Pastellmalerei oder Pastellzeichnung beginnt mit einem Pigment, das mit Kreide oder Ton gemischt und mit Gummi zu einer Paste kombiniert wird, die dann ausgehärtet und als weiche oder harte Pastelle, Pastellstifte oder Ölpastelle verfügbar gemacht wird.
Im Pastellunterricht wird das Medium häufig sowohl in Bezug auf Zeichnung als auch in Bezug auf Malerei erörtert. Es kann verwendet werden, um breite Striche zu erzeugen, die wie Ölfarben butterartig und fest wirken, aber auch, um präzise Linien und Markierungen zu erzeugen, die mit jedem Zeichengerät vergleichbar sind. Weitere Anziehungskraft der Pastellmalerei liegt in ihrer breiten Farbpalette und Mischbarkeit.
Was Pastelle einzigartig macht, ist, dass Pastelle nicht so gemischt werden wie andere Medien wie Öle, Aquarelle oder Acrylfarben. Ein Künstler muss die gewünschte Farbe und den gewünschten Wert auswählen, oder er muss mehrere Pastellstriche überlappen, damit sie in den Augen des Betrachters verschmelzen und so aussehen, als wären sie physisch kombiniert worden. Ein Pastellkünstler muss über eine große Auswahl an Pastellstiften und ein ausgeprägtes Gespür für Farbüberlagerungen verfügen.
Pastelle wurden ursprünglich verwendet, um Studien für größere Arbeiten zu erstellen, und waren nicht für die Fertigstellung einer fertigen Arbeit vorgesehen. Heutzutage wird Pastell jedoch als tragfähiges künstlerisches Medium akzeptiert. Die Art des Mediums macht es zu einer ausgezeichneten Wahl für diejenigen, die auch die Portabilität bevorzugen. Pastellmalerei erfordert wenig Vorbereitung, es werden keine Lösungsmittel benötigt und es müssen keine Pinsel gereinigt werden. Aus diesem Grund arbeiten viele Freilichtmaler in Pastellfarben, und viele Porträtisten des 19. Jahrhunderts haben in Pastellfarben gearbeitet, um eine rasche Ausführung zu ermöglichen.
Meister der Pastellmalerei: Jean Francois Millet
Der aus einer Bauernfamilie stammende französische Maler Jean-François Millet (1814-1875) war am meisten daran interessiert, das Alltagsleben der Bauern zu malen. Sein frühes Werk bestand aus Porträts und Hirtenszenen, aber es ist das Gemälde The Gleaners, für das er am bekanntesten ist.
Das Gemälde zeigt zwei Frauen, die Reste der Ernte pflücken und sich tief bücken, um so wenig zu sammeln. Das, was von der Ernte übrig war, aufzunehmen, galt als eine der niedrigsten Aufgaben in der Gesellschaft, doch Millet bot diesen Frauen den heroischen Fokus des Bildes; Licht beleuchtet die Schultern der Frauen bei ihrer Arbeit. Während er dafür kritisiert wurde, dass er sozialistische Tendenzen in seiner Arbeit präsentierte, erschienen seine Bilder Jahr für Jahr im Pariser Salon.
Als seine Popularität in den 1860er Jahren wuchs, erhielt Millet stetig Aufträge, und 1865 begann ein Gönner, Pastellzeichnungen in Auftrag zu geben. Von 1865 bis 1869 malte er fast ausschließlich in Pastellfarben für eine Sammlung, die schließlich 90 Werke umfassen sollte. Mit dieser Sammlung erkundete Millett die Möglichkeiten und Grenzen der Pastellmalerei. „Er war einer der Ersten, die wirklich mit dem Medium gezeichnet und gebrochene Farbstriche verwendet haben, anstatt die Farben wie viele frühe Pastellkünstler ausgiebig zu mischen“, sagt Flattmann. Viele seiner späteren Bilder sind Landschaften, die menschliche Figur fehlt völlig. Mit zunehmendem Alter bevorzugte der Künstler einfachere, direktere Verfahren wie die Verwendung von Graphit oder Pastell gegenüber der Malerei. Anstelle der kräftigen, dunklen Färbung vieler seiner Gemälde des Bauernlebens ließ Millet oft das getönte Papier durch und verwendete seine Farbe sparsam in seinen Pastellen, um seine handwerkliche Arbeit in den Vordergrund zu rücken.
