Zeichnen ist das Herz
Entwurfsfertigkeit ist die Basis des Selbstausdrucks. Zeichnen zu lernen ist der langsamste, aber sicherste Weg, um Ihr Bild zu beherrschen.
Von Juliette Aristides
Zeichnen ist das Herz und die Seele der Kunst. Es wird jedoch oft unterschätzt und manchmal sogar befürchtet, weil sich sonst fleißige Künstler vom Zeitaufwand abbringen lassen. In den 1960er, 1970er und 1980er Jahren, im Zuge des Abstrakten Expressionismus, des Neo-Expressionismus und der Mode der Montage- und Installationskunst, verschwand das Zeichnen so gut wie aus dem Lehrplan der meisten Kunstschulen. Zeichnen schien unnötig, fast antiquiert. Schon 1924 galt das Zeichnenlernen als zweitrangig zum Malenlernen, wie diese Beobachtung von Harold Speed zeigt: „Zeichnen, obwohl das Erste (von Bedeutung) auch das Letzte ist, was ein Maler normalerweise tut Studien. Es gibt mehr darin (Zeichnen), das gelehrt werden kann und das den ständigen Einsatz von Mühen vergütet.
Die Farbe ist sofort faszinierend, aber die Form erfreut sowohl den Geist als auch das Auge. Warum ist Zeichnen, egal zu welchem Thema, so wichtig? Stellen Sie sich ein Porträt vor, bei dem die Augen falsch ausgerichtet sind, oder eine Landschaft, bei der die Perspektive schief ist. Welche emotionale Wirkung das Gemälde sonst gehabt hätte, wird durch einen technischen Defekt ausgelöscht. Speed glaubte, dass das Zeichnen gelernt werden könne, und ich als Lehrer für Künstler bestätige diese Wahrheit. Jeder kann Zeichnen lernen, aber wie das Klavierspielen wird es nicht über Nacht geschehen und es wird nicht ohne Übung geschehen. Einige Künstler beginnen mit einer Einrichtung, weil sie seit ihrer Kindheit zeichnen. In meinem Atelier sehe ich diese Art von Schüler und ich sehe die andere Art, diejenigen, denen es an Fähigkeiten mangelt, die aber entschlossen sind, es zu versuchen. Die zweite Gruppe macht enorme Gewinne, während diejenigen in der ersten Gruppe selten die Risiken eingehen, die notwendig sind, um erfolgreich zu sein. Diejenigen, die die Disziplin haben, durchzuhalten, werden zu ausgebildeten Zeichnern, die in der Lage sind, die Techniken eines Mediums zu beherrschen.
Die akademische Tradition
Derzeit unterrichte ich meine eigene Atelierklasse an der Seattle Academy of Fine Arts. Der Lehrplan, den ich ausgearbeitet habe, ist streng und entspricht der akademischen Tradition, die in den Werkstätten der Renaissancekünstler begann und im 18. und 19. Jahrhundert florierte, insbesondere an der École des Beaux Arts und der Académie Julian. Frühere Jahrhunderte erkannten, dass der Künstler gründlich als Zeichner ausgebildet werden musste, bevor er zum Malen überging. oft galt ein Jahrzehnt des Zeichenstudiums nicht als übertrieben. Es wurde auch akzeptiert, dass die Fähigkeiten eines Künstlers scharf geschliffen werden mussten, bevor er oder sie versuchte, das große Thema der menschlichen Form anzugehen. Erst nachdem der Künstler handwerkliches Können in Form von Figuren und Stillleben demonstriert hatte, konnte er oder sie beginnen, die Vitalität und den Adel der Figur auszudrücken. Um die menschliche Form zu malen, muss der Künstler nicht nur eine Ähnlichkeit erreichen, sondern auch mit Tiefe, Sensibilität und Integrität angeben, was jenseits der Erscheinung liegt: die Seele.
Geschicklichkeit fördert den Selbstausdruck
Anfängern wurde heute gesagt, dass Geschicklichkeit selbst den Selbstausdruck hemmt. Im Gegenteil, ich glaube, dass Sie durch das Erlernen des künstlerischen Handwerks Ihre eigene Vision zum Ausdruck bringen können. Traditionelle Fähigkeiten sind die Grundlage, auf der Sie als Künstler arbeiten. Es ist Handwerkskunst, nicht das Fehlen, das die Grundlage für den Selbstausdruck ist. Umgekehrt ist kreativ zu sein ohne handwerkliche Kenntnisse, als würde man versuchen, ein strukturell unsauberes Gebäude zu schmücken. Das ergibt keinen Sinn.
