Anmerkung des Herausgebers: Richard McKinley ist bekannt für seine wunderschönen Landschaften und die Fülle an Informationen, die er in seiner Pastel Pointers-Kolumne im Pastel Journal und in seinen ArtistsNetworkTV-Videoworkshops geteilt hat (siehe seine Kunstworkshops hier!). Richard teilt oft seine Tipps zum Malen mit, um im Freien zu arbeiten, eine ansprechende Komposition zu schaffen und Farben auszugleichen. Genießen! ~ Cherie
Verwendung der Gestaltungselemente für stärkere Gemälde von Richard McKinley
Ob Stilleben, Porträt oder Landschaft - es gibt kein Referenzmaterial, das die Erfahrung der Einzelinterpretation von Themen ersetzen könnte. Während es nie einfach ist, vom Bild zum Bild aus dem Leben zu gelangen, bedarf es einer besonderen Konzentration, um dies in der Landschaft mit den sich ständig ändernden Lichtverhältnissen und Bedingungen zu erreichen. Zusammen mit der überwältigenden Weite der Landschaft kann dies sogar den technisch fortgeschrittensten Maler behindern.
Während meiner langjährigen Arbeit sowohl im Studio als auch vor Ort in Pastell- und Ölfarben habe ich eine Technik entwickelt, die ich als „Feldskizzenmalerei“bezeichne. Sie erfordert ein gewisses Maß an Disziplin und ermöglicht mir, präzise zu arbeiten. Ich kann mich auf das konzentrieren, was für ein erfolgreiches Ergebnis der Landschaftsmalerei am wichtigsten ist: die großen Kompositionsformen, Wertmassen und Farbtemperaturen. Aufwändigere Maltechniken werden für wiederholte Besuche an vertrauten Orten gespeichert.
Die erste Phase der Feldskizzenmalerei beginnt mit einer Reihe von Skizzen in einem Skizzenbuch, um ein starkes kompositorisches Konzept zu entwickeln. Sobald ich mit einem kompositorischen Entwurf zufrieden bin, skizziere ich drei weitere Skizzen, die dem endgültigen Format des Gemäldes angemessen sind. Als nächstes teile ich die Szene in einige abstrakte Formen auf. Dies kann zunächst schwierig sein, und der Schlüssel liegt hier darin, sich mehr auf Wertbeziehungen als auf einzelne Objekte für die Formen zu konzentrieren. Ich versuche so wenig Formen wie möglich zu haben - nicht mehr als fünf oder sechs - und ignoriere kleine Akzente.
Das Schließen eines Auges und das Schielen mit dem anderen trägt erheblich dazu bei, Details und Farben zu streuen und die kontrastierenden Wertformen besser zu erkennen. Dann zeichne ich die abstrakten Formmassen in die drei Thumbnails. Der erste wird als zukünftige Referenz belassen. In der nächsten Miniaturansicht ordne ich die angegebenen Formmassen nicht mehr als vier Werten zu, die aus Licht, mittlerem Licht, mittlerem Dunkel und Dunkel bestehen. Es können auch drei Werte verwendet werden. Das ist meine Wertekarte. In der letzten Miniaturansicht ordne ich die Formmassen hell oder dunkel zu und erstelle eine abstrakte schwarz-weiße Skizze. Dies wird oft als Notenskizze bezeichnet.
Anhand der Wertekarte wird jede Form, die über dem Mittelwert lag, weiß und jede Form darunter wird schwarz. Diese Werteskizzen können mit einem Bleistift oder Tintenmarker erstellt werden.
Wenn ich diese Skizzen bewerte, erfahre ich, ob ich eine starke Wertkomposition habe, und sie erweisen sich als Referenz im Verlauf des Gemäldes als sehr wertvoll.
Egal wie schön das Motiv ist oder wie beeindruckend die Anwendungstechnik ist, wenn die Zusammensetzung der visuellen Elemente innerhalb eines Gemäldes nicht stark ist, wird dies letztendlich als Misserfolg gewertet
Wenn wir anfangen zu malen, ist es leicht, sich vom Thema verführen zu lassen. Wir verlieben uns in das, was es darstellt, und vergessen, dass ein Gemälde unsere Gefühle erfolgreich vermitteln muss, damit es funktioniert. Für Maler reicht es nicht aus, nur das, was vor uns liegt, akkurat darzustellen. Wir müssen die visuellen Elemente anordnen und manipulieren, um ein zusammenhängendes Ergebnis zu erzielen.
Die Begriffe Komposition und Design werden oft synonym verwendet. Während sie harmonisch arbeiten, repräsentieren sie unterschiedliche visuelle Eigenschaften. Komposition bedeutet die themenunabhängige Anordnung der visuellen Elemente und Gestaltungsprinzipien. Designelemente sind Linie, Form, Farbe, Wert, Ton, Textur und Tiefe. Gestaltungsprinzipien sind Balance, Kontrast, Bewegung, Rhythmus, Betonung, Proportion und Einheit. Diese Elemente und Prinzipien bilden den Kern der kompositorischen Werkzeugkiste eines Künstlers. Jedes Gemälde verlässt sich auf sie, aber einige werden offensichtlicher sein als andere.
Das Arrangieren der Elemente und Prinzipien des Designs ist wie das Dirigieren eines Orchesters. Einer ist auf den Klang und der andere auf das Sehen angewiesen, aber beide sind auf die Orchestrierung angewiesen. Manchmal muss ich einen Teil eines Gemäldes zum Schweigen bringen und einen anderen lauter machen, so wie es ein Dirigent tut, wenn er ein Orchester leitet. Wie die Elemente und Prinzipien des Designs genutzt werden, wird letztendlich zu Ovationen oder Spott führen.
Gestaltungsprinzipien für Künstler
Hier ist, wie ich mit verschiedenen Elementen und Prinzipien des Designs experimentiere, um zu vermeiden, dass die Komposition vorhersehbar wird:
Linie: Das Ändern der Bewegung visueller Elemente innerhalb einer Szene kann die Aufmerksamkeit des Betrachters auf bestimmte Bereiche lenken und einen ausgewogeneren visuellen Fluss erzeugen.
Form: Das Ändern der relativen Breite und Höhe von Objekten kann sich auf die Proportionen auswirken und unsere Beziehung zu ihnen erheblich verändern.
Farbe: Das Anpassen des vorherrschenden Farbschemas oder das Abwägen in Richtung einer warmen oder kühlen Farbabweichung kann Einheit und Ausgewogenheit sowie eine veränderte Stimmung erzeugen.
Wert: Wenn Sie die Position von Hell und Dunkel innerhalb der Komposition variieren, kann dies je nach Absicht zu Betonung, Kontrast oder Gleichgewicht führen.
Ton: Durch Ändern der Farbintensität können je nach Stimmung oder dargestellter Atmosphäre Hervorhebungen, Kontraste oder Einheitlichkeit erzeugt werden.
Textur: Die Akzentuierung der Wahrnehmung von Textur kann auf bestimmten Oberflächen zu Rhythmus und Betonung führen.
Tiefe: Das Ändern der wahrgenommenen Entfernungen kann zu einer Änderung der Proportionen führen und ein Gefühl der Intimität oder Trennung zum Gegenstand erzeugen.