Das Thema des Künstlers kann Künstler inspirieren, die sich für Themen interessieren, die als kontrovers oder uninteressant gelten. Die Verwendung von Pastell als Zeichenwerkzeug und die Farbstriche, die in vielen seiner Pastellarbeiten deutlich werden, bringen nicht nur mehr Aufmerksamkeit auf sein Thema, sondern zeigen auch, dass ein Künstler bei der Arbeit in Pastell viele Optionen hat.
Quelle: Pastel Masters von Naomi Ekperigin, American Artist Magazine, 2008.
Wechsel von Öl zu Pastellmalerei
Der Künstler David Stout entschied sich für den Wechsel von Öl zu Pastell, um seine begrenzte Zeit für seine Kunst zu maximieren. Der Künstler genießt nicht nur die Reinheit der Farben, sondern weiß auch zu schätzen, dass mit diesem Medium nur wenig Zeit für das Einrichten und Trocknen verbleibt, sodass er relativ schnell eine Pause einlegen kann. Weil er lieber malt als nach neuen Produkten zu suchen, arbeitet Stout mit einer begrenzten Anzahl von Pastellen und nur drei Marken: Rembrandt, Sennelier und Schmincke. Obwohl er zugibt, in seinem Atelier ein Durcheinander von Pastellen zu haben, die in warme und kühle Farben unterteilt sind, hat der Künstler ein Gespür dafür entwickelt, einen halben oder viertel Stock der richtigen Farbe zu nehmen. „Ich arbeite schnell und denke nicht zu viel darüber nach“, erklärt der Künstler. "Ich fühle die Farbe - ich weiß, was ich will, und ich finde sie."
Stouts Pastellkit zum Malen im Freien ist auf ca. 35 Pastelle begrenzt. (Gelegentlich verwendet er Pastellstifte für feine Linien.) Er kauft niemals den gesamten Wertebereich einer Farbe und verlässt sich dabei auf unterschiedliche Farben für unterschiedliche Werte. Eine seiner Lieblingsfarben ist Sennelier Dunkelgrün (Nr. 158). „Es ist unglaublich“, schwärmt er. „Ich benutze es anstelle von Schwarz. es atmet, es hat Leben in sich. “Schmincke macht ein wunderbares Weiß (Nr. 17001-069D), das er für seine Sättigungs- und Deckkraft schätzt. In Schneeszenen verwendet er gerne Sennelier-Violettblau (Nr. 393), das für kühle Schatten sorgt, und Sennelier-Ocker-Orange (Nr. 104) eignet sich perfekt für den Look von Adobe.
Nachdem Stout mit verschiedenen Gründen experimentiert hat, hat er sich für die Sennelier Pastel Card entschieden. Er mag die Gleichmäßigkeit der Oberfläche ebenso wie die Tatsache, dass sie sehr nachsichtig ist und es ihm ermöglicht, Schichten aufzubauen, um ein Gefühl der Leuchtkraft zu erzeugen. Es ist auch förderlich für feine Arbeiten und das Zeichnen dünner Linien. Er bevorzugt getönte Karten, kühleren Blues und Grautöne für Winterstücke und wärmere Töne für Herbst- oder New-Mexico-Szenen. Er klebt die Karte mit säurefreiem Klebeband an ein säurefreies Fome-Cor-Brett und legt sie auf seine französische Staffelei.
Stout beginnt eine Pastellarbeit, indem er leichte Zeichen setzt und erklärt, dass er in dieser Phase mehr denkt als malt. „Man muss sich an ein Pastellbild heranschleichen“, sagt Stout. „Mach Licht. Wenn Sie zu schnell aufbauen, gibt es kein Zurück. Sie verlieren die Frische und die malerische Qualität, die Sie sich wünschen. “Mit einem halben Stück Rembrandt-Umbra blockiert er die Szene, wobei er das getönte Papier als Mittelwert verwendet. (Weil er leichte Striche verwendet, kann er andere weichere Pastelle über die verbrannte Umbra streichen.) Einmal arbeitete er sich vom dunkelsten zum hellsten Licht vor, aber jetzt blockiert er in einem Schritt die hellen, mittleren und dunklen Werte.
