Edvard Munch - Nur das Wesentliche sehen
Edvard Munch wurde 80 (1863–1944), mehr als genug Zeit, um sich als großer und einflussreicher Künstler zu etablieren. Er verband die Hauptbewegungen des Symbolismus des 19. Jahrhunderts und des Expressionismus des 20. Jahrhunderts.
In einem Ausstellungskatalog für diesen großen norwegischen Künstler fragt sich der Autor Karl Ove Knausgård, was passiert wäre, wenn Munch „aus dem einen oder anderen Grund aufgehört hätte zu malen, als er 22 war“.
Wir sind daran gewöhnt, dass junge Rebellen in der Malerei vorzeitig ausbrechen. Caravaggio, Vincent van Gogh, Egon Schiele, Jackson Pollock und Jean-Michel Basquiat unterstützen die Mythologie des zu früh verstorbenen Revolutionärs. Munch, der von Beginn seiner Karriere an frühreife Gaben besaß und Kontroversen hervorrief, war darauf vorbereitet, diesem Drehbuch zu folgen.
In seiner Jugend war er anfällig für Selbstmordgedanken. Und er schrieb einmal in sein Tagebuch: "Die Engel der Angst, der Trauer und des Todes standen mir seit dem Tag meiner Geburt zur Seite."
Diese Ängste informierten und durchdrangen Munchs Arbeit während seiner frühen Jahre - ebenso wie seine ständige Rückkehr zu bestimmten Themen, die Überarbeitung und Neulackierung von Lieblingsmotiven bis ins hohe Alter. Sie waren auch Gegenstand einer Ausstellung „Munch: Between the Clock and the Bed“, die im Met Breuer in New York gezeigt wurde.
Ein schreckliches Erbe
Die Umstände in Edvard Munchs frühem Leben waren düster. Malen war das Mittel, mit dem er versuchte, die Dinge zu verstehen. Er wurde 1863 in Løten, Norwegen, geboren und wuchs in Kristiania (heute Oslo) auf.
Munchs Jugend war von einer Tragödie geprägt. Sowohl seine Mutter als auch seine Lieblingsschwester starben an Tuberkulose, und bei einer anderen Schwester wurde eine psychische Erkrankung diagnostiziert. Er war oft krank und hatte Fieber und Bronchitis. "Ich habe zwei der schrecklichsten Feinde der Menschheit geerbt", schrieb Munch später, "das Erbe von Konsum und Wahnsinn."
Als Teenager erwies sich Munch als ein versierter Landschaftsmaler. Er war weitgehend Autodidakt. Unterricht und Unterstützung erhielt er jedoch von einigen der bekanntesten norwegischen Künstler, darunter Frits Thaulow und Christian Krohg. Munchs früheste figurative Arbeiten sind naturalistisch, mit dichtem und rauem pastosem Anstrich in einer Weise gemalt, die Krohgs sympathisch erscheint.
Krohg, einer der frühesten Befürworter Munchs, bemerkte einmal: „Er malt oder betrachtet Dinge auf eine Weise, die sich von der anderer Künstler unterscheidet. Er sieht nur das Wesentliche, und das ist natürlich alles, was er malt. Aus diesem Grund sind Munchs Bilder in der Regel „unvollständig“, wie die Menschen gerne selbst entdecken. Oh ja, sie sind vollständig. Sein gesamtes Werk. “
Seelenbilder
Munch experimentierte mit impressionistischen und postimpressionistischen Stilen. Er zog nach Paris, wo er ein nicht begeisterter Schüler von Léon Bonnat wurde. Von dort reiste er mit Künstlern und Intellektuellen nach Berlin.
Er stellte häufig aus, und seine Arbeiten wurden auf eine Weise erhalten, die wir jetzt als "polarisiert" bezeichnen würden. Als Munch 1886 das kranke Kind ausstellte, war dies ein Gemälde, das er als Durchbruch ansah (die gleichnamige Leinwand der Met - Ausstellung unten) spätere Kopie), kritische Reaktion war feindlich.
Die Szene, die an den Tod seiner Schwester erinnert, ist zart und krankhaft im Gefühl. Was die Öffentlichkeit jedoch schockierte, war der Mangel an traditionellem Finish. Er nannte es seine erste „Seelenmalerei“, eine Ablehnung der damaligen Stile zugunsten einer ganz persönlichen Herangehensweise.
