Um die Lebendigkeit des Aquarells und seine Auswirkungen auf die Kunstwelt zu feiern, besuchten wir sieben amerikanische und britische Museen und baten die Kuratoren, ein einziges bedeutendes Aquarell aus ihren Sammlungen auszuwählen.
Obwohl ihre Auswahl nur eine kleine Auswahl der vorhandenen Aquarell-Meisterwerke darstellt, spiegeln diese Gemälde die Entwicklung des Mediums im 19. und 20. Jahrhundert wider.
Die folgenden Künstler befassten sich zunächst ausschließlich mit einem illustrativen und topografischen Medium und führten es auf immer experimentellere und ausdrucksstärkere Höhen.
Wunder der Aquarellwelt
# 1
Sieben lebhafte Vögel mit ausgestreckten Flügeln, wackelnden Köpfen und klappernden Schnäbeln sind die ersten Wunder der Aquarellwelt. Der Carolina-Sittich, die einzige in den USA heimische Papageienart, starb weniger als 100 Jahre nach der Darstellung durch John James Audubon aus.
Roberta JM Olson, Kuratorin für Zeichnungen bei der New York Historical Society, sagt: „Audubons brillante Darstellung bewahrt die Lebendigkeit der Art am besten.“ Audubon schuf dieses dynamische Aquarell für The Birds of America, ein Buch, das die ornithologische Illustration revolutionierte.
Niemand vor ihm hatte Vögel in Lebensgröße in Aktion dargestellt, umgeben von ihrem natürlichen Lebensraum. Audubon arbeitete über einen Zeitraum von 19 Jahren an der Darstellung aller Vogelarten in Amerika und schuf 435 Aquarelle, die alle in der Sammlung der New York Historical Society aufbewahrt werden.
Die Aquarelle wurden als handkolorierte Lithographien gedruckt. Dabei entwickelte der Künstler innovative Aquarellmethoden. Laut Olson "experimentierte Audubon mit neuartigen Techniken beim Modellieren, Kollagieren und Mischen von Medien - einschließlich Metallpigmenten - und gilt als Amerikas erster großer Aquarellist."
Die Carolina-Sittiche sind ein Beispiel für seinen mutigen und geschickten Einsatz mehrerer Medien. "Mit einer geschickten Stratigraphie aus Schichten von Aquarell, Gouache und Pastell … und Tausenden von parallelen Strichen schlug Audubon die Texturen ihres Gefieders vor."
Olson fährt fort: „In einer Tour de Force des Zeichnens zeichnete er Graphit auf jeden Schaft und Widerhaken des Aquarells. Diese Graphitlinien stellen nun das schimmernde Schimmern dar, das einst in der Natur zu sehen war, als sich die ausgestorbenen Arten im Licht bewegten. “Aufgrund von Audubons Engagement für wissenschaftliche Beobachtung und der experimentellen Verwendung von Aquarellfarben schweben seine Vögel praktisch über die Seite.
Wunder der Aquarellwelt
# 2
Richard Parkes Bonington porträtierte das strenge Innere der mittelalterlichen Basilika St. Ambrosius in Mailand in erdigen Farben. Sorgfältig schilderte er die aufstrebende Architektur in der Perspektive, wobei er die Bögen und Pfeiler abgrenzte und gleichzeitig den freien Fluss des Aquarells ermöglichte und die alternden Steinoberflächen darstellte.
„Bonington kombinierte Aquarellfarben mit Deckfarben und Gummilack in den dunkleren Bereichen, um subtile Übergänge zwischen Hell und Dunkel zu schaffen“, beschreibt Dr. Lelia Packer, die amtierende Kuratorin der Wallace Collection, Gemälde, Aquarelle, Miniaturen und Manuskripte.
"Lichtblitze beleben das Bild, wie im Grill in der Mitte und durch den fernen Chor." Obwohl es sich bei der Arbeit um eine meist genaue Darstellung der Kathedrale handelt, sagte Packer: "Bonington hat sich einige Freiheiten genommen, indem er die gotischen Züge übertrieben hat, was sein muss habe ihn besonders angesprochen. “
Bonington skizzierte häufig vor Ort in Öl und überarbeitete seine Motive später in seinem Atelier zu fertigen Aquarellen. Laut Packer war Milan: Interior of Sant 'Ambrogio maßgeblich an der jüngsten Entdeckung und Neuzuordnung einer Ölskizze in der Sammlung des Kimbell Art Museum in Fort Worth, Texas, beteiligt.
„Ein sorgfältiger Vergleich zwischen dem Aquarell des Wallace und der Ölskizze von Kimbell hat ihre enge Assoziation festgestellt“, sagt Packer. "Bonington blieb seiner [Ölskizze] relativ treu, abgesehen davon, dass er die Position einiger Figuren von der linken zur rechten Seite der Basilika veränderte."