Next Stout malt das entscheidende Zentrum des Interesses und trifft dann Entscheidungen darüber, was um ihn herum aufgenommen werden soll. Er mag es, alles außer dem Brennpunkt locker zu halten, damit andere Bereiche die Hauptattraktion ergänzen können. Der Künstler verwendet im Allgemeinen drei bis vier Schichten Pastell, sprüht die zweite Schicht leicht mit Fixiermittel ein, um das Pastell in den Boden zu drücken. Da Fixiermittel dazu neigen, Farben abzudämpfen, sprüht er ein Gemälde nur einmal. Er zögert nicht, mit seinen Fingern zu verschmelzen - er genießt die Unmittelbarkeit und Kontrolle - und macht viel Verwischen und Weichmachen von Kanten. „Zu viele scharfe Kanten im Wettbewerb lassen ein Gemälde überarbeitet aussehen“, erklärt er.
Quelle: Ein disziplinierter Ansatz für Pastell von Linda Price.
Von der Frustration zur Vergebung: Die Pastellstunden eines Künstlers
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Marlene Wiedenbaum zeigt in ihrem Pastellbild Weg mit Bäumen zum verborgenen Teich einen prächtigen Blick auf eine Lichtung, deren reiches Vordach einen Waldboden einschließt, der unter einem dichten Teppich von Laub begraben liegt. Das gefilterte Sonnenlicht und der einhüllende Raum des Gemäldes sind so natürlich und überzeugend, dass wir einige Momente brauchen, um den Hinweis auf einen Weg durch den Wald zu entdecken. Die Künstlerin scheint damit zufrieden zu sein, die Welt so zu nehmen, wie sie sie findet, und sie dann nach verborgenen Reichtümern und faszinierenden Einsichten abzubauen. Sie hat dieses Gefühl durch meisterhafte Verwendung von Pastell erreicht und es in zahlreichen Schichten verarbeitet, um Farben von überraschender Subtilität und Nuance zu kreieren, während ihre Oberfläche äußerst taktil und lebendig bleibt.
„Ich liebe die Unmittelbarkeit, die Farbe und die Vergebung von Pastell“, sagt Wiedenbaum, „aber ich mag besonders die Einbeziehung meiner Hände. Ich verstehe und kontrolliere meine Finger viel besser als jemals zuvor, und es besteht ein direkterer Zusammenhang mit der Arbeit. “Wiedenbaum hat vor einigen Jahren den Wechsel zu Pastell aus Öl vorgenommen. "Ich war frustriert, dass ich Pinsel ebenso reinigen musste wie ich selbst und jedes Mal, wenn ich malen wollte, alles weglegen musste", erinnert sie sich. „Es war eine Plackerei. Ich hatte damals nicht den Luxus riesiger Zeitblöcke, und der Zustand der Arbeit ist jedes Mal anders, wenn Sie zu einem Ölgemälde zurückkehren. Ein sehr guter Freund hat eine Schachtel Pastell auf dem Esstisch liegen lassen, und dann begann meine Beziehung zu Pastell. “Der Künstler mag auch die Portabilität von Pastell. "Es ist so viel einfacher, meine Vorräte spontan für die Arbeit im Freien einzupacken", sagt sie.
Wie die meisten anderen Pastellkünstler stößt auch Wiedenbaum auf die Schwierigkeiten, die das Medium mit sich bringt. "Der größte Nachteil ist der Staub", sagt sie. „Ich trage manchmal eine Maske im Studio, aber ich weiß nicht, wie viel das wirklich hilft.“Die Künstlerin schafft es auch, etwas Pastellstaub von ihren Fingern zu halten, indem sie Fingerlinge trägt - kleine Gummihüllen, die aufgerollt werden können einzelne Finger – die in Drogerien erhältlich sind.
