr als auf andere verlassen - und die Sie meiden?

Außerdem habe ich einige zusätzliche Farben, die wichtig sind, weil sie granulieren oder zur Definition einer bestimmten Stimmung beitragen. Zwei meiner am häufigsten verwendeten Farben sind Kobaltviolett und Neapelgelb, beide in meiner Signaturreihe und von der Jack Richeson Company importiert und vertrieben. Ich vermeide Farben nicht absichtlich, da es für jeden eine Zeit und einen Ort geben kann. Normalerweise verwende ich jedoch keine Erde oder neutralisierte Farbe. Dies liegt daran, dass mit meinem System jedes dieser Elemente problemlos mit der Flexibilität gemischt werden kann, die Farbnotiz neutraler oder in Richtung reiner Farbtöne zu gestalten.

In einigen Fällen verwenden Sie transparentes Acryl und transparentes Aquarell in demselben Gemälde. Kann dies zu technischen Problemen führen?

Wie ich bereits erwähnt habe, hat jedes der Wassermedien seine besonderen visuellen Eigenschaften und Handhabungseigenschaften. Zum Beispiel kann ich Acryl transparent auf einem rauen Aquarellpapier waschen. Acryl trocknet bei transparenter Verwendung mit der gleichen Intensität und dem gleichen Wert wie im nassen Zustand (im Gegensatz zu Aquarellfarben, die doppelt so hell trocknen). Acryl erreicht im reinen Zustand einen schönen und leuchtenden, satten Ton. Es färbt auch die Fasern, versiegelt aber nicht das Papier. Im trockenen Zustand hebt sich die Farbe aufgrund des Polyharzbindemittels nicht ab. Daher verwende ich anstelle eines weißen Stückes Aquarellpapier ein leuchtendes Stück Papier. Ich kann das granulierende Aquarell auf der Oberfläche wieder benetzen und auftragen und es wieder auf das getönte Acryl heben. Ich kann dies noch weiter vorantreiben, indem ich dann durchscheinende und undurchsichtige Gouache- oder Kaseinnoten hinzufüge, um die transparenten visuellen Eigenschaften von Acryl und Aquarell hervorzuheben.

Welches Papier bevorzugen Sie - Marke, Kaltpressung, Heißpressung usw.?

Je nach Medium, Thema und Herangehensweise verwende ich diese drei Stützen am häufigsten. Ich mag ein ungefähr 4 kg schweres Aquarellpapier mit einer Oberflächengröße wie Waterford, Lanaquarelle oder Fabriano Artistico. eine kaltgepresste Aquarelltafel wie Crescent # 5114 oder Canson; Aquabord von Ampersand. Ich bereite das Papier auf keine Weise vor, bevor ich anfange.

Was ist der beste Rat, den Sie einem aufstrebenden Aquarellkünstler geben können?

Ich hatte das unglaubliche Glück, dass ich das Malen zu meinem Leben gemacht habe. Es ist keine Art, seinen Lebensunterhalt zu verdienen, sondern eine Art zu leben. Es ist ein natürlicher Anfang in meiner Karriere zu denken: „Eines Tages werde ich in der Lage sein, Farben ausdrucksvoller zu verwenden, stärkere Kompositionen zu haben oder technisch versierter zu sein.“Nachdenklich gibt es Dinge, die ich zu Beginn meiner Karriere getan habe das kann ich heute nicht tun. Und es gibt Dinge, die ich heute tue, die ich damals nicht tun konnte. Es ist wichtig zu erkennen, dass jede Phase der Malerkarriere wichtig ist und zur nächsten übergeht. Jeder Moment des Prozesses ist von Bedeutung. Ich nehme es mit Dankbarkeit auf und schätze die Fahrt.

Steven Quiller ist seit 1972 hauptberuflicher Maler. Stephen ist Lehrer und bekannter Farbtheoretiker. Er hat sechs Bücher geschrieben, viele DVDs produziert und auf der ganzen Welt gemalt. Am bekanntesten ist er jedoch für seine Gemälde seines geliebten Gebirgslandes im Süden Colorados. Neben seinen zahlreichen Auszeichnungen und Mitgliedschaften ist Stephen ein Unterschriftenmitglied der National Watercolor Society und ein Unterschriftenmitglied und Dolphin Fellow der American Watercolor Society. Weitere Informationen über Stephen finden Sie auf seiner Website.

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