Wunder der Aquarellwelt
#3
Dieses turbulente Aquarell repräsentiert JMW Turners Faszination für das Erhabene - Natur in ihrer wildesten, beängstigendsten und beeindruckendsten Form. In der Nähe der unteren rechten Ecke bildet ein winziger Wagen, der aus ein paar rötlichen Pigmenten besteht, eine Skala für die überwältigende Szene. Steile Berge überragen den Reisenden, während Wasser durch den schmalen Pass stürzt.
Turner verbrachte jeden Sommer zwischen 1840 und 1845 in der Schweiz. John Marciari, Charles W. Engelhard, Kurator und Abteilungsleiter der Morgan Library & Museum, berichtet über Zeichnungen und Drucke: „1842 bestieg Turner den Pass über den St. Gotthard und erlebte den Fluss Ticino in seinem Quellbach, als schmelzender Schnee den Fluss anschwoll Fluss."
Als Turner mit einer Skizze der Szene nach England zurückkehrte, zeigte er sie dem Kritiker John Ruskin, einem der größten Champions von Turner. „Ruskin gab dieses fertige Aquarell umgehend bei Turner in Auftrag und argumentierte, es sei das größte Werk, das er in der letzten Periode seiner Kunst geschaffen habe“, sagt Marciari.
In The Pass am St. Gotthard in der Nähe von Faido verwendete Turner die brillanten Techniken, die ihn zum bekanntesten britischen Aquarellisten des 19. Jahrhunderts machten. Marciari beschreibt das Aquarell wie folgt: „Turners Technik ist so außergewöhnlich wie seine Vision: Er zeichnete die Berge mit Schichten von Aquarellfarben ab, kratzte Farb- und Papierschichten ab und fügte dann weitere Schichten von Farbe und Gouache hinzu, während er Licht, Nebel und Licht transportierte rauschendes Wasser des Gebirgspasses. “
Turner hinterließ sogar Fingerabdrücke, als er nasse blaue Farbe in den Vordergrund mischte und tupfte.
Wunder der Aquarellwelt
# 4
Barfuß sitzt ein Junge mit aufgerollter Hose und Strohhut auf einem großen Anker und schaut vom Betrachter weg. Der Sandstrand ist übersät mit glatten, runden Steinen und Wolken am Horizont.
Zu Beginn seiner Karriere verwendete Winslow Homer Aquarellfarben in Zeichnungen für Gravuren und in vorbereitenden Skizzen für Ölgemälde, doch erst 1873 fertigte er seine ersten Aquarelle für die Ausstellung an.
In diesem Jahr verbrachte er den Sommer in Gloucester, Massachusetts, wo er inspiriert wurde, Kinder zu malen und zu malen, die an den Stränden und am Kai spielten.
„Dieses frühe Aquarell von Winslow Homer zeichnet sich durch eine dramatische Klarheit des Designs und eine präzise, kraftvolle Anwendung des Pigments aus“, sagt Emily J. Peters, Kuratorin für Drucke und Zeichnungen im Cleveland Museum of Art. „Bemerkenswert wirtschaftlich in der Technik, wurde es zuerst mit Bleistift gezeichnet und dann mit nur wenigen Farben ausgeführt.“
In der Kunst der Nachkriegszeit wurden Kinder nicht nur als Vorboten einer neuen Ära angesehen, sondern auch als Symbole für die verlorene Unschuld der Nation. Homers Gloucester-Aquarelle teilen diese Unterströmung.
„In diesem Aquarell ist der Anker, auf dem ein Junge sitzt, ein Symbol für Sicherheit und Stabilität“, bemerkt Peters. "Es ist auch als Zeiger konfiguriert, wie ein Pfeil, der den Blick des Betrachters auf das Meer lenkt, wo der Junge eines Tages gezwungen sein wird, einen gefährlichen Lebensunterhalt zu bestreiten."
Wunder der Aquarellwelt
# 5
Ein zerzauster afroamerikanischer Mann sitzt auf einem Stuhl in einem dunklen Raum. Licht fällt durch ein Fenster und betont seine Gesichtszüge und faltigen Knöchel. Sein Hemd ragt unter einer zerrissenen Jacke hervor und füllt die sonst erdige Palette mit ein wenig Blau. Der Mann ist Willard Snowden, der in Andrew Wyeths Atelier Gelegenheitsjobs machte und ein häufiges Model für den Künstler wurde.
Laut Audrey Lewis, Kuratorin am Brandywine River Kunstmuseum in Chadds Ford, Pennsylvania, Wyeths Heimatstadt, bezieht sich der Titel des Aquarells auf Snowdens gesprächige Art beim Posieren. Lewis sagt: "Umgeben von Leere in dem großen, kargen Raum direkt vor Wyeths Studio scheint er eine großartige Rede vor einem unsichtbaren Publikum zu halten."