Sein Lehrer Krohg hatte nach außen geschaut und Figuren im Kontext des sozialen Realismus gemalt. Munch schaute nach innen, so dass alle seine Motive, seien es Figuren oder Landschaften, einen psychologischen Zustand widerspiegelten.
Der Aufstieg zum Ruhm
Im Jahr 1892 zeigte Munch 55 Gemälde in der Gesellschaft der Künstler in Berlin. Die Reaktion war wieder heftig. Die Ausstellung wurde vorzeitig geschlossen und der Verein spaltete sich, was schließlich zur Berliner Secession führte (eine Vereinigung von Künstlern, die 1898 unter der Führung von Max Lieberman gegründet wurde; Sezessionisten hielten die Tendenzen der Moderne im Gegensatz zu den Traditionalisten im staatlichen Berliner Künstlerverband aufrecht)..
Munch war berühmt. In diesem Jahr malte er Sick Mood at Sunset: Despair, einen ersten Ausflug in die Idee, die im folgenden Jahr mit seinem berühmtesten Bild, The Scream, kristallisiert werden sollte.
Der stark bearbeitete Realismus seiner früheren Bilder war zu diesem Zeitpunkt einer flüssigen Pigmentapplikation gewichen, die auf eine traumhafte Umgebung schließen lässt. Und obwohl der rote Himmel auf einem Abend basierte, den Munch gesehen hatte, scheint er eher an einen emotionalen Zustand als an atmosphärische Effekte zu erinnern.
Der Fries des Lebens
In dieser Zeit, in den frühen 1890er Jahren, begann Munch mit der Arbeit an einer Reihe von Gemälden, die Themen wie Liebe, Angst und Tod darstellten und den Titel "Frieze of Life" (Der Schrei sollte ursprünglich zu dieser Gruppe gehören) tragen. In den nächsten Jahren schuf er 22 Leinwände für die Serie, von denen viele zu seinen wichtigsten Gemälden zählen.
Das Höhepunktwerk war Der Tanz des Lebens, eine Szene, die sich in einer Sommernacht am Meer abspielt, ein aufgehender Mond, der sein monolithisches Spiegelbild auf das Wasser wirft. Das Vordergrundtableau wird von einem Paar dominiert, das in der Mitte tanzt. Das rote Kleid der Frau ist um die Beine ihres Partners gewickelt. Links schreitet eine lächelnde junge Frau voran, um eine Blume zu pflücken. Und rechts zieht sich eine ältere Frau trostlos zurück.
Romantik, Lust und Isolation spielen sich in einem rhythmischen Design ab, das den Einfluss des Jugendstils suggeriert. Obwohl das Thema universelle Implikationen hat, stellte Munch in seinem Tagebuch fest, dass sich die Charaktere auf seine eigenen, oft unruhigen, romantischen Erfahrungen bezogen.
Norwegen und Nocturnes
Für Munch war die Landschaft seiner Heimat Norwegen auch ohne menschliche Präsenz von emotionaler Kraft durchdrungen. Es wurden auch Themen angeboten, die in Gemälden wie The Scream und The Dance of Life vermittelt wurden und die den Künstler so sehr interessierten, dass er sie im Laufe seines Lebens erneut besuchte.
Unter seinen zahlreichen Nocturnes malte Munch 1893 sein erstes Werk mit dem Titel Starry Night. 30 Jahre später kehrte er zum Thema zurück. Die Szene in der ersten Arbeit ist eine der Einsamkeit; Es wird nur vom Sternenlicht beleuchtet und ist auf einige wesentliche und eher bedrohliche Formen reduziert.
Die Sternennacht von 1922-24 ist mit ihrer welligen Grundfläche und den pulsierenden Sternen eine weitaus lebendigere und farbenfrohere Szene. Schneebedeckte Landformen wechseln zwischen tiefem Schatten und künstlichem Licht, das von den Gebäuden von Oslo erzeugt wird. Diese Eigenschaften sind beispielhaft für die Richtung von Munchs späterer Arbeit: immer noch kraftvoll in Design und Ausführung, aber lockerer, bunter und weniger geneigt zu den tragischen Themen seiner Jugend.