Ich betrachte meine Lehre als Weitergabe eines künstlerischen Erbes, das sonst verloren gehen würde. Wenn ich unterrichte, versuche ich, die Informationen, die ein Künstler benötigt, so zu vermitteln, dass sie verständlich sind. Die komplexen Aufgaben des Zeichnens und Malens werden leichter zu bewältigen, wenn sie in Teile zerlegt werden.
Zeichnen ist ein Vereinfachungsprozess
Es gibt nichts Wichtigeres als zeichnen. Der Vereinfachungsprozess, der Akt des Entwerfens, fällt in den Bereich des Zeichnens. Alles, jeder Aspekt der Kunst - das heißt Verhältnis, Wert und Form -, aber die Farbe fällt unter den Bereich der Zeichnung. Wenn die Künstlerin zuerst als Zeichnerin ausgebildet wird, kann sie sich auf die Farbe konzentrieren, anstatt sich darum zu kümmern, ob die Proportionen stimmen oder nicht.
Eines der Paradoxien für das Zeichnen ist, dass in der Anfangsphase Details zugunsten von Design und Gestik geopfert werden müssen, während in der Endphase jeder Bereich des Körpers gerendert werden muss, andernfalls sieht die Arbeit allgemein und flach aus. Zeichnen lernen braucht Zeit; Es erfordert, dass Sie jeden Tag aus dem Leben schöpfen. In meinem Atelier konzentrieren sich die Schüler zunächst auf das Zeichnen. Fortgeschrittenere Schüler gehen zur monochromatischen und dann zur vollchromatischen Malerei über. Die Schüler malen Gipsabdrücke, Aktmodelle und Stillleben. Sie kopieren auch Meisterwerke. Die Projekte werden zunehmend komplexer, da ihre Fähigkeiten und das Vertrauen in diese Fähigkeiten zunehmen.
Wie man vom Zeichnen zum Malen übergeht
Es gibt so viele Möglichkeiten, ein Bild zu beginnen, wie es Temperamente gibt. Ich finde es hilfreich, den Malprozess in seine verschiedenen Komponenten zu unterteilen: Komposition, Zeichnung, Wert und Farbe - im Allgemeinen in dieser Reihenfolge. Die Grundlage ist starkes Design; Ein starkes Design wirkt sich auf den gesamten Raum aus. Die nächstwichtigste Komponente ist das Zeichnen. Mein Ziel ist es, dass die Zeichnung genau und gut durchdacht ist. Als nächstes arbeite ich daran, die Werte so zu vereinheitlichen, dass die dunklen Bereiche einen Kontext für die Lichter darstellen. Zuletzt konzentriere ich mich auf Farbe - sowohl auf die lokale Farbe als auch auf die Art und Weise, wie das Licht diese lokale Farbe beeinflusst.
Arbeiten in Etappen: ein Künstlerhandwerk
Normalerweise arbeite ich mehrere Tage an der Komposition. Dann zeichne ich direkt auf die Leinwand. Ich verfeinere die Zeichnung mit verwässerter permanenter Tusche (damit die nächste Farbschicht die Linie nicht wegwäscht) und trage sie mit einem feinen Pinsel auf. Dann mache ich eine monochromatische Untermalung, die die Werte festlegt. Dafür benutze ich oft rohe Umbra gemischt mit Terpentin; Diese Mischung kann die Oberfläche der Leinwand vollständig bedecken, aber die Tintenlinien werden weiterhin darunter sichtbar sein. Ich ziehe die Lichter mit einem Baumwolllappen aus.
Ich arbeite immer von allgemein bis spezifisch. Ich beginne mit den breitesten Beziehungen in Bezug auf Linie, Wert und Farbe, bevor ich mich auf die kleineren Beziehungen in jedem Objekt oder in jedem Teil konzentriere. Mit einem großen Pinsel blockiere ich die gesamten Farbbeziehungen. Die meisten Kanten gehen verloren; Ich befasse mich mit dem Verknüpfen von Objekten.
An dieser Stelle schaue ich noch einmal auf die Zeichnung. Liest es aus der Ferne gut? Gibt es einen untergeordneten Teil des Gemäldes, der zu viel Aufmerksamkeit erhält? Muss eine Kante zurücktreten oder sich vorwärts bewegen? Oft erstelle ich eine Liste und konsultiere sie, wenn ich Änderungen vornehme.
