Von vertrauten Objekten und Ikonen zu Introspektivem und Undurchschaubarem
Jasper Johns (1930–) ist einer der herausforderndsten, einflussreichsten und originellsten Künstler seiner Generation. In diesem Frühjahr versammelt das Broad Museum in Los Angeles Arbeiten aus allen Phasen seiner Karriere für die große Ausstellung „Something Resembling Truth“. Es bietet eine einzigartige Gelegenheit, die gesamte Bandbreite der Leistungen des Künstlers von seinen Ikonen der Pop-Ära aus zu betrachten von Zielen und Flaggen zu seinen späteren, eher nachdenklichen autobiografischen Gemälden.
Bitte weniger Gefühl
Johns begann seine Karriere mit einem durchschlagenden Aufsehen, als ihn sein New Yorker Debüt in der Leo Castelli Gallery von 1958 in den Vordergrund der amerikanischen Kunstszene katapultierte. Die Ausstellung war ausverkauft, und einige der Gemälde gingen an das Museum of Modern Art.
Das Time Magazine des folgenden Jahres würdigte ihn als "den brandneuen Liebling der hellen, brüchigen Avantgarde der Kunstwelt". Johns stellte in einer Stadt aus, in der der abstrakte Expressionismus vorherrschte, und wandte sich von der romantischen, gestischen Herangehensweise von Malern wie z als Motherwell und de Kooning, mit seinen Behauptungen von tiefer Bedeutung und Umarmung roher Emotionen.
"Ich möchte nicht, dass meine Arbeit meine Gefühle preisgibt", sagte Johns. Stattdessen fertigte er Gemälde aus alltäglichen und banalen Motiven an - Zielscheiben, Flaggen und Zahlen - den alltäglichen Kennzeichnungs- und Arbeitssymbolen des modernen Lebens.
Anstatt in das Unterbewusstsein einzutauchen oder mit obskuren Bezügen umzugehen, malte er Themen, die, wie er es ausdrückte, „Dinge waren, die der Verstand bereits weiß“. Die Bilder wurden einfach zu Objekten und nicht zu Kanälen für Bedeutungen oder zu Fenstern in die Seele des Künstlers.
Über die Flaggen
Das Malen einer Flagge, das Gemälde selbst wurde zur Flagge, ebenso wie das Malen über eine Flagge. Als Subjekt und Objekt verschmolzen, wurde der Betrachter aufgefordert, ein Bild zu betrachten, das normalerweise nicht die gleiche Aufmerksamkeit erregt.
Doch auf den modischen, makellos weißen Wänden von Castellis Galerie waren Johns 'Bilder gebieterisch und optisch großartig, angereichert mit üppigen Oberflächen von Enkaustik und mit hinreißenden Farben. Das Banale, so schien es, könnte auch betörend, sinnlich befriedigend und überaus begehrenswert werden.
Darüber hinaus schienen die Bilder einige sehr interessante Fragen zur Natur der Kunst zu stellen. Welche Beziehung besteht zwischen einem Kunstwerk und seinem Thema? Muss ein Kunstwerk überhaupt etwas bedeuten?
Antworten auf einige dieser Fragen ergaben sich aus Johns 'Praxis, mehrere Iterationen seiner Bilder zu untersuchen. "Nehmen Sie ein Bild / Tun Sie etwas dagegen / Tun Sie etwas anderes dagegen", schrieb er in sein Skizzenbuch.
Es sollte ein Programm von ungeleiteten und vielleicht launischen Variationen sein, eine Untersuchung, die einfach sehen würde, was passierte, wenn Johns mit verschiedenen Aspekten eines Bildes spielte. Zahlen können groß oder klein gemacht werden; sie könnten farbig oder einfarbig sein; Sie können übereinander oder in Reihen angeordnet sein.
Ebenso kann eine Flagge in einer beliebigen Menge von Farben in einer beliebigen Skala gerendert werden. Änderungen an diesen Grundparametern führten in der Tat zu Verschiebungen im Erscheinungsbild und im Import der Bilder.
Johns wurde 1969 gebeten, einen Beitrag zum Moratorium zur Beendigung des Krieges in Vietnam zu leisten. Aus Rot, Weiß und Blau wurde Grün, Schwarz und Orange, und das Bild nahm ein alarmierendes und entfremdetes Aussehen an.
Das Wie von Jasper Johns
Wie war es einem so jungen Künstler möglich, so radikale und attraktive Werke zu schaffen, um Gemälde zu schaffen, die den gesamten Boden der Kunstwelt unmittelbar verändern würden? Wie die meisten Erfolge geschah es nicht über Nacht, obwohl die Anfänge in diesem Fall alles andere als günstig waren.