Wyeth schuf dieses Porträt mit Drybrush, einer Technik, die ihm einen bewussten Ansatz ermöglichte. "Ich arbeite in der Trockenbürste, wenn meine Emotionen tief genug in ein Thema eindringen", sagte er einmal. „Ich male mit einem kleineren Pinsel, tauche ihn in Farbe, spreize Pinsel und Borsten aus, drücke einen Großteil der Feuchtigkeit aus und färbe mit meinen Fingern, sodass nur noch eine sehr kleine Menge Farbe übrig bleibt.“
Er putzte trocken, um eine schattige Atmosphäre mit Texturen und Details zu schaffen. "Textur, Licht und Schatten spielen in diesem Gemälde eine Schlüsselrolle", bemerkt Lewis, "wobei das Licht auf Snowden - insbesondere sein ausdrucksstarkes Gesicht und seine Hände - gegen die Dunkelheit des Raumes gerichtet ist." eine intensive, psychologische Stimmung.
Wunder der Aquarellwelt
# 6
Im September 1916 stieg die 25-jährige Georgia O'Kee aus einem Zug in Canyon, Texas, um die Kunstabteilung am West Texas Normal State College zu leiten.
Die raue Landschaft und der große Himmel, die die kleine Stadt in Texas umgaben, inspirierten den jungen Kunstlehrer. "O'Kee hat den Abendstern Nr. VII gegen Ende einer Folge von acht abstrakten Landschaften gemalt, von denen jede eindeutig auf die vorhergehende Komposition reagiert, diese aber nicht repliziert", sagt Carolyn Kastner, Kuratorin am Georgia O'Kee e Museum.
„Es ist eines von 51 Aquarellen, die die Künstlerin während ihres Unterrichts in Canyon geschaffen hat. Es ist bedeutend, weil es ihre frühe Leidenschaft für die Abstraktion zum Ausdruck bringt. “
Der Abendstern Nr. VII drückt O'Kees Erlebnisse beim Gehen in der Dämmerung aus, als sie die Intensität des Aufstiegs der Venus bewunderte. Sie schuf das Aquarell mit Waschungen der Primärfarben. Ein Streifen tiefes Blau deutet entweder auf den sich verdunkelnden Himmel oder das schattige Land in der Abenddämmerung hin, das O'Kee mit dem Meer verglich.
In ihrer Autobiografie schrieb sie: „Wir sind oft in der späten Nachmittagssonne von der Stadt weggelaufen. Es war wie das Meer, aber es war weites, weites Land. Der Abendstern würde hoch am Abendhimmel sein, wenn es noch hell war. Dieser Abendstern faszinierte mich. … Ich hatte nichts als in das Nirgendwo und den weiten Sonnenuntergangsraum mit dem Stern zu gehen. “
Wunder der Aquarellwelt
# 7
Samuel Palmer, ein führender britischer Landschaftsmaler der Romantik, wurde spät im Leben beauftragt, eine Reihe großer Aquarelle zu schaffen, die von John Miltons Gedichten inspiriert waren.
In The Lonely Tower zeigte Palmer eine leuchtende und schwermütige nächtliche Landschaft. Zwei Hirten ruhen sich aus, während der aufgehende Halbmond den wolligen Rücken ihrer Schafe beleuchtet. Eine weiße Eule fliegt aus der Dunkelheit über einem tiefen Abgrund. In der Nähe überquert ein Ochsenkarren eine Gasse auf einer Steinmauer.
Auf einem felsigen Abgrund in der Ferne steht gegen den Dämmerungshimmel der „einsame Turm“ mit einem einzigen Fenster, das von einem vermutlich ebenso einsamen Bewohner beleuchtet wird. Die fantasievolle Szene erinnert nur ein paar Zeilen an Miltons „Il Penseroso“. Das Aquarell fängt die melancholische Atmosphäre des Gedichts ein, ein Kennzeichen der Romantik.
"Palmer verwendet eine Kombination aus undurchsichtiger Gouache und transparentem Aquarell, um eine Stimmung friedlicher Kontemplation durch satte, samtige Dunkelheit und warme Highlights zu vermitteln", sagt Melinda McCurdy, Associate Curator für britische Kunst in der Huntington Library, Art Collections und Botanical Gardens. "Mit feinen, kontrollierten Pinselstrichen kontrastiert der Künstler das kühle weiße Licht der Sterne mit dem gelben Schein des Mondes und den roten und orangefarbenen Feuern, die im Fenster des Turms und in der Laterne des Wagens brennen."
Palmer arbeitete an dieser Reihe von Aquarellen, die er auch als Radierungen herstellte, bis zu seinem Tod 1881.
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