Lernen Sie die Aquarelltechniken - für Komposition, Designelemente und Schwerpunkt - berühmter Aquarellkünstler wie Winslow Homer, Andrew Wyeth, JMW Turner, John Singer Sargent und Edward Hopper.
Das Essential Notebook von Watercolorist ist die Ressource, die Sie auswählen können, nachdem Sie diese meisterhafte Inspiration aufgesogen haben. Erfinden Sie Szenen neu, die mit jedem Referenzfoto konkurrieren, und lernen Sie die Freude am Aquarell, damit Sie auf Ihre eigene Weise malen. Genießen! - Courtney
1. Nehmen Sie einen einzigartigen Standpunkt ein wie Winslow Homer
Im Winter 1885/86 malte Winslow Homer (1836-1910) im Urlaub in Nassau eine Reihe auffälliger Aquarelle. Dieser Hafen auf den Bahamas, der für seine wunderschöne Lage und sein gemäßigtes Klima bekannt ist, war schon damals ein modisches Resort. Aber in seinem Aquarell A Wall, Nassau, gibt Homer dem Betrachter nicht die klassische Ansicht einer Ansichtskarte. Die Szene ist zwar mit üppigen tropischen Farben und auffallendem karibischem Licht gefüllt, aber der Blickwinkel ist sehr ungewöhnlich.
Weit entfernt von einem typischen Landschaftspanorama hat Homer den klassischen Blick auf die Küste mit einer dicken grauen Wand versperrt. Die aufdringliche Wand dominiert nicht nur die untere Hälfte des Gemäldes; es ist auch einfach und unstrukturiert. Die vertikale Öffnung in die kühlen tropischen Grüntöne und das Blau des Wasserrands schafft die einzige Erleichterung. Aber auch diese Einladung in den mittleren Bereich des Gemäldes befindet sich unangenehm weit links und führt uns vom Hauptschwerpunkt weg: dem weißen Segelboot.
Schnitte machen
Darüber hinaus hat Homer das Bild mit zwei sehr starken horizontalen Linien in zwei Hälften geschnitten. In diesem Fall kommt Homer mit solchen nicht-traditionellen künstlerischen Geräten davon, weil er interessante dynamische Spannungen und ein starkes Bewegungsgefühl aufgebaut hat.
Beachten Sie die matten Orange- und Rottöne an der Wand, die er verwendet, um die Wand mit dem stärkeren Rot in den darüber liegenden Blumen in Einklang zu bringen und um in der unteren rechten Ecke eine entscheidende, aber subtile Form zu schaffen, die den Blick auf den Mittelgrund lenkt.
Das Spiel mit dem gesprenkelten Licht an der Wand (ein Beispiel für Homers großartige Ausnutzung des Weißbuchs) führt den Blick geschickt über die Wand in die Mitte. Der Himmel und das Laub lenken das Auge von links nach rechts, und die extravaganten roten Frangipani-Blätter verbinden die Hauptbereiche des Gemäldes, da sie wie ein Feuerwerk über der dicken Wand zu explodieren scheinen.
Vorläufer der Moderne
Diese Komposition, die die Bühne für die moderne amerikanische Malerei bereitet, hat eine fast östliche Schlichtheit und betont Spannungen und Gleichgewichte, um einen einzigartigen Blickwinkel zu schaffen. Homers Aquarelle werden von vielen als die größte Kunst angesehen, die Amerika jemals hervorgebracht hat. Und sein Talent, den Betrachter mit einer unangenehmen oder nicht so offensichtlichen Sicht herauszufordern, ist ein Grund. Ein anderes ist seine direkte und energische Ausführung des Mediums. Er malt sehr bewusst und mit außergewöhnlicher Kontrolle, erzielt aber einen unauffälligen Look.
2. Meistern Sie Ihre Komposition wie Andrew Wyeth
Andrew Wyeth zeigt in seinem berühmten Eitemperagemälde von 1948, Christina's World, auf hervorragende Weise, wie geschickt er mit kompositorischen Mitteln umgeht. In diesem Gemälde demonstriert er, dass Designelemente nicht auffällig sein müssen, um effektiv zu sein. Manchmal sind sie sogar so subtil, dass sie Ihrer Aufmerksamkeit entgehen, es sei denn, jemand macht Sie auf sie aufmerksam.
Wenn Sie genau hinsehen, sehen Sie zwei lose Haarsträhnen, die seitlich aus Christinas Kopf herausragen. Diese beiden Schleusen haben die Form geschwungener Linien, die das nahegelegene Schienenpaar widerspiegeln, das bergauf zum Haus führt. Oben rechts in der Einfahrt befindet sich ein Zaun, der diese Linien erneut wiedergibt. Auf der linken Seite von Christinas Kopf befindet sich ein weiteres Haarbüschel, dessen Form auch an anderer Stelle im Bild wiedergegeben ist. Es wiederholt sich in der kurvigen Linie im Feld links oben und wieder - diesmal in umgekehrter Reihenfolge - auf der gegenüberliegenden Seite ihres Kopfes.