Johns wurde als Sohn eines südlichen Bauern geboren und nach der Scheidung seiner Eltern unter verschiedenen Familienmitgliedern gemischt. Er lebte mehrere Jahre bei einer Tante in einer ländlichen Umgebung, in der es an Strom und Telefon mangelte. Als Junge mochte er gerne zeichnen. Er sehnte sich danach, Künstler zu werden, hatte aber Schwierigkeiten, eine Ausbildung zu finden.
Nach ein paar Semestern an der University of South Carolina kam er 1951 nach New York, wo er sich an der Parsons School of Design einschrieb, um sich einige Monate später als Bote und Schifffahrtskaufmann zu behaupten. Er wurde in die Armee eingezogen, in der er zwei Jahre lang diente, und 1953 wurde er entlassen und reiste erneut nach New York.
Diesmal schrieb er sich am Hunter College ein, nur um nach einem Tag zu gehen und einen Job in der Nachtschicht des riesigen Marboro-Buchladens anzunehmen. Während dieser Zeit begann Johns, Künstler in und um den Kreis von John Cage und Merce Cunningham zu treffen.
Am wichtigsten ist, dass er seine Freundschaft mit Robert Rauschenberg (1925–2008) begann, einem mehrere Jahre älteren Künstler, der in den nächsten Jahren sein Mentor und Partner werden sollte. Rauschenberg unterstützte sich mit einem freiberuflichen Fensterdekorationsgeschäft und zählte zu seinen Kunden das Kaufhaus Bonwit Teller.
Johns gab seinen Job auf, um Rauschenberg zu helfen, und in den nächsten Jahren arbeiteten die beiden Künstler eng zusammen, sowohl im Bereich der Schaufensterdekoration als auch des Kunsthandwerks. Es ist verlockend zu spekulieren, dass die Verantwortung eines Schaufensters - geschmackvolle, unterhaltsame und visuell befriedigende Brillen für ein breites Publikum anzubieten - bei Johns eine Sensibilität entwickelte, die sich gerne auf seine bildende Kunst übertragen würde.
Inspiriert von einem Traum
Johns begann, seine Flaggenbilder zu malen, die ursprünglich von einem Traum inspiriert waren. Er begann seine erste Emailmalerei, wandelte sich aber bald zu einer Enkaustik und baute strukturreiche Oberflächen auf.
Einer der frühen Auftritte dieser Bilder war 1957 im Fenster von Bonwit Teller. Andere erschienen in Gruppenausstellungen, fanden jedoch wenig Beachtung, bis der Kunsthändler Leo Castelli Johns 'Loft besuchte und ihm sofort eine Ausstellung anbot.
Castelli erkannte nicht nur einen bedeutenden und originellen Künstler an, sondern hatte auch das Talent und die Energie als Förderer, um seine Karriere zu starten. Es folgten Ausstellungen in Paris und Japan, die Sammler wurden ohnmächtig und die Preise stiegen.
Solch ein Erfolg kommt nicht ohne seine Kritiker aus, und die Maler des Abstrakten Expressionismus waren kaum erfreut, das Rampenlicht zu teilen. Eines Tages hörte Johns, dass de Kooning sich über Castelli beschwert hatte und sagte: "Dieser Hurensohn - Sie könnten ihm zwei Bierdosen geben und er könnte sie verkaufen."
Johns war fasziniert. „Was für eine Skulptur, zwei Bierdosen“, erinnerte er sich. "Es schien mir perfekt zu passen, was ich tat, also habe ich sie gemacht - und Leo hat sie verkauft."
Ein Teil des Pops
Im Großen und Ganzen wird Jasper Johns 'frühes Werk als Teil der Pop-Art-Bewegung gesehen, einer losen Gruppierung, zu der Rauschenberg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist und Wayne Thiebaud gehörten.
Johns 'Werk zeichnet sich jedoch durch sein formales Beharren auf dem Prozess und seine strenge Ironie aus, Eigenschaften, die die folgenden Bewegungen des Minimalismus und der Konzeptkunst beeinflussen sollten. Johns behielt seinen Ansatz bis in die frühen 1960er Jahre bei und arbeitete mit banalen und weithin erkennbaren Motiven - einschließlich Buchstaben des Alphabets und Karten der USA - in verschiedenen Maßstäben und Farben.
Allmählich erweiterte er seine Erkundungen und schuf eine Reihe von Werken, die die Objekte enthielten, die die Striche im Bild gemacht hatten. An der Oberfläche von Fools House ist beispielsweise ein Besen angeschraubt, mit dem ein schwungvoller Bogen durch das Gemälde gezogen wurde.
In diesem Kunstwerk haben wir wieder einen scheinbar bewusst banalen Akt der Bilderzeugung, bei dem der Künstler lediglich ein mechanisches Mittel zur Herstellung eines Motivs bereitstellt. Dies entspricht in hohem Maße der Vorstellung des Künstlers als Supervisor oder Aufseher des kreativen Akts und nicht einer Art Seelen-Entblößungs-Genie.