Endlich auf die Farbe fokussieren
Jetzt konzentriere ich mich jeweils auf einen Teil des Gemäldes und bringe jeden Bereich in einen fertigen Zustand. Ich versuche, die Schattenformen einheitlich und einfach zu halten. Ich tue dies, indem ich nicht zu viel Wertabweichung innerhalb der Schatten zulasse. Dann konzentriere ich mich auf die Halbtöne zwischen dem Kern des Schattens und dem Licht. Wenn ich eine Farbe spüre, setze ich sie ein - es geht nicht so sehr darum, die Farbe zu sehen, sondern darum, einen Schimmer davon aus meinem Augenwinkel zu fangen. Ich vertraue darauf, dass es im Zusammenhang richtig aussehen wird. Anstatt eine Farbe für einen ganzen Bereich zu verwenden, suche ich nach Beziehungen von Farben. Die Farbe in der Natur ist enorm vielfältig, sehr komplex und erstaunlich schön. Solange die Zeichnung und der Wertebereich stark sind, kann Farbe Ansichtssache sein. Der Betrachter wird die Beurteilung dessen, was für das, was der Künstler schafft, plausibel erscheint, zurückhalten.
Licht in der Dunkelheit
Ich wusste von Anfang an, dass ich Künstler werden wollte. Ich bin in Reading, Pennsylvania, aufgewachsen, einer ziemlich kleinen Stadt. Meine Eltern waren aus Kapstadt, Südafrika, ausgewandert, wo ich geboren wurde. Mein Vater war Arzt und meine Mutter, als ich jung war, blieb zu Hause. Wir hatten viele Bücher, vor allem eine Sammlung von 50 oder 60 Monographien über Malermeister. Meine Familie reiste auch viel, so dass ich viel Kunst sah und tatsächlich viele Werke kopierte. Ich war ein großer Fan von Rembrandt.
Als Teenager stellte ich meinen Wecker auf 2 Uhr morgens ein, damit ich alleine sein und in der Dunkelheit gehen konnte. Ich hatte viel Philosophie gelesen und dachte, es sei wichtig, mit der Natur in Kontakt zu kommen, besonders zu der Zeit, als die ganze Welt zu schlafen schien. Es ist erstaunlich, wie viel ich sehen konnte; Ich habe damals viel gezeichnet. Wenn du so alt bist, ist das Leben so neu und du bist so lebendig. Es ist, als ob Sie Dinge zum ersten Mal sehen, als ob alles in Flammen steht.
Ich denke, dass Künstler diese jugendliche Intensität kontinuierlich nutzen. Während ich als Künstler gereift bin, scheint sich meine Arbeit immer mehr mit Offenbarung zu beschäftigen. Ich sehe Malerei als einen Akt der Erleuchtung, der Arbeit durch die Dunkelheit zum Licht. Licht ist ein großer Offenbarer von Dingen. Ich hatte einen Lehrer, Myron Barnstone, der mir einmal sagte: „Das Grab ist für die Dunkelheit. Spinnweben sind fürs Grab. Wenn du am Leben bist, solltest du Licht feiern. “Diese Aussage hat bei mir Anklang gefunden. Ich finde es faszinierend, dass es im Leben Momente gibt, in denen man merkt, dass etwas Wichtiges passiert. dass eine Erfahrung niemals reproduziert wird; dass es verblasst und vergessen wird, um niemals zurückgefordert zu werden - es sei denn, Sie malen es. Die Fähigkeit und Fähigkeit erlangt zu haben, diese Art von Moment zu malen, diese Art von Offenbarung aufzuzeichnen, ist wahnsinnig wundervoll.
Aspekte des Handwerks
Tipps aus dem Atelier
1. Zeichnen Sie aus Gipsabgüssen antiker Statuen.
2. Kopieren Sie die Masterzeichnungen. Diese Übung gibt Ihnen die Möglichkeit zu studieren, wie die Meister die Natur mit all ihrer Varianz, Fülle und Detailtreue in Einklang gebracht haben.
3. Denken Sie wie ein Designer. Die größte Nachahmung ist nicht die größte Kunst. Achten Sie beim Zeichnen aus dem Leben darauf, was Sie sagen möchten, und betonen Sie den dominanten Charakter der Pose des Modells.
4. Arbeiten Sie vom Allgemeinen zum Besonderen. Es ist leicht, sich von der Komplexität der Natur überwältigen zu lassen, und man braucht Erfahrung, um zu erkennen, was relevant ist und was nicht.
• Schielen Sie, während Sie Ihr Motiv betrachten.
• Schauen Sie durch farbiges Glas oder farbiges Acetat, um die Linie besser erkennen zu können.
• Bevor Sie mit dem Malen beginnen, verdichten Sie alle Informationen zu einer winzigen Skizze, z. B. 3 × 4 Zoll. Wenn die Skizze im gesamten Raum gut lesbar ist, können Sie mit dem Malen beginnen.
Dies ist ein vollständiger Artikel aus dem Artist's Magazine (März 2004). Wenn Sie dies gerne gelesen haben, klicken Sie hier, um weitere atemberaubende Kunstwerke zu sehen und die anderen Features aus dem Jahr 2004 zu lesen.