Der Körper einer Frau, wiederholt
Es gibt auch eine volle Form, die in diesem Gemälde widerhallt - eine, die ziemlich unauffällig und doch enorm kraftvoll ist. Die Form des Körpers der Frau erklingt abstrakt in den Formen der Gebäude im Hintergrund. Es passiert in der Gebäudehaufen in der oberen rechten Ecke des Bildes. Und Sie werden es in dem kleinen Nebengebäude direkt über ihr oben auf dem Hügel wiederfinden.
Was wir hier tatsächlich haben, ist eine organische Form (der Körper der Frau), die von zwei geometrischen Formen wiedergegeben wird. Diese Wiederholung von Formen ist weder zufällig noch zufällig. Es ist das Produkt des kompositorischen Genies des Künstlers. Und es ist diese Art von Instinkt, aus dem große Kunst gemacht ist.
Landschaft und Figur
Das dominierende Element in diesem Gemälde ist der scheinbar weite und öde Hang, der die verzweifelte Gestalt isoliert, die sich auf dem Boden ausbreitet. (Christina Olson, Wyeths Model, konnte nicht laufen.) Der Schwerpunkt liegt jedoch auf der Figur.
Zum einen wird das Auge eher von einer menschlichen Form als von einem Gebäude angezogen. Eine komplexe Form fällt auch eher auf als eine einfache Form, und der verdrehte Körper des Modells ist viel komplexer als alles andere, was in Sicht ist.
Linien, um das Auge zu lenken
In Christina's World können wir auch Wyeths kluge Verwendung von Richtungslinien entdecken. Im oberen Teil des Gemäldes führt er mit diagonalen Linien in das Bild und auf das Haus auf dem Hügel zu, wo Christina hinschaut - und vermutlich auch sein will.
Die Form der scheinbar gestrandeten Figur besteht ausschließlich aus diagonalen Linien, die Übergang und / oder Instabilität anzeigen. Die Gebäude auf dem Gipfel des Hügels hingegen sind stabilisierende Elemente - insbesondere das rechts (Christinas Zuhause). Obwohl ihre Dächer geneigt sind, werden sie durch die vertikalen Konturen der Seiten und Schornsteine der Gebäude mehr als ausgeglichen. Dadurch wirken die Strukturen recht solide und robust. Dies steht in dramatischem Kontrast zu der ungeheuren Zahl im Feld darunter.
Auch hier hat Wyeth das Prinzip des Blickwinkels und der Perspektive zu seinem Vorteil genutzt. Es besteht kein Zweifel, dass die Figur in Ihrer Nähe ist, während das Haus weit weg ist. Diese lange Sicht, die über sie und bis zum fernen Haus reicht, unterstreicht ihren Zustand der Isolation. Und weil Wyeth unseren Standpunkt hinter Christina gesetzt hat, teilen wir ihre Trostlosigkeit, die die psychologische Wirkung des Gemäldes verstärkt.
3. Gehen Sie direkt wie John Singer Sargent vor
"Mit Sargents Aquarellen zu leben bedeutet, mit Sonnenschein zu leben, der festgehalten und festgehalten wird", sagte einer der vielen Biographen des Künstlers. Tatsächlich scheinen die Aquarelle von John Singer Sargent Licht auszustrahlen. In Figure with Red Drapery vibriert der gesamte Raum mit der Tapferkeit seiner Pinselstriche.
Eine Liebesbeziehung
Es besteht kein Zweifel, dass Sargent (1856-1925) Aquarell liebte. Von dem Moment an, als er die Meister in Museen studierte und sich in die Malerei verliebte, verwendete er Aquarellfarben. Die Unmittelbarkeit begeisterte ihn. Und wie jeder wahre Meister war er in der Lage, die von ihm beherrschten Aquarelltechniken auf jedes andere Medium zu übertragen, das er versuchte. Mit einer einfachen Dose mit Pan-Farben sagte Sargent, er würde "das Beste aus einem Notfall machen".
Sargent's Möglichkeiten
Sein Verfahren war einfach: Zuerst befeuchtete er sein Papier mit einem leichten Farbauftrag, wobei einige Bereiche unberührt blieben. Dann fing er mit einem geladenen Pinsel an, die Form der Figur zu artikulieren und das rote Tuch mit satter Farbe aufzuladen.
Zu diesem frühen Zeitpunkt hat er seine Motive noch nie skizziert - das Papier wäre immer noch zu nass, um eine scharfe Kante zu erzielen. Stattdessen formte er die Figur in Form, indem er jedem Körperteil offensichtliche mittlere Schattenformen und dunkle Schattenformen gab, während er die hellsten Bereiche gekonnt unberührt ließ.
Er malte die dunkle Seite einer Form zusammen mit der Umgebung der Form, wo immer der Wert ähnlich war. Als das Papier zu trocknen begann, verwendete er dunkle Farbstriche und akzentuierte die Kanten, um die Formen zu definieren und das Licht hervorzuheben.