In diesem Gemälde ist der Besen auch schriftlich beschriftet, ebenso wie eine Tasse, die am Boden des Gemäldes hängt, und eine kleine Bahre und ein Handtuch, die auf die Oberfläche geklebt sind. Alles, darauf besteht das Gemälde, ist genau das, was es ist und nicht mehr.
Allmählich begann Johns, Bilder und Objekte in seine Gemälde aufzunehmen, die auf traditionellere Weise zu funktionieren scheinen, als Symbole, die auf persönlichere und komplexere Bedeutungen verweisen. Dies mag zum Teil die emotionalen Schwierigkeiten des Künstlers widerspiegeln, nachdem seine Beziehung zu Rauschenberg 1961 unterbrochen wurde.
Weitere persönliche Streifzüge
Mit der Zeit wagte sich Johns Arbeit in ein persönlicheres und weniger zugängliches Gebiet. In den 1970er Jahren begann er, scheinbar abstrakte Bilder zu verwenden, die dennoch alle Arten von Referenzen beinhalten. Insbesondere in vielen Gemälden, wie zum Beispiel Ohne Titel, ist ab 1975 ein Schraffurmuster zu sehen.
Obwohl die ursprüngliche Inspiration unbekannt ist, stieß der Künstler in einem Gemälde von Edvard Munch auf ein ähnliches Motiv. Das Motiv fühlt sich abstrakt an, aber die Titel einiger Werke, in denen Johns die Schraffur verwendet, weisen darauf hin, dass es sich bei den Gemälden um Sterblichkeit handelt, ein Thema, das in seinen Arbeiten der letzten Jahrzehnte immer wieder vorkommt.
Johns hat in seinen Arbeiten auch andere Künstler zitiert, von Grünewald und Leonardo bis Picasso und Duchamp. Viele der späten Arbeiten von Johns präsentieren sich als undurchsichtige Rätsel, und der Künstler selbst hat den Import seiner Bilder im Allgemeinen zurückgehalten, sodass Kritiker und Betrachter sich nach Belieben damit befassen können.
So sind im Sommer auf der rechten Seite des Gemäldes Motive aus Johns früheren Arbeiten zu sehen, darunter das Schraffurmuster, verschiedene Flaggen und die Mona Lisa. Auf der linken Seite des Gemäldes nimmt die leere graue Form des Schattens des Künstlers die Schärfe eines Körperumrisses an einem Mordort an. Das Gemälde scheint eine Reflexion über den relativen Wert des Lebens des Künstlers und seiner Kunst zu sein, aber alle Schlussfolgerungen bleiben dunkel.
"Mir scheint, " sagte der Künstler 1988, "kann man nie eine umfassende Aussage machen." Einer macht einfach weiter - dies, das und das andere - und dann hört es auf. “
Heutzutage
Wie auch immer seine Andeutungen der Sterblichkeit in den 1980er Jahren aussehen mögen, Jasper Johns wurde ein langes Leben zugestanden und er hat seine autobiografische Auseinandersetzung fortgesetzt. In Untitled präsentiert er von 1992 bis 1994 eine große Leinwand in einer sehr düsteren Farbpalette, die Blaupausen des Hauses seines Großvaters zeigt, in dem er als Kind für kurze Zeit lebte.
Die Komposition und ihre fragmentierte Bildsprache lassen sich nicht leicht interpretieren, und da der Künstler keinen endgültigen Kommentar abgibt, können wir nur vermuten, dass es sich bei dem Werk um eine Art Meditation über seine Kindheit handelt.
Im Laufe einer langen Karriere haben wir uns offenbar von Gemälden mit „Dingen, die der Verstand bereits kennt“zu „Dingen, die nur der Künstler kennt“entwickelt. Interessanterweise sind die verschiedenen formalen Experimente und Variationen des Frühwerks malerisch zusammengesetzt die sprache, die der künstler für ausdrucksstärkere zwecke einsetzt, endet in seinem späten werk.
Weit entfernt von der Ironie des Frühwerks liegt eine unbestreitbare emotionale Auseinandersetzung mit seiner späten Malerei, die Verwendung der Ausdruckskraft von Farbe und Ton und die Erzielung einer elegischen Atmosphäre, die Sentimentalität geschickt vermeidet.
All dies wäre ohne seine frühen Durchbrüche und formalen Experimente nicht möglich gewesen. Wenn sich das Gesamtwerk verändert hat, bestätigt dies lediglich, dass wir Zeuge eines breiten und ernsthaften kreativen Strebens sind. "Man hofft auf etwas, das der Wahrheit ähnelt", sagte der Künstler im Jahr 2008, "ein Gefühl des Lebens, sogar der Anmut, um zumindest in der Arbeit zu flackern."