Selbstporträts
Ganz gleich, ob es sich um die Malerei der Dramen des menschlichen Lebens oder der Landschaft um Oslo handelte, Munchs Werk zeigte sich stets vorbehaltlos von selbst. Insofern Kunst sowohl eine Art der Kommunikation mit anderen als auch ein Mittel der Selbsterkenntnis ist, scheint es, dass Selbstporträts eine bedeutende Rolle in Munchs Oeuvre spielen würden.
In der Ausstellung in der Met waren fast ein Drittel der Gemälde wörtliche Selbstporträts (im Gegensatz zu den vielen Werken, für die der Künstler Ersatzzeichen verwendete - wie wenn ein Schauspieler in eine Figur schlüpft -, um seine Gedanken auszudrücken). Die früheste Ausstellung stammt aus dem Jahr 1886. Der junge Munch warf einen Seitenblick durch ein Gitter aus Kratzpigmenten.
Das nächste Selbstporträt mit dem Titel "Selbstporträt mit Zigarette" stammt aus dem Jahr 1895 und zeigt den Künstler, der von unten beleuchtet wird, einen Anzug trägt und eine brennende Zigarette schwingt. Der Stil ist ungewöhnlich naturalistisch, aber nicht weniger eindringlich als die von ihm erfundene Symbolsprache.
Munch steht in der Dunkelheit und betrachtet sich im Spiegel mit existentieller Besorgnis. Die Farbe wird in breiten, dünnen Blautönen, Schwarztönen und Violetttönen auf die Leinwand aufgetragen, mit Ausnahme von Kopf und Händen, die mit größter Sorgfalt gezeichnet wurden.
Selbstentwicklung
Munchs Selbstporträts zeichnen den Bogen seines künstlerischen Fortschritts nach und zeichnen seine körperliche und emotionale Entwicklung nach. In The Night Wanderer, gemalt als er 60 war, ist Munch nicht weniger voll als in den jugendlichen Porträts. Aber die Selbstdramatisierung hat nachgelassen und der Innenraum ist verständlich.
Vor zwanzig Jahren hatte er sich nackt an eine rote Wand gemalt und das Werk Self-Portrait in Hell betitelt. Jetzt trägt er einen Mantel und beugt sich mit zunehmendem Alter vor.
In späteren Selbstporträts nimmt Munch zunehmend die prosaischen Räume seines Zuhauses ein, als ob er sich an die irdische Umgebung gewöhnt hätte. Eines seiner letzten Bilder, das er im Alter von 80 Jahren gemalt hat, ist das Selbstporträt: Zwischen der Uhr und dem Bett - das Werk, nach dem die Ausstellung der Met benannt ist.
Munch steht in der offenen Tür zu seinem Schlafzimmer, flankiert von den Möbeln des Titels. Klein im Kontext seines Zuhauses steht er uns ohne Geste gegenüber. Er hat seine Haltung längst hinter sich gelassen.
Der Künstler war am Ende eines produktiven Lebens angelangt. Internationale Anerkennung war seine, dennoch entschied er sich, seine späteren Jahre allein mit Malen zu verbringen.
Ausdruck der Intensität des Verlustes
Hätte Edvard Munch nach seiner ersten ganz persönlichen Arbeit nicht mehr gemalt, wäre er als faszinierende Neugierde in Erinnerung geblieben. Was er in seinen 20ern und 30ern weiter produzierte, war erstaunlich für seine rohe Ehrlichkeit. Hatte ein Künstler vor ihm die Tragödie des persönlichen Verlusts für eine öffentliche Beurteilung ausgepackt, geschweige denn mit einer solchen visuellen Intelligenz?
Munch trennte sich von Symbolismus und Jugendstil darin, dass seine Gaben von Design und Farbe nicht im Dienst ferner abstrakter Ideen oder zum Erzählen von Geschichten über andere Menschen verwendet wurden, sondern um die Intensität des Verlusts in seinem eigenen Leben zu erfassen und zu kommunizieren. Er zupfte einen Akkord, der der nordeuropäischen Malerei mindestens so weit wie Dürer entsprang. Und er spielte es mit hoher Lautstärke.
Als er älter wurde, wurde Munchs Ton leiser. Aber sein Volumen - der Imperativ, den er empfand, um Gedanken in der Malerei auszudrücken, die bisher geflüstert worden waren - war unvermindert.