Ein großer Maler, ein großer Zeichner
Wie seine selbstbewusste Pinselführung zeigt, war Sargent ein hervorragender Zeichner, das Ergebnis jahrelanger Praxis. Ein Künstlerfreund Adrian Stokes, der ihn beobachtete, bemerkte: „Als er einmal sesshaft war … war die Schnelligkeit und Direktheit, mit der er arbeitete, erstaunlich … seine Hand schien sich mit der gleichen Beweglichkeit zu bewegen, als würde er über die Tasten eines Klaviers spielen … Es war eine Art Kurzschrift, aber es war magisch."
4. Kombinieren Sie das Echte und das Romantische wie JMW Turner
Das Zeitalter der Aufklärung im 18. Jahrhundert war eine Zeit, in der Wissenschaftler und Künstler von der Bedeutung des Beobachtens und Studierens fasziniert waren. John Ruskin, der große englische Schriftsteller und Kunstkritiker der damaligen Zeit, schrieb, dass JMW Turner (1775-1851) „mit einer Rolle dünnem Papier in der Tasche durch eine Stadt lief und ein paar Kratzer auf ein oder zwei Blättern machte es war so viel Kurzschrift für alles, woran er sich erinnern wollte. Als er am Abend in seinem Gasthaus ankam, beendete er das Stiften schnell und fügte so viel Farbe hinzu, wie für die Aufnahme seines Bildplans erforderlich war. “
Eine beobachtete Feuersbrunst
Als die Londoner Houses of Parliament am 16. Oktober 1834 von Flammen verbrannt wurden, war Turner in einem Ruderboot vor der Küste und zeichnete die dramatische Szene schnell in seinem Skizzenbuch auf. Er blätterte so schnell um, um die Szene aus zahlreichen Blickwinkeln festzuhalten, dass auf der Rückseite jedes Aquarells etwas von dem vorherigen aufgetupft ist.
Natürlich wurde Turner vom Zeitalter der Aufklärung beeinflusst, aber er war auch ein Produkt der Romantik (1789-1837), in der Kunst und Wissenschaft untrennbar miteinander verbunden waren. Wie andere romantische Künstler interessierte er sich nicht nur für Beobachtung, sondern auch für Emotionen. Seine Motive hatten oft symbolische Obertöne und seine Pinselführung war ebenso subjektiv wie objektiv.
Als Turner dieses große Monument in Flammen malte, war es nicht das Detail, auf das er sich konzentrierte. Er malte die Wut der Naturkräfte. In seinen Händen wurden Feuer, Wasser und der mit Rauch gefüllte Himmel zu einem apokalyptischen Ereignis.
Wenn Sie sich die Serie von Skizzen des Feuers ansehen, das er vor Ort gemacht hat, können Sie sehen, wo er das Papier buchstäblich mit wütenden Pinselstrichen angegriffen hat. Und in der ein Jahr später durchgeführten Studie The Burning of the Houses of Parliament untersucht Turner immer noch das Thema der Wut der Natur und entwickelt es zu reichhaltigeren und komplexeren Versionen. Tatsächlich war Turner so fasziniert von dem Thema, dass er es immer wieder in Aquarell und Öl malte.
5. Studiere das Licht wie Edward Hopper
Edward Hopper (1882-1967) begann seine künstlerische Karriere als kommerzieller Illustrator. Über die Erfahrung sagt er: „Ich habe mich immer für Architektur interessiert, aber die Redakteure wollten, dass die Leute mit den Armen wedeln. Vielleicht bin ich nicht sehr menschlich. Was ich tun wollte, war, Sonnenlicht an die Seite eines Hauses zu malen. “
In The Mansard Roof malte er Architektur nach seinen Vorstellungen. Er vermittelte Form mit dem Drama des Lichts und füllte fast die gesamte Komposition mit dieser großen, markanten Struktur. Hopper malte das Haus bei einem seiner vielen Sommerbesuche in Gloucester, Massachusetts, auf Cape Ann.
Cape Ann, der östlichste Punkt der USA, ist oft sehr windig. Infolgedessen malte Hopper oft Szenen wie diese aus seinem Auto heraus. Da es sich bei Gloucester um eine alte Stadt handelt, liegen die meisten Häuser nahe beieinander und in unmittelbarer Nähe der Straße. Der Ausschnitt dieses Bildes zeigt, wie wir das Haus beim Gehen oder Vorbeifahren erleben würden.
Sehen Sie es, malen Sie es
Hopper hat seine Aquarelle in der Regel vor Ort gemalt. Für ihn war es das wahre Thema, die Einzigartigkeit eines bestimmten Tages festzuhalten. In The Mansard Roof spielte er einzelne Elemente des Gebäudes herunter, sodass das Wetter, die Jahreszeit, der Wind, das Licht und der Schatten, die Bewegung der Markisen und das Spiel von warmem und kaltem Licht die Szene beherrschten.